Herman Vandever Navajo 14k gold coral/sugilte beaded necklace/pendant. Circa last quarter of the 20th century with no apparent issues. Tested and guaranteed solid 14k gold (pendant and all hardware/findings on necklace) with weight and measurements in pictures. 22" long necklace Herman Vandever (1964- ) Diné – Navajo Nation. He belongs to a family of well-known silversmiths and it seems only natural that he would follow in their footsteps. He turns traditional methods into contemporary styles with fine, natural stones, coral and even sea shell. He often makes his own ingot silver jewelry by melting his silver to roll it out into handmade sheet silver.

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Michael Horse-Yaqui natural Opal, diamond, 14k gold kachina figural pendant . Circa last quarter of the 20th century with no apparent issues. Tested and guaranteed solid 14k gold with weight and measurements in pictures. Natural opal, natural diamond. Michael Horse, of Yaqui, Mescalero Apache, Zuni, European and Hispanic descent, was born Michael Heinrich Horse in a place he calls “near Tucson”. He moved to Los Angeles,“the biggest urban Indian community in the U.S.,” when he was ten. There, Navajo, Cheyenne, and Sioux families surrounded him. He participated in the ceremonial dances at intertribal powwows from an early age. Not surprisingly, given his network of resources and diverse tribal bonds, Horse turned out to be a “polymath”, mastering several traditional artistic disciplines. He learned jewelry-making from his uncles. His mother trained him in the flat style of painting promoted by Dorothy Dunn at the Santa Fe Indian School. She was also a potter and a kachina carver. As a young man, he studied at the Institute of American Indian Arts in Santa Fe with the painter Fritz Scholder, the stone sculptor Allen Houser, and the potter-turned-jewelry-maker Charles Loloma. Horse built a successful career as a sculptor and jewelry-maker himself, working the fairs, markets, and Native American arts festivals. Michael learned how to make jewelry from family and other native artists who were kind enough to teach him. He had seen jewelry being made from the time he was a child. He says, “In my early silversmith career, I liked to make larger pieces, large silver bolos, horse bridals, and actual handmade silver sculptures. Someday, I hope to have time to go back and reexamine these pieces and do similar work again.” “As long as I have been doing this,” Michael says, “I still never run out of inspiration or innovation in what can be done with this art form. Nature and spirituality are constant influences in my work. I am also inspired by non-Native artists such as Picasso and Michaelangelo, and I am inspired deeply by political artists, those who use their work to inspire others such as Diego Rivera.” “I’m finding now that from my travel among other native cultures that I am starting to use images that I did not grow up with. I am inspired by other tribal artists. From the plains to South America to Africa, I’m finding that there are similar patterns among indigenous people around the world and that it is indeed a very small place. It is a place with similarities among us indigenous people that don’t seem to be accidental. Michael had always been moved by the older kachina jewelry that had been made in the 1940s. These older pieces have inspired him to make amazingly detailed kachina bolos, earrings, and pendants. During the Southwest Museum’s 20 year retrospective of his work, he realized that had not taken many photos of his work over his career. He had to try to round up pieces from collectors for the show. Upon seeing the body of his work, he realized the subtle changes it was going through as the years passed. He was also surprised to realize that some of his early work was as interesting as his new work. “I go back and forth in my work, from the traditional to the contemporary, and I learn on this journey how the both are connected. One of the most rewarding aspects of being a jeweler is when I meet someone for the first time who owns a piece of my art, and they tell me how much they enjoy it and how many compliments they receive when they wear it. To me, that is a feeling like no other.” Then, Horse made a discovery that shifted his orientation as an artist: ledger art. “I have always been into arts. The acting was something that I had an opportunity to do. Art is my passion; it‘s my life. I grew up doing jewelry. I used to work for the Heye Foundation at the Museum of the American Indian in New York and when no one was looking I used to go sneak and look at stuff. That was where I first found this tribal art, the ledger art that I do. I was fascinated that first time I saw it and thought this is my history. Even though this was a plains style I knew that this was the way that all of us had recorded our history at one time. I used to just do this because I was a fan of the art form but now I am pretty much an authority on this art form. The last few years of doing this I thought to myself wherever you physically and culturally repressed people, this art exists. I am trying to put together an exhibition for the Smithsonian about the artwork that comes out of internment camps. The Museum of Tolerance in Los Angeles has a lot of drawings, similar to the ledger art, from the concentration camps. Similar works also exist from times of slavery in the South, on Angel Island, and now from Darfur. In this country, the name itself hints at the history of this art form, which originated in the 1800s. Plains Indians, confined to reservations and deprived of the animal hides that served as supports for traditional painting, continued to make paintings using whatever materials they could find. Discarded sheets from the ledger books in which the white men kept track of their accounts were in abundant supply. These pages served as surfaces on which to preserve traditional stories and record contemporary events. As a painter Michael Horse has brought reinvigorated inspiration to the traditional Native American style of “ledger art.” In the reservation era, as the practice of painting on buffalo hides became impossible, any “canvas” readily available took its place with various scrap papers such as book pages, old letters, maps and ledger books becoming background for visual recollections of heroic battles, scenes of ceremony, hunting and daily life. Newer implements such as crayons, colored pencils and water-colors allowed for a new breadth of detail. This traditional folk art was very free-flowing, Michael Horse points out, incorporating symbols and movement, almost like a film scene with images leading right off the pages in a very uncontained style. Having had the opportunity to see many of the old, original ledger drawings through his work with museums, Michael Horse explains its pull on him: “I knew this was my history book, coming from my point of view.” Moved by the creativity and resourcefulness of his ancestors under such oppressive conditions, Horse undertook to reconceive ledger art as a contemporary genre. He continues to work in silver and stone, but his study of ledger art and output in the genre has made him a leading figure the field of contemporary painting and a source of inspiration for other artists and cultural producers. “I don’t copy,” he clarifies, “or imitate traditional material.” Rather he employs a traditional formal vocabulary to speak about the past in the present tense and shed light on cultural continuities. He tracks down old documents to use as canvases: maps, marriage certificates, pages from ledgers and hymnals. He outlines his figures in black against this background and fills in the outlined forms with bright planes of color. A rider gallops astride a green horse amidst a herd of buffalo. Warriors charge into battle. Clans gather to celebrate a feast day. The figures are stylized and iconic. The dynamic compositions have an uneasy relationship to the page, as if resisting containment within its bounds. Man and beast are inscribed against a ground signifying extinction and interment — but they are light, swift, full of vitality. Many of the paintings bear biting titles: We Are Still Here, Don’t Take My Picture, This Land Is Your Land. He is very proud of the paths that Native art have taken, as well as the path that it is moving toward with younger artists. He himself was inspired by some of his peers, and hopes that someday younger people might learn from and be inspired by some of his work. A true modern day renaissance man, Michael is a jeweler, actor, stunt man, sculptor, painter and activist. As an actor, he has appeared in many movies and on television, including Twin Peaks, Passenger 57, Lakota Woman, and the CBC Canadian series, North of 60. His works of art have been shown in galleries throughout the world, and are currently available at the Southwest Museum in Los Angeles, the Autry Museum of Western Heritage in Los Angeles, the Eiteljorg Museum in Indiana, Kiva Fine Art Gallery in Santa Fe, and Gathe Tribes Gallery in Albany, California. He says that, “If somebody asked me how I would like to end my career, I would say I would like it to end with inspiring younger artists. I’m very interested in our youth. In the last few years, I’ve become involved with working with inner city and rural native youth, hoping that I might be able to steer them toward a more positive and creative path.”

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Michael Horse-Yaqui Indicolite Tourmaline, diamond, 14k gold kachina pendant necklace. Circa last quarter of the 20th century with no apparent issues. Tested and guaranteed solid 14k gold with weight and measurements in pictures. Natural Indicolite Tourmaline, natural diamond. 20" long necklace Michael Horse, of Yaqui, Mescalero Apache, Zuni, European and Hispanic descent, was born Michael Heinrich Horse in a place he calls “near Tucson”. He moved to Los Angeles,“the biggest urban Indian community in the U.S.,” when he was ten. There, Navajo, Cheyenne, and Sioux families surrounded him. He participated in the ceremonial dances at intertribal powwows from an early age. Not surprisingly, given his network of resources and diverse tribal bonds, Horse turned out to be a “polymath”, mastering several traditional artistic disciplines. He learned jewelry-making from his uncles. His mother trained him in the flat style of painting promoted by Dorothy Dunn at the Santa Fe Indian School. She was also a potter and a kachina carver. As a young man, he studied at the Institute of American Indian Arts in Santa Fe with the painter Fritz Scholder, the stone sculptor Allen Houser, and the potter-turned-jewelry-maker Charles Loloma. Horse built a successful career as a sculptor and jewelry-maker himself, working the fairs, markets, and Native American arts festivals. Michael learned how to make jewelry from family and other native artists who were kind enough to teach him. He had seen jewelry being made from the time he was a child. He says, “In my early silversmith career, I liked to make larger pieces, large silver bolos, horse bridals, and actual handmade silver sculptures. Someday, I hope to have time to go back and reexamine these pieces and do similar work again.” “As long as I have been doing this,” Michael says, “I still never run out of inspiration or innovation in what can be done with this art form. Nature and spirituality are constant influences in my work. I am also inspired by non-Native artists such as Picasso and Michaelangelo, and I am inspired deeply by political artists, those who use their work to inspire others such as Diego Rivera.” “I’m finding now that from my travel among other native cultures that I am starting to use images that I did not grow up with. I am inspired by other tribal artists. From the plains to South America to Africa, I’m finding that there are similar patterns among indigenous people around the world and that it is indeed a very small place. It is a place with similarities among us indigenous people that don’t seem to be accidental. Michael had always been moved by the older kachina jewelry that had been made in the 1940s. These older pieces have inspired him to make amazingly detailed kachina bolos, earrings, and pendants. During the Southwest Museum’s 20 year retrospective of his work, he realized that had not taken many photos of his work over his career. He had to try to round up pieces from collectors for the show. Upon seeing the body of his work, he realized the subtle changes it was going through as the years passed. He was also surprised to realize that some of his early work was as interesting as his new work. “I go back and forth in my work, from the traditional to the contemporary, and I learn on this journey how the both are connected. One of the most rewarding aspects of being a jeweler is when I meet someone for the first time who owns a piece of my art, and they tell me how much they enjoy it and how many compliments they receive when they wear it. To me, that is a feeling like no other.” Then, Horse made a discovery that shifted his orientation as an artist: ledger art. “I have always been into arts. The acting was something that I had an opportunity to do. Art is my passion; it‘s my life. I grew up doing jewelry. I used to work for the Heye Foundation at the Museum of the American Indian in New York and when no one was looking I used to go sneak and look at stuff. That was where I first found this tribal art, the ledger art that I do. I was fascinated that first time I saw it and thought this is my history. Even though this was a plains style I knew that this was the way that all of us had recorded our history at one time. I used to just do this because I was a fan of the art form but now I am pretty much an authority on this art form. The last few years of doing this I thought to myself wherever you physically and culturally repressed people, this art exists. I am trying to put together an exhibition for the Smithsonian about the artwork that comes out of internment camps. The Museum of Tolerance in Los Angeles has a lot of drawings, similar to the ledger art, from the concentration camps. Similar works also exist from times of slavery in the South, on Angel Island, and now from Darfur. In this country, the name itself hints at the history of this art form, which originated in the 1800s. Plains Indians, confined to reservations and deprived of the animal hides that served as supports for traditional painting, continued to make paintings using whatever materials they could find. Discarded sheets from the ledger books in which the white men kept track of their accounts were in abundant supply. These pages served as surfaces on which to preserve traditional stories and record contemporary events. As a painter Michael Horse has brought reinvigorated inspiration to the traditional Native American style of “ledger art.” In the reservation era, as the practice of painting on buffalo hides became impossible, any “canvas” readily available took its place with various scrap papers such as book pages, old letters, maps and ledger books becoming background for visual recollections of heroic battles, scenes of ceremony, hunting and daily life. Newer implements such as crayons, colored pencils and water-colors allowed for a new breadth of detail. This traditional folk art was very free-flowing, Michael Horse points out, incorporating symbols and movement, almost like a film scene with images leading right off the pages in a very uncontained style. Having had the opportunity to see many of the old, original ledger drawings through his work with museums, Michael Horse explains its pull on him: “I knew this was my history book, coming from my point of view.” Moved by the creativity and resourcefulness of his ancestors under such oppressive conditions, Horse undertook to reconceive ledger art as a contemporary genre. He continues to work in silver and stone, but his study of ledger art and output in the genre has made him a leading figure the field of contemporary painting and a source of inspiration for other artists and cultural producers. “I don’t copy,” he clarifies, “or imitate traditional material.” Rather he employs a traditional formal vocabulary to speak about the past in the present tense and shed light on cultural continuities. He tracks down old documents to use as canvases: maps, marriage certificates, pages from ledgers and hymnals. He outlines his figures in black against this background and fills in the outlined forms with bright planes of color. A rider gallops astride a green horse amidst a herd of buffalo. Warriors charge into battle. Clans gather to celebrate a feast day. The figures are stylized and iconic. The dynamic compositions have an uneasy relationship to the page, as if resisting containment within its bounds. Man and beast are inscribed against a ground signifying extinction and interment — but they are light, swift, full of vitality. Many of the paintings bear biting titles: We Are Still Here, Don’t Take My Picture, This Land Is Your Land. He is very proud of the paths that Native art have taken, as well as the path that it is moving toward with younger artists. He himself was inspired by some of his peers, and hopes that someday younger people might learn from and be inspired by some of his work. A true modern day renaissance man, Michael is a jeweler, actor, stunt man, sculptor, painter and activist. As an actor, he has appeared in many movies and on television, including Twin Peaks, Passenger 57, Lakota Woman, and the CBC Canadian series, North of 60. His works of art have been shown in galleries throughout the world, and are currently available at the Southwest Museum in Los Angeles, the Autry Museum of Western Heritage in Los Angeles, the Eiteljorg Museum in Indiana, Kiva Fine Art Gallery in Santa Fe, and Gathe Tribes Gallery in Albany, California. He says that, “If somebody asked me how I would like to end my career, I would say I would like it to end with inspiring younger artists. I’m very interested in our youth. In the last few years, I’ve become involved with working with inner city and rural native youth, hoping that I might be able to steer them toward a more positive and creative path.”

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Sam Patania 18k gold, Platinum-high grade Bisbee turquoise necklace/earrings set. Circa late 20th to early 21st century, tested and guaranteed solid 18k gold and platinum. No apparent issues. 23" long necklace, other measurements in pictures. A set like this would retail for around 30k directly from Sam Patania or another high end gallery that represents him.Sam Patania - Third Generation Artisan in JewelrySam Patania, as the third generation of Patania artisans, has followed in the footsteps of his father and grandfather (Frank Patania, Sr.) before him. In 1969, at the age of ten, he began his apprenticeship at the Tucson Thunderbird Shop. For the next decade, his after-school training would be a major part of his daily routine. But Sam followed his own path, having sought instruction outside the traditions of the shop.

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Michael Horse-Yaqui 14k gold, corn row turquoise/coral bull skull pendant . Circa last quarter of the 20th century with no apparent issues. Tested and guaranteed solid 14k gold (acid tests strong at 14k gold, it‘s higher than 14k) with weight and measurements in pictures. 20" leather and 14k gold necklace. Michael Horse, of Yaqui, Mescalero Apache, Zuni, European and Hispanic descent, was born Michael Heinrich Horse in a place he calls “near Tucson”. He moved to Los Angeles,“the biggest urban Indian community in the U.S.,” when he was ten. There, Navajo, Cheyenne, and Sioux families surrounded him. He participated in the ceremonial dances at intertribal powwows from an early age. Not surprisingly, given his network of resources and diverse tribal bonds, Horse turned out to be a “polymath”, mastering several traditional artistic disciplines. He learned jewelry-making from his uncles. His mother trained him in the flat style of painting promoted by Dorothy Dunn at the Santa Fe Indian School. She was also a potter and a kachina carver. As a young man, he studied at the Institute of American Indian Arts in Santa Fe with the painter Fritz Scholder, the stone sculptor Allen Houser, and the potter-turned-jewelry-maker Charles Loloma. Horse built a successful career as a sculptor and jewelry-maker himself, working the fairs, markets, and Native American arts festivals. Michael learned how to make jewelry from family and other native artists who were kind enough to teach him. He had seen jewelry being made from the time he was a child. He says, “In my early silversmith career, I liked to make larger pieces, large silver bolos, horse bridals, and actual handmade silver sculptures. Someday, I hope to have time to go back and reexamine these pieces and do similar work again.” “As long as I have been doing this,” Michael says, “I still never run out of inspiration or innovation in what can be done with this art form. Nature and spirituality are constant influences in my work. I am also inspired by non-Native artists such as Picasso and Michaelangelo, and I am inspired deeply by political artists, those who use their work to inspire others such as Diego Rivera.” “I’m finding now that from my travel among other native cultures that I am starting to use images that I did not grow up with. I am inspired by other tribal artists. From the plains to South America to Africa, I’m finding that there are similar patterns among indigenous people around the world and that it is indeed a very small place. It is a place with similarities among us indigenous people that don’t seem to be accidental. Michael had always been moved by the older kachina jewelry that had been made in the 1940s. These older pieces have inspired him to make amazingly detailed kachina bolos, earrings, and pendants. During the Southwest Museum’s 20 year retrospective of his work, he realized that had not taken many photos of his work over his career. He had to try to round up pieces from collectors for the show. Upon seeing the body of his work, he realized the subtle changes it was going through as the years passed. He was also surprised to realize that some of his early work was as interesting as his new work. “I go back and forth in my work, from the traditional to the contemporary, and I learn on this journey how the both are connected. One of the most rewarding aspects of being a jeweler is when I meet someone for the first time who owns a piece of my art, and they tell me how much they enjoy it and how many compliments they receive when they wear it. To me, that is a feeling like no other.” Then, Horse made a discovery that shifted his orientation as an artist: ledger art. “I have always been into arts. The acting was something that I had an opportunity to do. Art is my passion; it‘s my life. I grew up doing jewelry. I used to work for the Heye Foundation at the Museum of the American Indian in New York and when no one was looking I used to go sneak and look at stuff. That was where I first found this tribal art, the ledger art that I do. I was fascinated that first time I saw it and thought this is my history. Even though this was a plains style I knew that this was the way that all of us had recorded our history at one time. I used to just do this because I was a fan of the art form but now I am pretty much an authority on this art form. The last few years of doing this I thought to myself wherever you physically and culturally repressed people, this art exists. I am trying to put together an exhibition for the Smithsonian about the artwork that comes out of internment camps. The Museum of Tolerance in Los Angeles has a lot of drawings, similar to the ledger art, from the concentration camps. Similar works also exist from times of slavery in the South, on Angel Island, and now from Darfur. In this country, the name itself hints at the history of this art form, which originated in the 1800s. Plains Indians, confined to reservations and deprived of the animal hides that served as supports for traditional painting, continued to make paintings using whatever materials they could find. Discarded sheets from the ledger books in which the white men kept track of their accounts were in abundant supply. These pages served as surfaces on which to preserve traditional stories and record contemporary events. As a painter Michael Horse has brought reinvigorated inspiration to the traditional Native American style of “ledger art.” In the reservation era, as the practice of painting on buffalo hides became impossible, any “canvas” readily available took its place with various scrap papers such as book pages, old letters, maps and ledger books becoming background for visual recollections of heroic battles, scenes of ceremony, hunting and daily life. Newer implements such as crayons, colored pencils and water-colors allowed for a new breadth of detail. This traditional folk art was very free-flowing, Michael Horse points out, incorporating symbols and movement, almost like a film scene with images leading right off the pages in a very uncontained style. Having had the opportunity to see many of the old, original ledger drawings through his work with museums, Michael Horse explains its pull on him: “I knew this was my history book, coming from my point of view.” Moved by the creativity and resourcefulness of his ancestors under such oppressive conditions, Horse undertook to reconceive ledger art as a contemporary genre. He continues to work in silver and stone, but his study of ledger art and output in the genre has made him a leading figure the field of contemporary painting and a source of inspiration for other artists and cultural producers. “I don’t copy,” he clarifies, “or imitate traditional material.” Rather he employs a traditional formal vocabulary to speak about the past in the present tense and shed light on cultural continuities. He tracks down old documents to use as canvases: maps, marriage certificates, pages from ledgers and hymnals. He outlines his figures in black against this background and fills in the outlined forms with bright planes of color. A rider gallops astride a green horse amidst a herd of buffalo. Warriors charge into battle. Clans gather to celebrate a feast day. The figures are stylized and iconic. The dynamic compositions have an uneasy relationship to the page, as if resisting containment within its bounds. Man and beast are inscribed against a ground signifying extinction and interment — but they are light, swift, full of vitality. Many of the paintings bear biting titles: We Are Still Here, Don’t Take My Picture, This Land Is Your Land. He is very proud of the paths that Native art have taken, as well as the path that it is moving toward with younger artists. He himself was inspired by some of his peers, and hopes that someday younger people might learn from and be inspired by some of his work. A true modern day renaissance man, Michael is a jeweler, actor, stunt man, sculptor, painter and activist. As an actor, he has appeared in many movies and on television, including Twin Peaks, Passenger 57, Lakota Woman, and the CBC Canadian series, North of 60. His works of art have been shown in galleries throughout the world, and are currently available at the Southwest Museum in Los Angeles, the Autry Museum of Western Heritage in Los Angeles, the Eiteljorg Museum in Indiana, Kiva Fine Art Gallery in Santa Fe, and Gathe Tribes Gallery in Albany, California. He says that, “If somebody asked me how I would like to end my career, I would say I would like it to end with inspiring younger artists. I’m very interested in our youth. In the last few years, I’ve become involved with working with inner city and rural native youth, hoping that I might be able to steer them toward a more positive and creative path.”

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sz10.5 Albert Jake Navajo 14k gold high grade Carico Lake Nevada turquoise ring. Tested and guaranteed solid 14k gold with weight and measurements in pictures. Nice ring from the last quarter of the 20th century. Clean with no issues. Albert Jake is a distinguished Navajo silversmith. He was born at Zuni Pueblo in 1959 and has made his home in the beautiful village of Ramah, New Mexico for over 50 years. Albert’s parents taught him the many steps to fine Navajo silverwork, which includes both cluster jewelry as well as beautiful stones in classic Navajo settings. He has been professionally making beautiful traditional jewelry since 1987. Albert is renowned for the precise detail and execution of his work, including intricate stamping and applique/ He is also known for the fine natural stones which he always employs in his pieces. Albert is a multi-talented artist, as he is also a sandpainter and potter. During the summers, he works as a forest firefighter. He signs his pieces A. Jake.

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10k/14k gold large vintage deep carved pink shell cameo pendant/pin. Bail likely a later addition, marked and tested 14k gold, body unmarked (tested and guaranteed) solid 10k gold. No damage, very high relief beautiful cameo.

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7.2" vintage solid 14k gold multi-stone carved Scarab link bracelet . Weight and measurements in pictures Marked, tested, and guaranteed solid 14k gold with semi-precious stones. Circa third quarter of the 20th century with no issues.

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Vintage 14k gold/diamond carved moss in snow Jadeite Jade pendant. Estate fresh, tested and guaranteed solid 14k gold bail and ornamentation on top. Guaranteed authentic jadeite, natural diamond.

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Vintage 14k gold carved moss in snow Jade pendant. Estate fresh, tested and guaranteed solid 14k gold bail and ornamentation on top. Guaranteed authentic jadeite.

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7.25" vintage solid 14k gold multi-stone carved Scarab link bracelet . Weight and measurements in pictures Marked, tested, and guaranteed solid 14k gold with semi-precious stones. Circa third quarter of the 20th century with no issues.

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Antique Victorian 9ct gold and turquoise pin/brooch . Tested and guaranteed solid 9ct gold. It XRF‘s at just over 9ct 37.7% gold. No issues, circa late 19th century to turn of the last century. Weight and measurements in pictures, unmarked.

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Antique 14k gold Signed Hardstone cameo Agate screw back earrings Victorian. Illegibly signed, circa last half of the 19th century. The main bodies are tested 14k gold+, the screw backs were added later and are gold filled. No detectable markings on the gold. Very good condition. Measurements and weight in pictures.

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Antique 14k gold Signed Hardstone cameo pendant/pin w/pearls Victorian. Illegibly signed, circa last half of the 19th century, tested 14k gold+. No detectable markings on the gold. Very good condition. Measurements and weight in pictures.

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NSS Southwestern 14k Gold pendant with green turquoise hand chiseled/ rope bail. Tested and guaranteed solid 14k gold with weight and measurements in the pictures. No detectable issues. Any markings detected will be shown in the pictures. Great piece from large collection of Native American jewelry purchased in the last quarter of the 20th century and never worn for the most part.

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sz6.75 14k gold micro-webbed Nevada Blue turquoise vintage Navajo ring. Weight and measurements in pictures. Unmarked, tested and guaranteed solid 14k gold. No issues. Vintage ring circa 1970‘s which I believe was the last time this turquoise was readily available.

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Boyd Tsosie Navajo 14k gold, diamond, opal, and coral beaded necklace. All of the metal on this necklace is tested and guaranteed solid 14k gold, weight and measurements in pictures. No issues, circa last quarter of the 20th century. Natural Opal and Mediterranean coral beads and inlay outside the pendant. My monitor is off, but these pics look really bad to me. It‘s gold, it‘s beautiful. Boyd Tsosie is a jeweler who draws inspiration from the rich heritage of his Navajo traditions. Born in 1954, he has been making jewelry since he was sixteen years of age. In 1979, Boyd Tsosie was only 23. He was already among the top echelon of Southwestern jewelers / silversmiths (both past and present). Boyd was featured in Arizona Highways along with other greats like Jesse Monongye, his brother Richard Tsosie, Gibson Nez, James Little, and Larry Golsch. These Navajo silversmiths all would go on to build fine reputations and set the standards you see today for Southwest jewelry. Kenneth Begaye, a teacher at the Navajo Community College on the Navajo Reservation, inspired Boyd at a young age. Boyd gives credit to Kenneth for teaching him his trade. Kenneth Begay has been deemed the father of modern Navajo jewelry. Before Kenneth Begay, Navajo Indian Jewelry was much like it had been for the past 100 years. Navajo jewelry had a strong Spanish influence. Which is entirely understandable since it was a Mexican silversmith (who learned from the Spanish) that taught the first Navajo to work silver. Boyd considers Kenneth Begay a major influence and carries on today the work of Kenneth Begay. Boyd Tsosie continues to move Navajo jewelry forward and he, like Kenneth Begay, generously shares his knowledge with other silversmiths. Boyd, working with his brother Richard, first gained widespread recognition for his soldered flower and leaf designs. Later, he moved his jewelry designs to a more complex, contemporary look. Over the years Boyd has developed a contemporary style of work primarily in 14K gold combined with turquoise, coral, lapis, and sugilite. Boyd feels that he is creating “tomorrows tradition in Navajo jewelry by being given the rights and prayers by his elders to create his special pieces. He is featured in Navajo Indian Jewelry and Enduring Traditions by Jerry and Lois Jacka and North American Indian Jewelry and Adornment by Lois Dubin. In recent years, Boyd and his son have given back to the Navajo Nation with a nonprofit to give counsel and help to those with substance challenges.

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c1900 Syman Bros. Denver Colorado 14k gold high relief pink shell cameo - nice Marked Syman with no detectable gold markings, tested and guaranteed solid 14k gold. No damage, very high relief beautiful cameo. These pics are a little too bright and the color is washed out in the pics, plus it was on a lighted table. There is no time for more pics, it‘s great.

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sz7 14k gold southwestern ring with high grade spiderweb turquoise. Weight and measurements in pictures. Unmarked as shown, tested and guaranteed solid 14k gold with 14k scratched on the back.

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Lucien Piccard 14k gold Tiger‘s Eye, and pearl cufflinks. Vintage, guaranteed authentic in amazing condition with no issues. Weight and measurements in the pictures.

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sz8.5 Hopi 14k gold high grade turquoise ring Native American. Weight and measurements in pictures. No damage or detectable wear. Very high quality work, I could not figure out the hallmark, but believe it‘s Hopi made.

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14k High Grade spiderweb Carico Lake turquoise earrings AC. Weight and measurements in pics. Solid 14k gold with no issues, likely Native American made from the last quarter of the 20th century.

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Vintage 14k Jadeite Budhha pendant. Marked and tested 14k gold, Jadeite. Weight and measurements in pics. Estate fresh item with No chips, cracks, or other issues.

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sz8 70‘s-80‘s Saunsa 14k cobblestone band ring. I‘m not sure what ethnicity Saunsa was, this is the type of work they did. Very clean modernist Hopi style jewelry. No issues. Marked or unmarked as shown in pics, weight and other measurements in pics. Sorry but my jewelry is stored in a secure location and cannot be accessed for more pictures,<br>videos, or measurements until sold. If you look at pictures/description your<br>question should be answered. Thank you so much for your time and consideration!<br><br>All precious metals are tested and guaranteed. A Native American jewelry piece referred to as "silver" or "ingot" is guaranteed to be at least 90% silver. Bracelets are photographed on a 6" women‘s wrist. Most rings are shown on a a ring sizer in the pictures and the size is typically given at the beginning of the title and description. Women's Size 8 Ring.

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Danny Romero Yaqui (1954-2018) 14k Gold Diamond, Tanzanite, Opal, sugilite, coral, boulder opal, and lapis necklace. Measurements in pics, accompanied with 2013 receipt. Still in like new condition with no damage or detectable wear. Please keep in mind that in 2013 gold averaged 1/2 the price it currently is so did the other top grade materials used to make this, not to mention a deceased artists talent and time. Also It seems this dealer sells secondary market items, so I believe this 7k was a used price in 2013 as it's really not a lot of money for this necklace now and wasn't then.  18.5" long Danny Romero 1954-2018 Danny Romero is of both Yaqui and Spanish heritage. He creates jewelry and paintings from his home in New Mexico. Growing up in Douglas, Arizona, he has been working with stone and silver for over 20 years. "I like E.S. Curtis photographs," he says, referring to the famous turn-of-the-century photographer and ethnographer who documented more than 80 Native American tribes. "I go through magazines. I've done drawings and I paint". He was one of five silversmiths invited to the Night of the First Americans at the Kennedy Center in Washington D.C., and he has had showings of his jewelry in galleries and museums in many parts of the country as well as in Germany, Japan, and Canada. Danny Romero is no longer producing jewelry. The jewelry we have was made by Danny Romero circa 2005. Danny received wide acclaim in the 1970's-80's for both his traditional turquoise jewelry as well as his inlay jewelry. Danny Romero was the first silversmith to literally put painted art into jewelry.  

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Andy Lee Kirk Isleta Pueblo (1947-2001) 14k gold Sugilite and Opal necklace. With accompanied 2008 appraisel from Waddell Gallery 2008, keep in mind gold averaged 1/3 of it's current price in 2008 so do the other materials not to mention a deceased master's labor and skill. No issues with the necklace or pendant, no damage or significant wear. 23" long and other measurements in pics. 64 grams total weight.Andy Lee Kirk was a Master contemporary Native American artist of Isleta and Navajo heritage, who died tragically at the height of his career at the age of 54. He created beautiful gold and silver jewelry using the finest materials from 1970 to 2001. Born in 1947, he originally earned a degree in biology continuing on to work for the Fish and Wildlife and Forest Services. Andy had learned the basics of jewelry making at the University of New Mexico and with the urging of Navajo artist, Gibson Nez, he made the decision to become a full time jeweler. Andy Lee Kirk was a consummate artist with many fine skills. He did lapidary work, rolling his own beads, and had mastered many types of precious metalwork including lost wax and sand cast techniques, stamping, engraving, overlay and fabrication. His artistic innovation reached further than aesthetic beauty alone. His designs were brilliant – a perfect balance between clean modern lines, meaningful symbolism, and bright southwestern colors such as lapis lazuli, turquoise, and red coral. He was the IACA Artist of the Year in 1996 and earned many other prestigious awards and accolades including First Place and Best of Division at Santa Fe Indian Market and Best of Category at the Inter-Tribal Indian Ceremonial in Gallup, NM.All precious metals are tested and guaranteed,

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All Cuff bracelets on the Estate Fresh Austin website will have the size wrist they fit (in inches) including the gap at the beginning of the title, there are also many photos in this listing which will show a tape measure inside the bracelet, gap size, width, etc. 6 3/8" Veronica Poblano Zuni 14k gold Turquoise and Coral modernist cuff bracelet. No issues, measurements in pics. 6 3/8" inside circumference including the 7/8" gap.. Appears unworn. The daughter of Leo Poblano and Ida Vacit Poblano, Veronica Poblano has become recognized as a top contemporary jeweler. While she draws on Zuni silverworking and lapidary forms and techniques, her work is characterized by a high degree of innovation and individual creative license, making it a fertile hybrid of the contemporary and the traditional. Veronica has gained notoriety as a contemporary innovator, working with uncommon materials in wide-ranging styles. All precious metals are tested and guaranteed,

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8" Melanie Kirk Isleta Pueblo 14k gold Opal and Sugilite reversible bracelet,  showing little to no signs of wear.   The quality of workmanship is absolutely amazing. Recognized as the leading voices of today’s Contemporary Native Jewelry scene, Designers and Goldsmiths Melanie Kirk-Lente and Michael Lente (Isleta Pueblo) command a distinctive presence at the top of collectors’ lists world-wide. The Lentes continue to carry on their well-known family tradition in fine jewelry design, being taught by Melanie’s father, renowned artist Andy Lee Kirk.

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sz6 c1880 Antique 14k Green Hardstone cameo ring. Tested and guaranteed solid 14k gold, illegible markings on band. It appears this was a pendant or brooch that was long ago soldered to a gold ring that used to have stones if you look at all the pics. It's really great with no issues. Most rings are shown on a a ring sizer in the pictures and the size is typically given at the beginning of the title and description. Women's Size 6 Ring.

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Large Retro 14k gold Jade pendant with diamonds. Nice sized Jade pendant, marked and tested 14k gold. Diamonds are small but real diamonds. High quality Jadeite and Setting estate fresh so I don't know if it's type A, etc.

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sz5.75 Antique gold carved carnelian ring. Nice old 19th century ring. The shank is cut on the back but when closed it sits at size 5.75. I'll try to test carat and weigh later. Most rings are shown on a a ring sizer in the pictures and the size is typically given at the beginning of the title and description. Women's Size 5 Ring.

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c1960 14k gold Budweiser Executive ladies watch. Fits a 6"-6.5" wrist, just a little stretchy. Watch solid 14k gold, bracelet not. Watch is overwound and not currently ticking. This is a really rare if not one of kind item from the third quarter of the 20th century.

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10k Gold WW2 USN US Navy Sweetheart Pendant. Marked and tested 10k gold,guaranteed ww2 era. 1.4 Grams. 1.75" long x .5" wide.

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24" 14k Black Jade beaded necklace. 8.5mm black jade beads, solid 14k tested and guaranteed beads and clasp. 42.7 grams with no issues.

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34" Estate Black Jade, 14k, Carnelian beaded necklace. Extremely high quality piece on hand tied silk cord. 10mm natural black Jade beads with 20mm Carnelian agate largest beads. 14k yellow gold (tested) accent beads. 118.6 grams

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Vintage Ankh 14k gold/Amethyst mounted bronze. Measurements in pics. Looks to have been custom made from an antique piece of solid 14k gold/amethyst jewelry. Interesting, one of a kind. Tested and guaranteed solid 14k gold center piece.

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Antique HBJ 9ct gold hardstone watch key pendant/charm. Hallmarked by maker on one side, 375 and date/city codes on other. All unresearched by me, 19th century.

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sz4.25 14k Ming's of Hawaii Jadeite ring 20mm x 12mm face. <br><br>Ming’s opened in 1940’s by Wook Moon and eventually had retail stores not only<br>in Hawaii but in San Francisco and New York.<br>Ming’s became popular among folks in the downtown area with a store here in Fort<br>Street mall. Some of our clients themselves tell us their memories of Mr. Moon<br>offering no-interest lay-away for modestly paid downtown secretaries and office<br>workers to afford buying a piece every now and again.<br><br>Ming’s became a favorite staple in Hawaiian jewelry as it often featured<br>beautiful Hawaiian and Asian cultural themes.<br>They often featured delicately carved "Off White" pieces, as well as sterling<br>silver brooches, pearl and jade clusters, and gold bangles.<br>Popular themes includes the Peony, Lotus, Chrysanthemum, and Plum Flowers, the<br>infamous “Bird in Plum” and others. Some are said to represent the seasons, or<br>represent the blending of different Asian cultures. Most rings are shown on a a ring sizer in the pictures and the size is typically given at the beginning of the title and description. Women's Size 4 Ring.

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sz7.25 14k Ming's of Hawaii Jadeite ring 22mm x 16mm face. <br><br>Ming’s opened in 1940’s by Wook Moon and eventually had retail stores not only<br>in Hawaii but in San Francisco and New York.<br>Ming’s became popular among folks in the downtown area with a store here in Fort<br>Street mall. Some of our clients themselves tell us their memories of Mr. Moon<br>offering no-interest lay-away for modestly paid downtown secretaries and office<br>workers to afford buying a piece every now and again.<br><br>Ming’s became a favorite staple in Hawaiian jewelry as it often featured<br>beautiful Hawaiian and Asian cultural themes.<br>They often featured delicately carved "Off White" pieces, as well as sterling<br>silver brooches, pearl and jade clusters, and gold bangles.<br>Popular themes includes the Peony, Lotus, Chrysanthemum, and Plum Flowers, the<br>infamous “Bird in Plum” and others. Some are said to represent the seasons, or<br>represent the blending of different Asian cultures. Most rings are shown on a a ring sizer in the pictures and the size is typically given at the beginning of the title and description. Women's Size 7 Ring.

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sz7.25 14k Ming's of Hawaii Lavender Jadeite ring. Guaranteed Grade A Natural Jadeite, solid 14k gold marked and tested. The last two pics show Ming's Hallmark and 14k mark. Ring face 20mm, Jadeite 15mm wide. <br><br>Ming’s opened in 1940’s by Wook Moon and eventually had retail stores not only<br>in Hawaii but in San Francisco and New York.<br>Ming’s became popular among folks in the downtown area with a store here in Fort<br>Street mall. Some of our clients themselves tell us their memories of Mr. Moon<br>offering no-interest lay-away for modestly paid downtown secretaries and office<br>workers to afford buying a piece every now and again.<br><br>Ming’s became a favorite staple in Hawaiian jewelry as it often featured<br>beautiful Hawaiian and Asian cultural themes.<br>They often featured delicately carved "Off White" pieces, as well as sterling<br>silver brooches, pearl and jade clusters, and gold bangles.<br>Popular themes includes the Peony, Lotus, Chrysanthemum, and Plum Flowers, the<br>infamous “Bird in Plum” and others. Some are said to represent the seasons, or<br>represent the blending of different Asian cultures. Most rings are shown on a a ring sizer in the pictures and the size is typically given at the beginning of the title and description. Women's Size 5 Ring. Most rings are shown on a a ring sizer in the pictures and the size is typically given at the beginning of the title and description. Women's Size 7 Ring.

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sz7.25 14k Ming's of Hawaii Lavender Jadeite ring. Guaranteed Grade A Natural Jadeite, solid 14k gold marked and tested. The last two pics show Ming's Hallmark and 14k mark. 19mm x 15mm face of ring, stone a few mm smaller. <br><br>Ming’s opened in 1940’s by Wook Moon and eventually had retail stores not only<br>in Hawaii but in San Francisco and New York.<br>Ming’s became popular among folks in the downtown area with a store here in Fort<br>Street mall. Some of our clients themselves tell us their memories of Mr. Moon<br>offering no-interest lay-away for modestly paid downtown secretaries and office<br>workers to afford buying a piece every now and again.<br><br>Ming’s became a favorite staple in Hawaiian jewelry as it often featured<br>beautiful Hawaiian and Asian cultural themes.<br>They often featured delicately carved "Off White" pieces, as well as sterling<br>silver brooches, pearl and jade clusters, and gold bangles.<br>Popular themes includes the Peony, Lotus, Chrysanthemum, and Plum Flowers, the<br>infamous “Bird in Plum” and others. Some are said to represent the seasons, or<br>represent the blending of different Asian cultures. Most rings are shown on a a ring sizer in the pictures and the size is typically given at the beginning of the title and description. Women's Size 7 Ring.

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sz9 Vintage 14k Multi-color Natural Jadeite balls ring, balls approx 6mm, ring face approx 20mm, no issues. Scratched on inside of ring 14k and and illegible makers name. From a significant estate collection of mostly Ming's jadeite rings. Most rings are shown on a a ring sizer in the pictures and the size is typically given at the beginning of the title and description. Size 9 Ring.

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sz7 Large Vintage Ming's of Hawaii Jadeite 14k gold ring. Guaranteed Grade A Natural Jadeite, solid 14k gold marked and tested. The last two pics show Ming's Hallmark and 14k mark. 20mm x 30mm face of ring, stone a few mm smaller. <br><br>Ming’s opened in 1940’s by Wook Moon and eventually had retail stores not only<br>in Hawaii but in San Francisco and New York.<br>Ming’s became popular among folks in the downtown area with a store here in Fort<br>Street mall. Some of our clients themselves tell us their memories of Mr. Moon<br>offering no-interest lay-away for modestly paid downtown secretaries and office<br>workers to afford buying a piece every now and again.<br><br>Ming’s became a favorite staple in Hawaiian jewelry as it often featured<br>beautiful Hawaiian and Asian cultural themes.<br>They often featured delicately carved "Off White" pieces, as well as sterling<br>silver brooches, pearl and jade clusters, and gold bangles.<br>Popular themes includes the Peony, Lotus, Chrysanthemum, and Plum Flowers, the<br>infamous “Bird in Plum” and others. Some are said to represent the seasons, or<br>represent the blending of different Asian cultures. Most rings are shown on a a ring sizer in the pictures and the size is typically given at the beginning of the title and description. Women's Size 7 Ring.

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sz9.5 vintage 14k carved Jadeite ring 21mm face, jade likely 20mm. Possibly an older/antique Jadeite piece made into a ring. Most rings are shown on a a ring sizer in the pictures and the size is typically given at the beginning of the title and description. Size 9 Ring.

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18k Gold French Art Deco Lapis cufflinks for Nieman Marcus. I don't recognize the hallmark but these are the highest quality, similar to that of Van Cleef & Arpels, Boucheron. I feel this is likely an obscure hallmark only used for a short time by a well respected company such as the ones mentioned. 11/16" face, 16 grams.

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sz7 14k Ming's of Hawaii White Jadeite ring. Guaranteed Grade A Natural Jadeite, solid 14k gold marked and tested. The last two pics show Ming's Hallmark and 14k mark. 25mm x 15mm face of ring, stone a few mm smaller. <br><br>Ming’s opened in 1940’s by Wook Moon and eventually had retail stores not only<br>in Hawaii but in San Francisco and New York.<br>Ming’s became popular among folks in the downtown area with a store here in Fort<br>Street mall. Some of our clients themselves tell us their memories of Mr. Moon<br>offering no-interest lay-away for modestly paid downtown secretaries and office<br>workers to afford buying a piece every now and again.<br><br>Ming’s became a favorite staple in Hawaiian jewelry as it often featured<br>beautiful Hawaiian and Asian cultural themes.<br>They often featured delicately carved "Off White" pieces, as well as sterling<br>silver brooches, pearl and jade clusters, and gold bangles.<br>Popular themes includes the Peony, Lotus, Chrysanthemum, and Plum Flowers, the<br>infamous “Bird in Plum” and others. Some are said to represent the seasons, or<br>represent the blending of different Asian cultures. Most rings are shown on a a ring sizer in the pictures and the size is typically given at the beginning of the title and description. Women's Size 7 Ring.

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Vintage Karl Lagerfeld Gold-tone and Faux Mabe pearl clip-on earrings, 1 1/8" wide with little wear. A few slight scratches to Faux pearls, no wear to gold. Guaranteed authentic, strong springs on clips. Very high quality. 15 grams each.

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c1860 French 14k Gold top cut glass perfume bottle. Tested 14k gold, Dutch Oak leaf 14k Hallmark on lid and mounting, both shown in the last pic, one in the center of the pic.. Another on other side of lid. The gold is tested and guaranteed. Original inner stopper intact. Amazing bottle with no issues, top gold lid snaps on tight, inner stopper forms waterproof seal, no chips or cracks. 5.5" tall x 2" wide.

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All Cuff bracelets on the Estate Fresh Austin website will have the size wrist they fit (in inches) including the gap at the beginning of the title, there are also many photos in this listing which will show a tape measure inside the bracelet, gap size, width, etc. 6" Duane Maktima Hopi 14k gold Multi-stone channel inlay cuff bracelet. 5" plus 1" gap, 6" total inside including gap. 25mm wide in center tapering down to 15mm on the tips, 10mm tall, 64.2 grams. Super clean with no detectable damage or wear inside or out. I don't believe it has ever been worn. Hallmarked by artist twice in interior, hallmarked 14k 3 times in interior.  This bracelet it composed of 14k gold, Gem Silica, Natural Australian Opal, Carnelian, Chalcedony, and Lapis Lazuli.   Duane Maktima was studying education at Northern Arizona University in Flagstaff, when a dean suggested he switch his major to art. “ I thought it would be a hobby.” Growing up in tiny towns in Arizona under the tutelage of his Hopi and Laguna relatives, Maktima learned how to carve and paint, but these artworks were referred to as “blessings” and not art. The Dean, having seen Duane’s work was insistent. When Maktima first laid eyes on the jewelry in the jewelry lab, he says, “It was like my whole life flashed before my eyes, I was hooked.” It took a decade for Maktima to complete his degree. He left college to work as a resident artist at the nearby Museum of Northern Arizona in Flagstaff. At only 19 years old he was given a studio and stipend to make jewelry which was snapped up by visitors from around the world.  Eventually he embarked on a personal retreat from the pressure and spent 3 years at Laguna Pueblo. Maktima worked there as a survey helper and everyday he walked the country from Second Mesa to Black Mesa.  During these long walks he came to deeply appreciate his heritage and decided to complete his education. When he did return to university, it was an exciting time for Native American artists. His research into African and Indian art led him create spiritual based  pieces from beads, shell work mosaics, motifs from Hopi pottery, hollow silver tubes, gold , lapis, turquoise , and red coral. In 1982, Maktima,  received a second-ever fellowship from the Southwestern Association for Indian Arts. He moved to Sante Fe a year later. An active community leader,  he has influenced many young people to pursue a career in art.  His brooches, buckles, and other exquisite jewelry have been featured in some of the best Native American galleries. In 1990, Northern Arizona University honored the artist with its 2000 Distinguished Alumni Artist Award, Distinguished Achievement Award, and member of the President’s Circle. Maktima credits his achievements to his education and his family. “I can hear grandpa saying, ‘You have really learned something. You’ve really excelled with what God gave you.’ ” According to his grandfather, the name “Maktima” means “searching for eagles.”

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Sz6.25 Estate 18k white gold Jadeite, Diamond ring. Nice old, extremely high quality ring, tested natural diamonds .4cttw, Approx 4ct assymetrical Jadeite stone, no tests have been done to the Jadeite other than to confirm it is Jadeite. Marked and tested 18k gold. Shown on a finger it fits. 4.5 grams. Most rings are shown on a a ring sizer in the pictures and the size is typically given at the beginning of the title and description. Women's Size 6 Ring.

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sz4 Antique gold carved cat's eye ring. Unmarked, guaranteed solid gold, I'll test carat and get weight later. Most rings are shown on a a ring sizer in the pictures and the size is typically given at the beginning of the title and description. Women's Size 4 Ring.

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Großer Vintage-Anhänger aus 14 Karat Lavendel-Jade mit Diamant und Lapis, 8,9 cm hoch x 3,8 cm breit, offenbar ohne Markierung. Von mir getestet, garantiert solides 14-karätiges Gold, echter Diamant, Lapislazuli und Jadeit. 28,8 Gramm.

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Großer antiker 14-Karat-Hartstein-Cameo-Onyx-Anhänger/Brosche, 43 mm hoch, ohne drehbaren Anhängerring, 35 mm breit, 21,6 Gramm. Keine erkennbaren Markierungen, getestet (an mehreren Stellen) und garantiert solides 14-karätiges Gold. Ca. 1870er Jahre, vollständig handgeschnitzte Onyx-Kamee.

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Preston Monongye (Hopi) (1927-1987) Armband aus gegossenem Tuffstein mit Kanaleinlage aus Roségold. Passt bis zu einem Handgelenk von 6 3/8 Zoll, verjüngt sich von 20 mm auf 30 mm Breite. Einzigartiges Armband, äußerst seltenes Exemplar in Gold. Preston Monongye hat nicht mit viel Gold gearbeitet, nur sehr wenige Stücke sind jemals auf den Markt gekommen. Wenn sie das tun, sind sie wahnsinnig teuer. Ich persönlich habe diese Maschine auf einer RFA-Maschine im Wert von über 30.000 US-Dollar testen lassen und sie reicht von 40-43 % Gold (durchschnittlich etwa 10.000), was eigentlich absolut Sinn macht. Da P Monongye nicht viel damit gearbeitet hat Die Zeiten, in denen er Gold hergestellt hat, waren wahrscheinlich etwas experimentell. In diesem Fall ist es einigermaßen offensichtlich, dass er Altgold eingeschmolzen hat, wahrscheinlich etwas, das ihm von einem Kunden oder Freund mitgebracht wurde, um dieses Stück anzufertigen, bei dem es sich wahrscheinlich um ein individuelles Stück handelte Die niedrigste Goldgehaltsaufnahme, die wir gemacht haben, ergab 48,13 % Kupfer, 40,08 % Gold, 8,18 % Silber, 3,49 % Zink und 0,12 % Nickel.Preston Monongye (1927-1987) war ein einflussreicher Befürworter davon er nannte es „die neue indische Kunst“. Er schrieb: „Wir verwenden möglicherweise alte Techniken sowie alte Designs aus Tonscherben oder Piktogrammen, aber dann entwerfen wir sie neu oder fügen eigene Innovationen hinzu.“Preston hatte einen unkonventionellen und spät blühenden Weg zur Schmuckherstellung. Er diente in zwei Kriegen, arbeitete in der Strafverfolgung und war Angestellter des Bureau of Indian Affairs. Später im Leben beschloss er, sich ganz der Schmuckherstellung zu widmen, die zahlreiche Auszeichnungen erhielt. Er hatte immer mit Schmuck und anderen Dingen experimentiert handwerkliches Können, erhielt aber erst Anerkennung, als er sich voll und ganz seiner Kunst widmete. Preston erledigte in erster Linie die Metallarbeiten und das Design für seine Stücke, überließ die Intarsien seinem Freund und gefeierten Steinhauer Lee Yazzie und überließ später seinem Sohn Jesse Monongye die Steinarbeit Seine Stücke werden landesweit ausgestellt.Monongye wurde in East Los Angeles, Kalifornien, als Sohn mexikanischer und missionsindianischer Eltern geboren und im Alter von sieben Jahren von einer Hopi-Familie adoptiert. Er wuchs in Hopi auf, sprach die Hopi-Sprache und nahm teil in der Katsina-Gesellschaft. Im Alter von neun Jahren begann Monongye eine Lehre bei seinem Onkel, dem Silberschmied- und Malermeister Gene Pooyama. „Er brachte mir bei, wie man nach der Hopi-Art lebt“, erinnert sich Monongye. Während seiner gesamten Karriere spielten Hopi-Farben und -Bilder eine herausragende Rolle in Monongyes Werken.Aber Monongye bestand darauf, dass der Schmuck der Ureinwohner nicht an die Vergangenheit gebunden sei, und erklärte: „Ein altes Stück Philosophie, das mir mein Vater und andere gegeben haben.“ Männer der Hopi Mesas lautet: „Wenn Sie Fortschritte machen können, ohne Ihrer Tradition oder Ihrer Religion zu schaden, sollten Sie dies tun.“ 1927 in Los Angeles geboren, wurde er im Alter von sieben Jahren in Hopi ausgesetzt und von einer prominenten Hopi-Familie adoptiert. Monongye besuchte Reservatschulen und nahm voll am religiösen und gesellschaftlichen Leben der Hopi teil. Nach seinem Dienst als Fallschirmjäger im Zweiten Weltkrieg wurde Monongye Kachina-Maler und arbeitete gelegentlich für den Händler Roman Hubbell und die Fred Harvey Company. Während des Koreakrieges meldete sich Monongye erneut und arbeitete später in der Strafverfolgung für das Bureau of Indian Affairs, während er weiterhin Silberschmuck malte und herstellte. Nachdem Monongye in den frühen 1960er-Jahren seinen Job zugunsten der Schmuckherstellung aufgegeben hatte, wurde er schnell als innovativer Designer und Techniker anerkannt, der sich in die „neue indische Kunst“ vertiefte und traditionelle Techniken und Motive nutzte, um ein zeitgenössisches Schmuckstück zu schaffen neues Aussehen. Er war vor allem für sein gegossenes Silber bekannt, das mit Steinen besetzt war, die oft von seinem Freund Lee Yazzie und später von seinem Sohn Jesse geschliffen wurden. Monongye lehrte seine Kunst an verschiedenen Schulen und Werkstätten und hielt zahlreiche Vorträge über zeitgenössisches Design der Ureinwohner. Er gewann viele Auszeichnungen bei Ausstellungen und Wettbewerben und sein Schmuck erscheint in Museumssammlungen wie dem Museum of Northern Arizona in Flagstaff und dem Wheelwright Museum in Santa Fe.

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Größe 7,5 c1960er Famor 14k Smaragd- und Diamantring. 6 mm Band, Smaragd 6 mm x 11 mm. Gold, Diamanten und Smaragde geprüft und garantiert authentisch und hochwertig. Ich habe keine Zeit, das ungefähre Karatgewicht zu messen, aber sie sind beträchtlich. Der Preis ist ohne die zusätzliche Arbeit besser.Markenzeichen: 14KT Famor (Famor Inc. ist eine New Yorker Schmuckfirma, die in den 1960er bis 1970er Jahren existierte)

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Spinnennetz-Anhänger aus 14-karätigem Gold der amerikanischen Ureinwohner mit Türkis und Kanaleinlage, 50 mm hoch x 25 mm breit x 11,8 Gramm. Markiertes und getestetes massives 14-Karat-Gold.Alle Edelmetalle werden getestet und garantiert. Jeder als Silber oder Sterling bezeichnete Schmuck der amerikanischen Ureinwohner besteht garantiert zu mindestens 90 % (Münz-)Silber und möglicherweise zu einem höheren Gehalt.

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Antiker chinesischer geschnitzter Jadeit-Anhänger aus 14 Karat Gold, 1 7/16 Zoll hoch mit Öse x 13/16 Zoll breit x 4,8 Gramm. Natürliche Risse wie abgebildet. Ungestempelt, geprüftes 14-karätiges Gold.

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c1910 Antique Diamond 10k Emaille Blumennadel 1 5/8" x 1" x 5,5 Gramm ohne nennenswerte Probleme, leichte Abnutzung der Emaille an den Spitzen der Blütenblätter. Ohne Markierungen, säuregeprüft, hält bei 10.000 stabil, verblasst bei 14.000 leicht, also wahrscheinlich irgendwo in der Mitte.

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um 1870 14K-Golddeckel, geschliffenes Overlay-Glas, Parfümflasche, Korsettform. Der Deckel ist gestempelt, er ist auf dem zweiten Bild zu sehen, aber ich kann ihn nicht erkennen. Es werden mehr als 14 Karat Gold, aber weniger als 18 Karat getestet. Keine Risse oder Absplitterungen, leichte Abnutzung des Rubins auf dem Palmenschliff. Extrem komplexer und übertriebener Parfümflakon. 4" hoch x 2,5" breit. Parfümschublade

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Größe 8, 14-karätiges Gold, hochwertiger Türkis- und Korallenring der amerikanischen Ureinwohner, möglicherweise Hopi. Fantastischer, gut gefertigter Ring ohne weitere Markierungen außer 14-karätigem Gold, markiert und geprüft aus 14-karätigem Gold. Sehr sauber aus dem letzten Viertel des 20. Jahrhunderts, aber wahrscheinlich nie getragen. 4 Gramm.

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Antike chinesische oder japanische geschnitzte Korallen-Wassermühle aus 18 Karat Weißgold mit Pfingstrosenblüten. Von mir mit Säure getestet, besteht es aus mindestens 18-karätigem Gold, aber weniger als 22-karätigem Gold. Die einzige SPM-Markierung weist darauf hin, dass es für J. Schnelwar & Sons hergestellt oder von diesen verkauft wurde, einem feinen New Yorker Juwelier von damals (gegründet 1905). Fantastisches Kunstwerk, etwa 100 Jahre alt, frisch im Anwesen. 22,3 Gramm, 2" x 1 3/16" und sehr dreidimensional. Die Pins sind nicht aus Gold, der netzartige Rückenteil ist garantiert. Keine Chips, Risse oder andere Probleme.

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Ilias Lalaounis (1920-2013) !8 Karat Gold auf Tigerauge-Osterei. Tolles Stück aus 18-karätigem Gold mit Katzenauge. Unmarkiertes, maßgefertigtes Einzelstück, das von einem Meister geschaffen wurde und zu einem Bruchteil des Originalpreises angeboten wird. Ich habe auch noch ein anderes aufgelistet. Keine Probleme. Ilias Lalaounis Aus Wikipedia, der freien Enzyklopädie Zur Navigation springenZur Suche springen Ilias Lalaounis LH OMRI Ilias Lalaounis im Jahr 1920.jpg Ilias Lalaounis im Jahr 1990 Geboren am 4. Oktober 1920 Athen, Griechenland Gestorben am 30. Dezember 2013 Athen, Griechenland Nationalität Griechisch Alma Mater Universität Athen Beruf Juwelier Ehepartner: Lila Altitzoglou Kinder 4 Töchter Ilias Lalaounis (4. Oktober 1920 – 30. Dezember 2013) war ein Pionier des griechischen Schmucks und ein international bekannter Goldschmied.[1] Er ist vor allem für seine von der griechischen Geschichte inspirierten Sammlungen bekannt.[2] 1990 wurde er als einziger Juwelier jemals in die Académie des Beaux-Arts aufgenommen.[3][4] Inhalt 1 Frühes Leben 2 Karriere 2.1 1969-1970er Jahre 2.2 1980er–1990er Jahre 3 Museum 4 Persönliches Leben 5 Ehrungen und Auszeichnungen 6 Referenzen Frühen Lebensjahren Ilias Lalaounis wurde am 4. Oktober 1920 in Athen, Griechenland, geboren.[3][4] Er war ein Juwelier in der vierten Generation, dessen Familie aus Delphi stammte.[4] Er schloss sein Studium an der Universität Athen ab, wo er Politikwissenschaft und Jura studierte.[3][4] Karriere Ilias Lalaounis Schmuckmuseum. Lalaounis begann seine Karriere im Schmuckgeschäft seines Onkels Xenophon Zolotas.[4] 1940 übernahm er die Leitung der Firma, für die er bis 1968 sämtliche Schmuckstücke leitete und entwarf.[3] Er gründete den griechischen Juwelierverband und stellte seine erste Sammlung, die Archäologische Sammlung, 1957 auf der Internationalen Messe Thessaloniki aus. Sie war von klassischer, hellenistischer und minoischer mykenischer Kunst inspiriert. 1969 gründete er seine eigene Firma, Greek Gold – Ilias Lalaounis SA.[4] 1969-1970er Jahre Lalaounis sorgte mit seiner Kollektion „Blow Up“ (1970) für Aufsehen, indem er den menschlichen Körper in Goldschmuck hüllte, der von der minoischen Zivilisation inspiriert war.[5] Im folgenden Jahr organisierte er eine internationale Schmuckausstellung in Athen, an der Van Cleef, Bulgari, Rene Kern und Harry Winston teilnahmen. 1976 erhielt er einen seiner wichtigsten Aufträge, der sich als einer der inspirierendsten für sein Portfolio erweisen sollte. Kaiserin Farah von Iran beauftragte Lalaounis mit der Schaffung einer Sammlung von Schmuck und Objekten, die von persischer Kunst inspiriert waren und im Kaiserpalast in Teheran ausgestellt wurden.[6] Zwischen 1970 und 1978 eröffnete Ilias Lalaounis Geschäfte in den meisten europäischen Ländern. Er eröffnete sein erstes internationales Geschäft in Paris in der Rue Saint-Honoré 364 in der Nähe des Place Vendôme und produzierte einen Kurzfilm, in dem er die Inspirationsquellen für die ausgestellten Juwelen erläuterte. Seitdem produzierte er regelmäßig Kurzfilme zur Illustration seiner Sammlungen, wie zum Beispiel: Aube of Art, Byzantine Arcs in Gold, Choreography, The Shield of Achilles, Ilion – The Treasure of Troy, Art and Gold, The Common Roots of the Creator Man , Schätze des Heiligen Landes.[3] 1979 eröffnete Lalaounis ein Geschäft in New York an der Ecke Fifth Avenue und 57th Street. Ein Jahr später lud ihn die Smithsonian Institution ein, einen Vortrag über seine Kunst zu halten und seine Sammlung The Achilles Shield im National Museum of American History auszustellen. 1980er–1990er Jahre Ilias Lalaounis schuf in den 1980er Jahren weiterhin innovative Kollektionen und weitete die Marke auf internationale Märkte aus. Bei der Eröffnung des Lalaounis-Stores in Tokio entwarf er eine von japanischer Kunst inspirierte Schmuckkollektion. Im selben Jahr eröffnete er ein Geschäft in Hongkong, in dem er eine Schmuckkollektion präsentierte, die von den Zeichnungen der griechischen geometrischen Periode inspiriert war und den geometrischen Designs der chinesischen Kunst sehr ähnlich war. Ein zweites Geschäft wurde 1982 in Hongkong eröffnet.[3] Lalaounis stellte seine Helena-von-Troja-Sammlung im Penn Museum in Philadelphia sowie in Houston, Texas, aus, wo er vom Bürgermeister zum Ehrenbürger ernannt wurde. 1984 veröffentlichte er Metamorphoses, ein Buch, in dem er neunzehn seiner Kollektionen vorstellte, indem er seine Philosophie über die Natur und Funktion von Schmuck analysierte. Für Ilias Lalaounis ist das Juwel kein einfaches Dekorationsobjekt, sondern es trägt eine Botschaft, ist Ausdruck des Innenlebens, eine Verbindung zur fernen Vergangenheit, ein Symbol und eine Erinnerung.[3] Für das Buch erhielt er den Thorlet Award (Prix Thorlet) der Académie des Beaux-Arts. Anschließend wurde in der Sorbonne-Kapelle eine Retrospektive seiner Werke gezeigt. Für seinen Beitrag zur Kunst wurde Lalaounis von der französischen Regierung zum Ritter des Ordens der Künste und Literatur (Chevalier de l'ordre des Arts et Lettres) und zum Kommandeur des Ordens der akademischen Palmen (Commandeur des Palmes Académiques) ernannt. Er wurde außerdem zum Mitglied der Académie des Beaux-Arts des Institut de France gewählt, dem einzigen Juwelier, der jemals aufgenommen wurde.[3][7] Die Schwerter der Akademiker (épées d'Académiciens), die den Mitgliedern bei ihrer Aufnahme überreicht wurden, wurden ursprünglich von Salvador Dali entworfen, und als Dali zu gebrechlich wurde, um weiterzumachen, ernannte er seinen engen Freund Ilias Lalaounis, um seine Arbeit fortzusetzen. Im November 1987 wurde Lalaounis von Teddy Kollek, dem Bürgermeister von Jerusalem, eingeladen, seine Sammlung „Schätze des Heiligen Landes“ in einer eigens vom Israel Museum organisierten Ausstellung zu präsentieren, die anschließend in New York, London und Paris gezeigt wurde. Im folgenden Jahr präsentierte er Arabesken, eine Sammlung von Gold- und Silberkreationen, besetzt mit Edelsteinen und Halbedelsteinen. Der türkische Außenminister lud ihn ein, Arabesken sowie eine weitere ergänzende Sammlung, Soleiman der Prächtige, im Museum für Islamische Kunst in Istanbul auszustellen.[8] Er brachte „Ameridians in New York“ auf den Markt, eine von der Kunst nordamerikanischer Indianer inspirierte Kollektion, und eröffnete 1991 sein Geschäft in der Madison Avenue in New York, wo er seine von keltischer Kunst inspirierte Kollektion präsentierte. Museum 1994 gründete er das Schmuckmuseum Ilias Lalaounis, das sich unter der Akropolis im Zentrum von Athen befindet. Die Dauerausstellung zeigt Schmuck und Mikroskulpturen aus 45 Kollektionen, die von Lalaounis im Zeitraum 1940-1992 entworfen wurden.[9] Einige Sonderanfertigungen werden auch dauerhaft ausgestellt, wie zum Beispiel die von Ilias Lalaounis entworfene olympische Fackel, mit der vor allen Olympischen Spielen die olympische Fackelrallye begann.

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Ilias Lalaounis (1920-2013) !8 Karat Gold auf Tigerauge-Osterei. Tolles Stück aus 18-karätigem Gold mit Katzenauge. Unmarkiertes, maßgefertigtes Einzelstück, das von einem Meister geschaffen wurde und zu einem Bruchteil des Originalpreises angeboten wird. Ich habe auch noch ein anderes aufgelistet. Keine Probleme. Ilias Lalaounis Aus Wikipedia, der freien Enzyklopädie Zur Navigation springenZur Suche springen Ilias Lalaounis LH OMRI Ilias Lalaounis im Jahr 1920.jpg Ilias Lalaounis im Jahr 1990 Geboren am 4. Oktober 1920 Athen, Griechenland Gestorben am 30. Dezember 2013 Athen, Griechenland Nationalität Griechisch Alma Mater Universität Athen Beruf Juwelier Ehepartner: Lila Altitzoglou Kinder 4 Töchter Ilias Lalaounis (4. Oktober 1920 – 30. Dezember 2013) war ein Pionier des griechischen Schmucks und ein international bekannter Goldschmied.[1] Er ist vor allem für seine von der griechischen Geschichte inspirierten Sammlungen bekannt.[2] 1990 wurde er als einziger Juwelier jemals in die Académie des Beaux-Arts aufgenommen.[3][4] Inhalt 1 Frühes Leben 2 Karriere 2.1 1969-1970er Jahre 2.2 1980er–1990er Jahre 3 Museum 4 Persönliches Leben 5 Ehrungen und Auszeichnungen 6 Referenzen Frühen Lebensjahren Ilias Lalaounis wurde am 4. Oktober 1920 in Athen, Griechenland, geboren.[3][4] Er war ein Juwelier in der vierten Generation, dessen Familie aus Delphi stammte.[4] Er schloss sein Studium an der Universität Athen ab, wo er Politikwissenschaft und Jura studierte.[3][4] Karriere Ilias Lalaounis Schmuckmuseum. Lalaounis begann seine Karriere im Schmuckgeschäft seines Onkels Xenophon Zolotas.[4] 1940 übernahm er die Leitung der Firma, für die er bis 1968 sämtliche Schmuckstücke leitete und entwarf.[3] Er gründete den griechischen Juwelierverband und stellte seine erste Sammlung, die Archäologische Sammlung, 1957 auf der Internationalen Messe Thessaloniki aus. Sie war von klassischer, hellenistischer und minoischer mykenischer Kunst inspiriert. 1969 gründete er seine eigene Firma, Greek Gold – Ilias Lalaounis SA.[4] 1969-1970er Jahre Lalaounis sorgte mit seiner Kollektion „Blow Up“ (1970) für Aufsehen, indem er den menschlichen Körper in Goldschmuck hüllte, der von der minoischen Zivilisation inspiriert war.[5] Im folgenden Jahr organisierte er eine internationale Schmuckausstellung in Athen, an der Van Cleef, Bulgari, Rene Kern und Harry Winston teilnahmen. 1976 erhielt er einen seiner wichtigsten Aufträge, der sich als einer der inspirierendsten für sein Portfolio erweisen sollte. Kaiserin Farah von Iran beauftragte Lalaounis mit der Schaffung einer Sammlung von Schmuck und Objekten, die von persischer Kunst inspiriert waren und im Kaiserpalast in Teheran ausgestellt wurden.[6] Zwischen 1970 und 1978 eröffnete Ilias Lalaounis Geschäfte in den meisten europäischen Ländern. Er eröffnete sein erstes internationales Geschäft in Paris in der Rue Saint-Honoré 364 in der Nähe des Place Vendôme und produzierte einen Kurzfilm, in dem er die Inspirationsquellen für die ausgestellten Juwelen erläuterte. Seitdem produzierte er regelmäßig Kurzfilme zur Illustration seiner Sammlungen, wie zum Beispiel: Aube of Art, Byzantine Arcs in Gold, Choreography, The Shield of Achilles, Ilion – The Treasure of Troy, Art and Gold, The Common Roots of the Creator Man , Schätze des Heiligen Landes.[3] 1979 eröffnete Lalaounis ein Geschäft in New York an der Ecke Fifth Avenue und 57th Street. Ein Jahr später lud ihn die Smithsonian Institution ein, einen Vortrag über seine Kunst zu halten und seine Sammlung The Achilles Shield im National Museum of American History auszustellen. 1980er–1990er Jahre Ilias Lalaounis schuf in den 1980er Jahren weiterhin innovative Kollektionen und weitete die Marke auf internationale Märkte aus. Bei der Eröffnung des Lalaounis-Stores in Tokio entwarf er eine von japanischer Kunst inspirierte Schmuckkollektion. Im selben Jahr eröffnete er ein Geschäft in Hongkong, in dem er eine Schmuckkollektion präsentierte, die von den Zeichnungen der griechischen geometrischen Periode inspiriert war und den geometrischen Designs der chinesischen Kunst sehr ähnlich war. Ein zweites Geschäft wurde 1982 in Hongkong eröffnet.[3] Lalaounis stellte seine Helena-von-Troja-Sammlung im Penn Museum in Philadelphia sowie in Houston, Texas, aus, wo er vom Bürgermeister zum Ehrenbürger ernannt wurde. 1984 veröffentlichte er Metamorphoses, ein Buch, in dem er neunzehn seiner Kollektionen vorstellte, indem er seine Philosophie über die Natur und Funktion von Schmuck analysierte. Für Ilias Lalaounis ist das Juwel kein einfaches Dekorationsobjekt, sondern es trägt eine Botschaft, ist Ausdruck des Innenlebens, eine Verbindung zur fernen Vergangenheit, ein Symbol und eine Erinnerung.[3] Für das Buch erhielt er den Thorlet Award (Prix Thorlet) der Académie des Beaux-Arts. Anschließend wurde in der Sorbonne-Kapelle eine Retrospektive seiner Werke gezeigt. Für seinen Beitrag zur Kunst wurde Lalaounis von der französischen Regierung zum Ritter des Ordens der Künste und Literatur (Chevalier de l'ordre des Arts et Lettres) und zum Kommandeur des Ordens der akademischen Palmen (Commandeur des Palmes Académiques) ernannt. Er wurde außerdem zum Mitglied der Académie des Beaux-Arts des Institut de France gewählt, dem einzigen Juwelier, der jemals aufgenommen wurde.[3][7] Die Schwerter der Akademiker (épées d'Académiciens), die den Mitgliedern bei ihrer Aufnahme überreicht wurden, wurden ursprünglich von Salvador Dali entworfen, und als Dali zu gebrechlich wurde, um weiterzumachen, ernannte er seinen engen Freund Ilias Lalaounis, um seine Arbeit fortzusetzen. Im November 1987 wurde Lalaounis von Teddy Kollek, dem Bürgermeister von Jerusalem, eingeladen, seine Sammlung „Schätze des Heiligen Landes“ in einer eigens vom Israel Museum organisierten Ausstellung zu präsentieren, die anschließend in New York, London und Paris gezeigt wurde. Im folgenden Jahr präsentierte er Arabesken, eine Sammlung von Gold- und Silberkreationen, besetzt mit Edelsteinen und Halbedelsteinen. Der türkische Außenminister lud ihn ein, Arabesken sowie eine weitere ergänzende Sammlung, Soleiman der Prächtige, im Museum für Islamische Kunst in Istanbul auszustellen.[8] Er brachte „Ameridians in New York“ auf den Markt, eine von der Kunst nordamerikanischer Indianer inspirierte Kollektion, und eröffnete 1991 sein Geschäft in der Madison Avenue in New York, wo er seine von keltischer Kunst inspirierte Kollektion präsentierte. Museum 1994 gründete er das Schmuckmuseum Ilias Lalaounis, das sich unter der Akropolis im Zentrum von Athen befindet. Die Dauerausstellung zeigt Schmuck und Mikroskulpturen aus 45 Kollektionen, die von Lalaounis im Zeitraum 1940-1992 entworfen wurden.[9] Einige Sonderanfertigungen werden auch dauerhaft ausgestellt, wie zum Beispiel die von Ilias Lalaounis entworfene olympische Fackel, mit der vor allen Olympischen Spielen die olympische Fackelrallye begann.

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Vintage Jadeit-Perlenhalskette mit 14-Karat-Verschluss. Schöne alte Halskette aus unbehandeltem Jadeit, etwa Mitte des 20. Jahrhunderts, aus handgebundener Seide mit einem Verschluss aus 14 Karat Gold. 10–11 mm Perlen, 128 Gramm. Mit einer Länge von 33 Zoll kann es problemlos als Halsband verwendet werden.

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Vintage Gumps Eine Halskette aus Jadeit-Perlen. Verkaufe die abgebildete Vintage-Gumps-Jadeit-Halskette, abgestufte Perlen von 4,7 mm bis 10,2 mm, gemessen mit digitalen Messschiebern, 50,7 Gramm, Verschluss aus 14 Karat Gold. 22" lang. Ungefähr Mitte des 20. Jahrhunderts ohne Beschädigung, einige natürliche Risse/Farbvariationen, da es sich um unbehandelten Jadeit handelt, der nicht voller Kunststoff und Farbstoff ist. Seit 1861 ist Gump's eine Adresse für Schmuck, der unverwechselbar und zeitlos ist. Jade galt einst als kostbarer als Gold und wurde jahrtausendelang geschätzt. In Asien wird sie höher geschätzt als jeder andere Edelstein. Es steht für Harmonie, Ausgeglichenheit und Schutz und soll dem Träger Glück bringen.

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Um 1990, eine goldfarbene Laufsteg-Halskette und Ohrclips von Philippe Ferrandis Paris aus Frankreich. Erstaunliches Retro-Over-the-Top-Set, sauber und sofort tragbar, Nachlass frisch aus einer millionenschweren Schmuck-/Kleidungskollektion, in der nichts außer ein paar Malen hätte getragen werden können. Keine Schäden oder erkennbarer Verschleiß. Ohrringe 3,5" hoch x 2" breit mit starken Federn an den Clips. Halskette 20" lang ohne Probleme. Garantiert authentisches Set aus den späten 80ern und 90ern ohne Probleme. anderasbag

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um 1890 viktorianische 14-Karat-Mikromosaik-Hundeohrringe. Tolles Paar hohler, aber massiver (geprüfter) Ohrringe aus 14-karätigem Gold aus der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. 2" hoch x 5/8" breit, 6,5 Gramm. unmarkiert

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Großer georgianischer Miniatur-Portrait-Anhänger aus 14-karätigem Gold. Sehr feine Porträtminiatur aus dem 18. bis frühen 19. Jahrhundert, montiert in einem dicken Rahmen aus massivem 14+K Gold. Ich habe es zerlegt, um einen genauen Test durchzuführen, ohne das Äußere zu beschädigen. Es besteht aus massivem 14-karätigem Gold oder mehr, aber weniger als 18-karätigem Gold. Beim Zerlegen fand ich im Inneren drei abgebildete Zettel, eines davon war in zwei Hälften geschnitten, beim Zusammenfügen lautete es Lane Portrait and Miniature Painter 135 High Street Portsmouth, dann auf der Rückseite vielleicht die Quittung für dieses Porträt. Dann liest die andere Zeitung dies Herr Okt. _______ Große George Street Westminister Ich war wirklich überrascht, diese Hinweise zu finden, obwohl ich nicht viel Zeit habe, ihnen nachzugehen, sie sind interessant. Ich habe die Zettel wieder hineingelegt, wo sie die letzten etwa 200 Jahre sicher versteckt waren. Ohne den extra losen oberen Ring ist es 3,5 Zoll hoch und 2 3/8 Zoll breit und wiegt 44,8 Gramm. Die Bilder wurden nach dem Zusammenbau und sorgfältiger Reinigung des über 200 Jahre alten Goldrahmens aufgenommen.

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Große antike 18-karätige Hartstein-Cameo-Sardonyx-Karneol-Brosche. Erstaunliches Hochrelief aus dem 19. Jahrhundert, getestet und garantiert mindestens aus massivem 18-karätigem Gold. 2,25" hoch x 1 5/8" breit, 34,7 Gramm.

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Großer antiker 14-Karat-Gold-Sardonyx-Muschel-Cameo-Anhänger/Brosche mit natürlichen Perlen. 2,75" x 2" x 21,2 Gramm. Teil einer beeindruckenden Sammlung seltener Kameen. Ohne Markierung, aber säuregeprüft, um knapp 14 Karat Gold zu sein, garantiert massives Gold von 10–14 Karat.

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Vintage chinesischer 14-Karat-Jadeit-Anhänger, 6,3 cm hoch x 4,8 cm breit, 26,5 Gramm, gekennzeichnet und geprüft aus 14-karätigem Gold, getestet als Jadeit

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sz4.5 Navajo Irvin Kee 14k Gem Grade Mediterraner roter Korallenring. Ungestempelt, geprüftes massives 14-Karat-Gold. Höchstwahrscheinlich aus dem letzten Viertel des 20. Jahrhunderts, weist jedoch so gut wie keine Gebrauchsspuren auf. 4,9 Gramm. Dies ist ein wirklich hochwertiger Ring. Ich konnte nicht viele Informationen über den Künstler finden, aber er hat einige wirklich schöne Arbeiten gemacht, wie hier zu sehen ist, aber alles, was er gemacht hat, war wirklich schön, mit Steinen höchster Qualität und großer Liebe zum Detail. Er war einfach nicht sehr produktiv, Qualität ging vor Quantität, wie es scheint. Alle Edelmetalle werden geprüft und garantiert. Jeder als Silber oder Sterling bezeichnete Schmuck der amerikanischen Ureinwohner besteht garantiert zu mindestens 90 % (Münz-)Silber und möglicherweise zu einem höheren Gehalt.

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Antiker 14-karätiger Gold-Hartstein-Cameo-Anhänger mit Perlen. Ungestempeltes, getestetes und garantiert massives 14-15-Karat-Gold. Ungefähr 150 Jahre alt, 1 7/8" hoch mit Öse und Öse x 1,25" breit. 14 Gramm.

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Antik gravierte türkisfarbene Anstecknadel aus 14-karätigem Gold. Gekennzeichnet und getestet aus massivem 14-karätigem Gold. Mark ist beim Fangen ohnmächtig, mit der Zeit abgenutzt. Handgraviertes, fantastisches Stück. 15/16" x 5/8" x 2,5 Gramm.

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19" Vintage 14k Verschluss 14-15mm Lapislazuli Perlenkette. Schöne Vintage-Halskette ohne Probleme. 122,2 Gramm. anderas

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Sz6 Estate 18k Jadeit-, Diamant- und Perlenring. Natürlicher unbehandelter Jadeit, 12 natürlich geprüfte Diamanten von angemessener Größe, wahrscheinlich über 1 cttw. Qualitätsperlen, gekennzeichnet und geprüft aus 18-karätigem Gold mit unleserlichem Herstellerzeichen. 20 mm x 24 mm große Ringfläche. 11,8 Gramm.

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Anhänger aus 18 Karat natürlichem äthiopischem braunem Opal/Diamant. Wunderschöner Anhänger aus markiertem und geprüftem 18-karätigem Gold mit ca. 0,15 ct Diamanten und einem 0,9 ct natürlichen Opal von 2 Gramm ohne Beschädigung oder nennenswerte Gebrauchsspuren. 1 1/8" hoch x 0,5" breit.

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Vintage 14k Gold Türkis Perlenkette 18,5" Halskette, 5/8" Anhänger, 5mm Perlen 18,4 Gramm.

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Vintage Halskette aus 14 Karat Jadeit und Perlen. Verkaufe die abgebildete Halskette mit markierten und geprüften 14-Karat-Goldperlen und Verschluss, länglichen Jadeitperlen und Zuchtperlen. 26" lang, 23,7 Gramm, 4 mm breit.

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26" lange chinesische Retro-Halskette mit Lapislazuli-Perlen aus 14 Karat Gold. Verschluss und Perlen aus 14 Karat, natürlicher Lapis, Perlen ca. 8,5 mm, 60,7 Gramm.

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ST Dupont Fidelio Lignes Recoupees 3 Stiftset. Verkaufe alle drei abgebildeten Stifte, der Füllfederhalter hat eine 14k-Feder und ist möglicherweise ausgetrocknet, die anderen beiden schreiben sehr gut. Sie sind alle sehr sauber, ohne Dellen oder Kratzer, minimale Gebrauchsspuren. Garantiert authentisch, alle mit Seriennummern auf den Clips. Schmuckschublade

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Große antike Mikromosaik-Anstecknadel aus 18 Karat Gold. Erstaunliches Stück künstlerischen Schmucks aus dem 19. Jahrhundert, 2" x 1 5/8" 39,4 Gramm auf meiner Waage. Von mir und einem unabhängigen Juwelier getestet: 18-karätiges Gold, ohne Markierung. Das im letzten Bild gezeigte Gutachten ist enthalten.

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Antike chinesische Korallenkette mit 14-karätigem Goldverschluss. Verschluss geprüft und garantiert aus massivem 14-karätigem Gelbgold mit goldgefüllter Sicherheitskette. 14" lang, Ende des 19. bis Anfang des 20. Jahrhunderts. 84,3 Gramm Gesamtgewicht.

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um 1880 Robbins Clark & ​​Biddle Arztbleistift mit einziehbarem Anhänger aus 14-karätigem Gold, knapp über 3,5 Zoll geschlossen mit Biegering, 4 7/8 Zoll vollständig ausgefahren mit Biegering. Voll funktionsfähig und ohne Probleme. Ohne Markierung, aber von mir an mehreren Stellen säuregeprüft, um sicherzustellen, dass es aus 14-karätigem Gold besteht, ohne Anzeichen oder Hinweise darauf, dass es plattiert ist. Name des Händlers auf der einen Seite und eingravierter Name des Arztes auf der anderen Seite. 18,6 Gramm. Ohne dies zu beschädigen, kann ich nicht 100 % sicher sein, dass es nicht mit Gold gefüllt ist, aber wie ich bereits sagte, gibt es keine Beweise dafür, dass es plattiert ist, keine Abnutzung, und es hat sich an mehreren Stellen für 14 Karat bewährt, verblasst aber bei 18 Karat, typischerweise waren vergoldete Gegenstände mehr oft 12 Karat, würde also nicht bei 14 Karat getestet, also glaube ich, dass es sich um massives Gold handelt. Einige der inneren Mechanismen bestehen aus einem anderen Metall, da sie haltbarer als Gold sind. Ich habe bereits verschiedene Modelle davon aus derselben Zeit zerlegt und sie bestehen normalerweise zu 50–75 % aus Gold mit einer kleinen Menge Stahl- oder Messingteilen für den Mechanismus. Wie im letzten Bild gezeigt, besteht der innere Schaft, der den Bleistift hält, aus Messing. Robbins, Clark & ​​Biddle aus 1124 Chestnut Street in Philadelphia. Es war ein Juweliergeschäft, das auch Sterling- und plattierte Waren, importierte Artikel, Uhren, Bronzen sowie „ausgefallene Waren aus Gold, Leder, Holz und Kristall“ verkaufte, darunter Jardiniers, Tintenständer, Vasen, Schmuckkästchen, Arbeitskästen und Körbe , Thermometer und Barometer, Vinaigrettes und Kartenetuis. Samuel Biddle ist der Biddle von Bailey, Banks & Biddle. Er lernte 1857 bei Thomas C. Garrett und übernahm dessen Unternehmen irgendwann nach 1860 als Clark & ​​Biddle. Daraus wurden Robbins, Clark & ​​Biddle (zumindest 1876; sie stehen im Katalog der Centennial-Ausstellung) und 1878 dann Bailey, Banks & Biddle, wie wir es heute kennen. Ich habe Artikel anderer Hersteller (einschließlich Krider) gesehen, die von Clark & ​​Biddle verkauft wurden, aber es ist wahrscheinlich, dass sie zumindest zu Beginn auch einige Artikel hergestellt haben.

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Viktorianische Hochrelief-Lava-Cameo-Brosche aus 18 Karat Roségold. 19. Jahrhundert, ungestempelt, aber getestet und garantiert aus massivem 18-karätigem Gold. 2" hoch x 1,75" breit ohne Probleme.

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Viktorianische Cameo-Brosche aus 14-karätigem Roségold mit Perlenbesatz aus Hartstein. Geschnitzte Kamee aus Hartstein aus dem 19. Jahrhundert ohne Probleme, Rahmen getestet und garantiert aus massivem 14-karätigem Gold, ohne Markierung. 1,75" hoch x 1,45" breit. 19,4 Gramm.

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Antiker chinesischer 18-karätiger Jadeit-Ring. Antiker unbehandelter Jadeitring, über 100 Jahre alt. Derzeit Größe 4, hinten ausgeschnitten, sodass die Größe von jedem Juwelier problemlos angepasst werden kann. 5,4 Gramm. Ohne Markierung, getestet und garantiert aus 17-18-karätigem Gold.

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Vintage Imperial 6,7 mm Perlenkette mit 14-Karat-Verschluss in Originalverpackung. Echte Perlen, 16 Zoll lang, in Originalverpackung mit markiertem und geprüftem 14-Karat-Goldverschluss. Keine Schäden oder Probleme.

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Vintage 14k Gold Lapisperlen Halskette. Schöne Schnitzerei auf den Perlen, markiert und geprüft aus 14-karätigem Gold. 18,5" lang, 52 Gramm Gesamtgewicht. Keine Absplitterungen oder Brüche an Steinen.

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Vintage Ming's of Hawaii Jadeit 14k Gold Anhänger. Soweit ich weiß, verkaufte Ming's immer hochwertigen unbehandelten Jadeit. Ich wusste nicht, dass sie antike Gegenstände umfunktioniert haben, aber das sieht aus wie ein antiker Knopf, der etwa Mitte des 20. Jahrhunderts von Ming's zu einem Anhänger umfunktioniert wurde. 1,25" hoch x 5/8" breit x 2,5 Gramm. Ming's wurde in den 1940er Jahren von Wook Moon eröffnet und hatte schließlich Einzelhandelsgeschäfte nicht nur auf Hawaii, sondern auch in San Francisco und New York. Ming's wurde bei den Leuten in der Innenstadt mit einem Geschäft hier im Einkaufszentrum Fort Street beliebt. Einige unserer Kunden selbst erzählen uns von ihren Erinnerungen an Mr. Moon, der bescheiden bezahlten Sekretärinnen und Büroangestellten in der Innenstadt eine zinslose Miete anbot, damit sie sich ab und zu ein Stück leisten konnten. Ming's wurde zu einem beliebten Element des hawaiianischen Schmucks, da er oft wunderschöne hawaiianische und asiatische Kulturthemen aufwies. Sie enthielten oft fein geschnitzte Elfenbeinstücke sowie Broschen aus Sterlingsilber, Perlen- und Jadecluster und goldene Armreifen. Zu den beliebten Themen gehören Pfingstrosen-, Lotus-, Chrysanthemen- und Pflaumenblüten, der berüchtigte „Vogel in Pflaume“ und andere. Einige sollen die Jahreszeiten repräsentieren oder die Verschmelzung verschiedener asiatischer Kulturen darstellen.

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Sz6 c1864 18k Gold Saphir/Diamant antiker Ring. Birmingham-Punze für 1864, Hersteller unklar. Markiert und geprüft aus 18-karätigem Gold. Alte Diamanten im Minenschliff und wunderschöne blaue natürliche Saphire. 1,9 Gramm. Ein ganz besonderer kleiner Ring ohne Probleme. Die Saphire haben ein Gewicht von ca. 0,2 cttw und die beiden kleinen Diamanten haben ein Gewicht von ca. 0,05 cttw.

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Modernistische 14k Tiffany Dackel Weiner Hundenadel. Seltener Vintage-Artikel, etwa 40–50 Jahre alt, ohne Probleme. 2" breit x 7/8" hoch x 5,6 Gramm. Garantiert authentisch, entworfen und verkauft von Tiffany in den späten 70er bis frühen 80er Jahren.

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Olympische Goldmedaille der Panamerikanischen Spiele 1937 in Texas. Dies ist eine authentische (getestete) 14-Karat-Goldmedaille von den Panamerikanischen Spielen, die 1937 in Dallas, Texas, stattfanden. Dies war das erste Jahr der Spiele, es erhielt wenig Beachtung, es ist wahrscheinlich das einzige, das existierte, da nur sehr wenige Menschen auf der Welt überhaupt wissen, dass diese Spiele stattfanden, obwohl zu dieser Zeit berühmte Athleten teilnahmen, die auch an den Olympischen Spielen 1936 teilnahmen in Deutschland traten hier ebenfalls an. Es hat ziemlich lange gedauert, bis ich herausgefunden hatte, was das war, da ich keine Verkaufsergebnisse von einem anderen Anbieter finden konnte. Käufer von 999/1000 Gold würden dies einschmelzen, ohne jemals herauszufinden, was es war. Vielleicht gibt es da draußen noch einen, aber ich konnte keine Beweise dafür finden, obwohl es ein sehr wichtiger Teil der Sport- und Texas-Geschichte ist. Ich gehe davon aus, dass TKC der Empfänger der Medaille ist. Im Moment bin ich mir nicht sicher, wer das ist. Ich habe das schon seit geraumer Zeit und ich weiß, dass ich es in Austin erworben habe, wahrscheinlich vor etwa 4 bis 5 Jahren, was dem Empfänger 100 Punkte eingebracht hätte, als er bestanden hätte, wenn er mit 20 angetreten wäre, vorausgesetzt, ich hätte es direkt aus dem Nachlass des Empfängers erworben. 84 Jahre sind eine lange Zeit. Ich stelle das hier in der Hoffnung, ein paar mehr Informationen darüber zu sammeln, und der Preis mag verrückt erscheinen, aber ich denke, bei der richtigen Auktion könnte es oder noch mehr möglich sein. 7/8" breit x 1" hoch ohne Schlaufe. Nachfolgend finden Sie einige Informationen, die ich online aus verschiedenen Quellen über die Spiele von 1937 und einige ihrer Teilnehmer zusammengetragen habe. Frühe Spiele Die Idee, Panamerikanische Spiele abzuhalten, kam erstmals bei den Olympischen Sommerspielen 1932 in Los Angeles auf, als lateinamerikanische Vertreter des Internationalen Olympischen Komitees (IOC) die Schaffung eines Wettbewerbs zwischen allen Ländern Amerikas vorschlugen.[7] Die erste Veranstaltung namens Panamerikanische Spiele fand 1937 in Dallas im Rahmen der Greater Texas & Pan-American Exposition statt, erregte jedoch so wenig Aufmerksamkeit, dass sie nie in die Aufzeichnungen des Wettbewerbs aufgenommen wurde.[8][9] Beim ersten Panamerikanischen Sportkongress, der 1940 in Buenos Aires stattfand, beschlossen die Teilnehmer, dass die ersten Spiele 1942 in Buenos Aires stattfinden sollten. Die Pläne mussten wegen des Zweiten Weltkriegs verschoben werden. Ein zweiter Panamerikanischer Sportkongress, der während der Olympischen Sommerspiele 1948 in London stattfand, bestätigte erneut Buenos Aires als Austragungsort für die Eröffnungsspiele, die 1951 stattfanden. Die Spiele begannen am 25. Februar dieses Jahres[10] und boten 18 Sport.[7] Länder, die Teil des Commonwealth of Nations waren, wie etwa Kanada, nahmen nicht an den ersten Panamerikanischen Spielen teil.[11] Die zweiten Spiele fanden in Mexiko-Stadt, Mexiko, statt. Die Wettkämpfe begannen am 12. März und umfassten 2.583 Athleten aus 22 Ländern, die in 17 Sportarten teilnahmen.[12] Die Panamerikanischen Spiele fanden seitdem alle vier Jahre statt.[12] Kontinentale Meisterschaften sind seit langem ein wichtiger Bestandteil des Vierjahreskalenders für Sportarten, deren Höhepunkt die Olympischen Spiele sind. Sie begannen auf Kontinenten mit relativ wenigen organisierten internationalen Wettbewerben zwischen Nachbarländern. Den Panamerikanischen Spielen 1937 folgten die Pazifikspiele, die Afrikaspiele und die Asienspiele. Die Panamerikanischen Spiele Die Idee der Panamerikanischen Spiele entstand 1932 die Olympischen Spiele in Los Angeles, aber der erste offiziell sanktionierte Pan Die Am Games fanden erst 1951 statt.1“ Die Weltpolitik mischte sich ein von Anfang an. 14 Als Auftakt zu den ursprünglich für 1942 geplanten Spielen In Dallas fand 1937 ein Festival namens Panamerikanische Spiele statt. Texas. Mindestens 21 Nationen Süd-, Mittel- und Nordamerikas waren dabei eingeladen, aber nur etwa ein halbes Dutzend waren tatsächlich anwesend. Im Fußball Panamerikanische Spiele 1937 (inoffiziell): Die Vereinigten Staaten (vertreten durch die Trenton Highlanders) verloren gegen Winnipeg (vertritt Kanada) 3:2 und landete auf dem 3. Platz von 3 Teams. Dyreson, Mark. (2016). Die ursprünglichen Panamerikanischen Spiele? Die Panamerikanischen Olympischen Spiele 1937 in Dallas. Das Internationale Journal für Sportgeschichte. 33. 1-23. 10.1080/09523367.2016.1152959. Im Jahr 1937 fand in Dallas, Texas, ein Sportfest statt, bei dem Mannschaften aus ganz Amerika zu den „Panamerikanischen Olympischen Spielen“ zusammenkamen. Die Spiele, die unter dem Dach der Greater Texas and Pan-American Exposition organisiert wurden, zogen Hunderte von Athleten zu Leichtathletikwettbewerben, Fußballspielen und einem Boxturnier an. Obwohl Historiker die Panamerikanischen Spiele 1951 in Buenos Aires im Allgemeinen als den Ursprung des größten Sportkarnevals der westlichen Hemisphäre betrachten, waren die Spiele in Dallas sicherlich eine Inspiration, auch wenn sie nicht direkt den Beginn der Panamerikanischen Spiele-Bewegung darstellten. Unter der Leitung von George Preston Marshall, dem Besitzer einer Profi-Football-Franchise und einem leidenschaftlichen Verfechter der Rassentrennung in diesem Sport, brachten die Panamerikanischen Olympischen Spiele paradoxerweise eine Reihe interrassischer Wettbewerbe hervor, bei denen schwarze, weiße und lateinamerikanische Athleten gegeneinander antraten Herz des getrennten Südens der USA. Das Dallas Pan-American Festival enthüllt die rätselhaften Visionen seines Architekten, beleuchtet die Rassen- und Nationalkonflikte der 1930er Jahre und beleuchtet den anhaltenden Traum einer olympischen Veranstaltung, die ganz Amerika umfassen würde. Earle Meadows Eingetragen: 1996, Sportler Geboren: 29. Juni 1913 – Corinth, Mississippi Verstorben: 11. November 1992 Veranstaltungen Stabhochsprung – 4,54 m Earle Meadows, ein Weltrekordhalter zur Zeit der Bambusstange, erlangte seinen größten Ruhm mit dem Sieg im Stabhochsprung bei den Olympischen Spielen 1936, aber 1937 war aus Rekordsicht vielleicht sein größtes Jahr. Am 8. Mai brachen Meadows und sein Teamkollege Bill Sefton von der University of Southern California in Stanford, Kalifornien, den Weltrekord, als sie 4,48 m/14 Fuß 8,50 Zoll übersprangen und sich damit den ersten Platz teilten. Drei Wochen später übertrafen beide diese Marke mit Weiten von 4,55 m/14-11. Da die Standards nicht höher angehoben werden konnten, verpassten Meadows und sein Teamkollege ihre Chance, die ersten Voltigierer zu werden, die 15 Fuß überwanden. Ihre Leistungen, als sie USC zu drei NCAA-Teamtiteln führten, brachten Meadows und Sefton den Spitznamen „Heavenly Twins“ ein. In den Jahren 1935 und 1936 teilte sich Meadows auch den NCAA-Titel mit Sefton, und er teilte sich mit Sefton den AAU-Titel von 1935. Meadows war in der Halle ebenso erfolgreich und gewann 1937, 1940 und 1941 nationale Titel. Bei letzterem Wettkampf stellte er mit 4,45 m/14-7 eine Hallenweltbestleistung auf. Aufzeichnungen gehalten Weltrekord (Hallen): Stabhochsprung – 4,45 m Weltrekord: Stabhochsprung – 4,48 m (8. Mai 1937 – ) Weltrekord: Stabhochsprung – 4,54 m (29. Mai 1937 –) Meisterschaften Olympische Spiele 1936: Stabhochsprung – 4,35 m (1. Platz) USA-Freiluftmeisterschaften 1935: - 4,23 m (1.) Olympische Prüfungen 1936: Stabhochsprung – 4,34 m (1.) USA-Hallenmeisterschaften 1937: - 4,34 m (1.) USA-Hallenmeisterschaften 1940: - 4,34 m (1.) USA-Hallenmeisterschaften 1941: - 4,38 m (1.) Panamerikanische Spiele 1937: - 4,12 m (3.) Olympische Spiele 1936, Berlin, Deutschland John Loaring Jr.s zweite Wettkampferfahrung im 400-m-Hürdenlauf machte er an seinem 21. Geburtstag, dem 3. August, in den Vorläufen der Olympischen Spiele 1936 in Berlin. Am folgenden Tag lief Loaring sowohl im Halbfinale als auch im Finale des 400-m-Hürdenlaufs. Er war der jüngste und unerfahrenste Finalist, schaffte es jedoch, die Silbermedaille zu gewinnen und landete nur drei Zehntelsekunden hinter dem Favoriten und Weltrekordhalter Glenn Hardin. Am 6. und 7. August lief Loaring vier 400-Meter-Läufe: erste Runde, zweite Runde, Halbfinale und das Finale, bei dem er den sechsten Platz belegte. Am 8. August war Loaring der Anker der kanadischen 4x400-m-Staffel. Im Halbfinale erhielt Loaring den Staffelstab vor dem Deutschen Rudolf Harbig, der später, im Jahr 1939, Weltrekorde im 400-m- und 800-m-Lauf brach. Gegen Ende wurde Loaring absichtlich langsamer, ließ Harbig vor seinen Landsleuten gewinnen und wusste, dass sich ein kanadischer Zweiter für das Finale qualifizieren würde. Doch im Finale wurde Kanadas dritter Staffelläufer von einem amerikanischen Läufer gefoult und Loaring erhielt den Staffelstab sieben Meter hinter Harbig. Loaring hätte Harbig beinahe eingeholt, wobei Deutschland und Kanada die gleiche Zeit erhielten, Loaring jedoch weniger als einen Meter dahinter lag – Kanada wurde Vierter. Die internationale Presse berichtete, dass die Offiziellen sich über das offensichtliche Foul geärgert hätten, letztlich aber beschlossen hätten, das US-Team nicht zu disqualifizieren, weil das kanadische Team nicht protestiert habe. Das war der Gentleman-Sport und die Politik jener früheren Zeit. Die beliebte deutsche Wochenzeitung „Fussball“ wählte Loaring als „den härtesten Wettkämpfer des Jahres 1936 …“ Die bekannten Olympiaautoren Ross und Norris McWhirter kommentierten: „Loarings Wettkampfbilanz bei den Olympischen Spielen 1936 … muss wohl die härteste Prüfung überhaupt darstellen.“ Jeder olympische Athlet wurde jemals davon betroffen.“ Loaring ist immer noch der einzige Athlet, der an allen drei olympischen Endrunden der Männer über die 400-Meter-Distanz in einer beliebigen Kombination von Olympischen Spielen teilgenommen hat, und zwar mit 21 Jahren. Wie andere junge Athleten verlor er durch den Ausbruch des Zweiten Weltkriegs zwei davon Olympische Spiele in seinen besten Jahren – man kann nur vermuten, welche Leistungen er als erfahrener Sportler hätte abliefern können. Postolympische Leistungen Unmittelbar nach den olympischen Ereignissen nahm Loaring am 15. August 1936 in London, England, an einem Aufeinandertreffen zwischen dem Britischen Empire und den USA teil. In einer Hindernisstaffel über vier mal zwei Runden lief Loaring die Schlussrunde in einer Weltbestzeit und gewann Gold für das British Empire Team. Er überwand einen Vorsprung von 12 Metern vor dem Moderator der USA, der bis eine Woche zuvor den Weltrekord im 3.000-m-Hindernislauf gehalten hatte. Dies war Loarings einziges Hindernisrennen-Erlebnis. Bei den Panamerikanischen Spielen 1937 in Dallas, Texas, stand Loarings beliebtester 400-m-Hürdenlauf nicht auf dem Programm. Allerdings gewann er im 400-m-Lauf den vierten Platz. Drei Tage später nahm Loaring an einem Doppeltreffen Oxford-Cambridge gegen Kanada in Hamilton, Ontario, teil. Nachdem er den 220-Yard-Hürdenlauf gewonnen hatte, verärgerte Loaring den britischen Silber- und Goldmedaillengewinner bei den Olympischen Spielen und gewann den 440-Yard-Lauf. John Woodruff, afroamerikanischer Läufer, trat bei den Panamerikanischen Spielen 1937 gegen Elroy Robinson an, einen weißen Läufer, der gerade einen Weltrekord über 800 Meter aufgestellt hatte. Mr. Woodruff gewann das Rennen mit einem Vorsprung von 12 Yards und einer Zeit von 1:47,8, fast zwei Sekunden schneller als Robinsons einwöchiger Rekord. Doch die Beamten ließen Mr. Woodruffs Zeit nicht zu, da die Strecke falsch vermessen und mehrere Fuß zu kurz sei.

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