Fidencio Castillo, Mexikanerin (1907-1993) Frau mit Rebozo-Skulptur, signiert Fide C., montiert auf schwarzem Marmorsockel, einige Absplitterungen auf dem Steinsockel, keine Beschädigung der Bronze. Gesamt: ca. 9,5 Zoll hoch, 7 1/8 Zoll breit, 6 1/8 Zoll tief, 11 PfundFidencio Castillo Santiago (16. November 1907 – 29. Juli 1993) war ein mexikanischer Künstler, Pädagoge und ein Gründungsmitglied des Salón de la Plástica Mexicana.Er wurde kurz vor der mexikanischen Revolution in Etzatlán, Jalisco, Mexiko als Sohn von Trinidad Castillo und Raymunda Santiago geboren. Seine jüngere Schwester Rosa Castillo Santiago (1910-1989) war auch ein etablierter Künstler.Fidencio Castillo Santiago studierte an der Akademie von San Carlos und dann an der Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado „La Esmeralda“.[1] Anschließend unterrichtete er an letzterer über mehrere Jahre 30 Jahre alt und mit Paz Castillo Alarcón verheiratet.Seine Arbeiten wurden in Mexiko und im Ausland ausgestellt, darunter in Städten wie Tokio und Kurashiki während der mexikanischen Kunstausstellung 1995 und in Phoenix, Arizona 1967. In Mexiko, Hauptdarsteller Zu den Ausstellungen zählen die Bienal Mexicana Contenporánea im Jahr 1960, der Salón de Invierno, die Galería Plástica Mexiana im Jahr 1956, der Salón de Arte Mexicano im Jahr 1958 und der erste Salón de Pintura y Escultura Contemporánea Jalisciense im Jahr 1964. Im Jahr 1971 war der Salón de la Plástica Mexicana Gastgeber eine Retrospektive seines Schaffens. Eine weitere Veranstaltung fand 2004 gemeinsam mit der Asociación de Artistas Plásticos de México, der UNESCO und der Metro von Mexiko-Stadt statt, um ihn und seine Schwester Rosa Castillo zu ehren. Er starb aus verschiedenen Gründen im Alter von 85 Jahren in Mexiko-Stadt. Heute beherbergt das Museo Histórico von Guachinango, Jalisco, eine Dauerausstellung dieses Autors

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Peter Madsen, ein Künstler aus Simi Valley, Kalifornien, kreiert die Bronzeskulptur „Langer Arm des Gesetzes“ 17.5" hoch x 19" breit. Keine Schäden oder Abnutzung. Es stammt aus dem Jahr 1991, ist 13/24 groß und wiegt 30 Pfund. Nummer 18/24 wurde am 3. Mai 2015 für 5.000 bei eBay verkauft, daher ist der Preis angemessen und realistisch. Es wird mit äußerster Sorgfalt verpackt und versendet.Der Artikel stammt vom 11. Juli 1997. Verfasser: Patricia Hesselbach Daily News Staff Writer „„Good Medicine“ sitzt oben auf dem Tisch, an dem Peter Madsen in seinem Simi Valley mit Kohle skizziert heim. Die kleine Skulptur, eine von vielen, die Madsen auf dem Höhepunkt seiner produktiven künstlerischen Karriere geschaffen hat, erinnert ihn an seine innere Stärke und gibt ihm Mut, ein neues Leben zu beginnen. Madsen war für seine detailgetreuen Bronzen mit Darstellungen des Indianers und des Cowboys bekannt und hatte auf seinem Gebiet messbare Erfolge erzielt. Seit 1986 ist er ein etablierter und anerkannter Künstler und erhielt zahlreiche Auszeichnungen. Die Westinghouse Corp., die New Yorker Börse, Robert Duvall und Iron Eyes Cody kauften seine Arbeiten. Das Gene Autry Museum of Western Heritage stellt eine Sammlung seiner Bronzen dauerhaft aus. Für Madsen blieb nichts anderes übrig, als in die Reihen renommierter amerikanischer Künstler aufzusteigen. Dann, eines Tages im Mai 1993, veränderte ein Unfall das Leben, das Madsen so sorgfältig gestaltet hatte, völlig. Während er seiner anderen großen Leidenschaft nachging, der Teilnahme an einem Westernreitwettbewerb, wurde der Künstler von seinem Pferd geworfen. Er erlitt ein schweres Kopftrauma und Hirnschäden. Er fiel drei Monate lang in ein tiefes Koma. Madsen erwachte, um eine Reise auf einem neuen Weg zu beginnen und seinem Körper beizubringen, sich wieder zu bewegen. Eine leichte Bewegung in seinem linken Bein signalisierte den Beginn seiner Genesung. Der Künstler äußerte auch seine ersten Worte seit dem Unfall. Während eines neunmonatigen Krankenhausaufenthalts, gefolgt von sieben Monaten in einem Übergangsheim, begann Madsen seinen bemerkenswerten Umerziehungsprozess. „Ich werde wiedergeboren“, sagte Madsen lachend, als er sich an seine ersten zitternden Versuche erinnerte, sein ABC zu schreiben. Der Bildhauer, der in seinen Bronzefiguren für die komplexe Anwendung der menschlichen Anatomie bewundert wurde, musste seine eigenen Körperteile neu erlernen. „Als er anfing, Figuren zu zeichnen, ließ er einen rechten Arm weg“, sagte seine Frau Vicki. Sie sagte, seine Zeichnungen spiegelten seine Realität wider. Er musste sich wieder mit seiner rechten Seite vertraut machen, bevor er eine rechte Seite zeichnen konnte. „Das erste Zeichen von Kunstwerken gab es 1996“, sagte Vicki Madsen. Monatelang hatte sie versucht, den Künstler wieder zur Arbeit zu überreden. Jedes Mal, wenn sie ihm Ton überreichte, antwortete er: „Ich kann das im Moment nicht tun.“„Dann, an einem Septembertag, stattete eine Gruppe befreundeter Künstler Madsen einen Besuch ab. Als er über Bildhauerei sprach, rührte sich etwas in ihm. Jemand überreichte Madsen ein kleines Stück Ton. Er drückte es und antwortete mit einem breiten Lächeln. Die Geschichte von Peter Madsen hat eine ironische Wendung. Vor seiner Verletzung hatte der Künstler die Figur eines Cowboys modelliert, der von seinem Pferd geworfen wird. Vier Jahre später hat Madsen mit Hilfe des Ersatzbildhauers Jean Cherie die Arbeit an dem Stück wieder aufgenommen. „Er hat die Augen und die Vision.“ „Jean Cherie ist seine Hände“, sagte Vicki. „Prophesy Fulfilled“ ist wie der aufstrebende Künstler noch in Arbeit. Einst ausschließlich seiner realistischen Bronzearbeit gewidmet, findet Madsen nun seinen kreativen Ausdruck in einem freier gestalteten Flachreliefstil aus Skulpturen, Kohlezeichnungen und Computergrafiken. Seine computergenerierten Designs werden bald Grußkarten zieren. Ein enger Freund und persönlicher Betreuer, Patrick Grant, sah die von Madsen ausgeführte Arbeit und schlug vor: „Grüße von Eagle Vision.“„Postkarten mit Fotos von Madsens Bronzen ergänzen die Sammlung.“ Selten hört man ein entmutigendes Wort von diesem Cowboy-Künstler, der verspricht, seinen eigenen Weg im Leben zu gehen. Wieder im Sattel, baut er schwache Muskeln durch ein strukturiertes therapeutisches Reitprogramm wieder auf. Auf die Frage nach seiner Lebenseinstellung seit dem Unfall antwortete Madsen überschwänglich: „Mach es!“ Auf die Frage nach seiner früheren Lebenseinstellung antwortete er erneut: „Mach es.“

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26" Bronzeskulptur einer nackten Frau Maurice 1984 2/12. Fantastische Bronze 25,5" hoch mit 11" Sockel. Keine Schäden oder Abnutzungserscheinungen an der Patina. Gießerstempel auf der linken Seite, ich glaube, es ist mit Maurise oder Maurice signiert. Ich bin mir nicht sicher, wer der Künstler ist Ich kann die Unterschrift nicht lesen und es gab so viele Maurices, die im Laufe der Jahre mit Bronze gearbeitet haben. Sie stammen aus einem Haus mit mehreren Millionen Dollar, in dem der Besitzer Tausende für alles bezahlt hat, was sie hatte.

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c1980 Manuel Felguerez geschweißte Tennisspieler-Skulpturen aus Stahl. Verkaufe beide, die größte ist 16,25 Zoll groß, guter Zustand. Nur der Mann ist auf der Rückseite des Sockels handsigniert mit Felguerez. TW159

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Familie der Merinoschafe Jules Moigniez aus dem späten 19. Jahrhundert – Diese äußerst detaillierte Bronze des Tierbildhauers Jules Moigniez (Französisch, 1835–1894) wurde erstmals 1861 im Salon in Paris ausgestellt. Der Bildhauer hat nicht nur eine attraktive, ausgewogene Familiengruppe geschaffen, sondern auch jede Locke der Wolle detailliert und eine fast baryeartige Reihe von Falten in der losen Haut und Wolle der Hälse modelliert. Die Gestaltung des Laubs ist ausgezeichnet, ein Markenzeichen von Moigniez. - In Übereinstimmung mit den akzeptierten Ideen dieser Zeit hat Moigniez eines der Schafe, in diesem Fall den stolzen Widder, mit seinen Vorderfüßen auf einen Felsen gestellt, um ihm zusätzliche Höhe und Perspektive zu verleihen und die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich zu ziehen Ein leicht asymmetrisches Dreieck. - Die Familie der Merinoschafe wurde im 19. Jahrhundert in Frankreich gegossen, höchstwahrscheinlich in der angesehenen Gießerei, die vom Vater des Künstlers betrieben wurde. Die Skulptur hat eine gealterte Patina in Brauntönen. Es ist 11,5 Zoll hoch und 15,5 Zoll breit. Jules Moigniez (28. Mai 1835 – 29. Mai 1894) war ein französischer Tierbildhauer, der im 19. Jahrhundert arbeitete. Sein Werk bestand hauptsächlich aus Bronzeguss und er stellte seine Skulpturen häufig im Pariser Salon aus. Er war vor allem für seine Bronzen mit Vogeldarstellungen bekannt, obwohl sein Können und seine Vielseitigkeit es ihm ermöglichten, hochwertige Pferdeskulpturen (hauptsächlich Rennpferde), Hundeskulpturen und Jagdszenen anzufertigen. Seine Vogelskulpturen gehörten zu den schönsten seiner Zeit.

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Tibetische buddhistische Tara-Skulptur aus Bronze, antiker Buddha aus dem 18. bis 19. Jahrhundert. Sehr frühe authentische antike buddhistische Statue von Tara. Es hat eine wundervolle natürliche Patina und einen schönen Guss. Im Sockel auf der rechten Seite gegenüber befindet sich ein kleiner, sehr alter Chip. Es misst 13" hoch x 7,5" breit. Es stammt frisch aus einer schönen Nachlasssammlung chinesischer Antiquitäten, die Mitte der 1970er Jahre erworben wurde. 6,5 Pfund. TW102

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Große geschnitzte Alabaster-Skulptur der amerikanischen Ureinwohner mit Büffelrobe von D. Hales aus dem Jahr 1990. Großes und schweres Stück von einem versierten Künstler. 12" hoch x 13" breit x 12" tief, Bauchmuskeln, wiegt 56 Pfund.

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ca. 1910 15" österreichische Bergman-Sperberfalkenskulptur aus kaltbemalter Bronze auf Steinsockel, signiert mit Bergman-Markierung wie abgebildet. 12" Flügelspannweite, 12" Schnabel bis Schwanz. Leichte Biegung an der Spitze jedes Flügels mit einigen Farbabnutzungen. Unglaublich, selten, Imposante Figur, die überall, wo sie ist, zum Leben erweckt wird. Sehr schwer, wird eine anspruchsvolle Verpackungs- und Versandaufgabe sein, von der ich überzeugt bin, dass ich sie meistern werde. Es wird Stunden dauern, aber es wird richtig gemacht und es kommt so an, wie es hier herauskommt . Franz Bergman war ein österreichischer Unternehmer, der vor allem für seine Wiener Gießerei bekannt war, die zahlreiche patinierte und kaltbemalte Bronzeskulpturen erotischer Figuren, Tiere, orientalistischer Szenen und mythologischer Kreaturen herstellte. Bergman wird oft fälschlicherweise als Bildhauer identifiziert, aber er selbst war nicht der ursprüngliche Künstler der Werke – vielmehr beauftragte er viele anonyme Bildhauer mit der Umsetzung seiner Ideen. Viele der von seiner Gießerei hergestellten erotischen Werke signierte er mit dem Pseudonym Nam Greb, um seinen Namen vor den Behörden zu verbergen und Strafen für Unmoral zu vermeiden. Geboren 1861 in Wien, Österreich, erbte er zunächst eine Bronzefabrik von seinem Vater und eröffnete später eine eigene Gießerei. Bergman starb 1936 in Wien, Österreich

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c1940 Tipo Serrano Terrakotta-Büstenskulptur von C. Dubois. Eine genaue Untersuchung und umfangreiche Suche lassen mich glauben, dass es sich um eine einzigartige handgefertigte Skulptur aus der Zeit Anfang bis Mitte des 20. Jahrhunderts handelt. Es handelt sich um Terrakotta-Keramik auf einem Holzsockel. Möglicherweise habe ich den Namen des Künstlers falsch angegeben, trotzdem ist es ein schönes Stück. 7,5" hoch x 6" breiter Sockel. tw83

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20,5" 1991 Victor Gutierrez polychromierte Bronzeskulptur Nummer 1-15. Dies ist die erste, die aus einer sehr limitierten Auflage dieser riesigen, schweren, gut gemachten Skulptur aus dem Jahr 1991 vom gelisteten Künstler Victor Gutierrez hergestellt wurde. Sie ist 20,5" hoch x 18" Tief mit Sockel, wiegt 68 Pfund. Es wird professionell verpackt und für den Versand in einer Kiste verpackt. Victor Gutierrez (1950) Der in Mexiko-Stadt geborene Victor Gutierrez ist heute eine der treibenden Kräfte der mexikanischen Kunst. Tatsächlich hat ihm seine Meisterschaft als Bildhauer internationale Anerkennung eingebracht, da seine Werke auf der ganzen Welt ausgestellt und verkauft werden. Über zweitausend seiner einzigartigen Bronzegussskulpturen befinden sich in privaten und öffentlichen Sammlungen. Victor Gutierrez Guerra wurde am 9. November 1950 in Mexiko-Stadt als Sohn einer Bildhauerfamilie geboren, die seit dem 19. Jahrhundert bedeutende Denkmäler in Mexiko geschaffen hat. Er ist ein lizenzierter Architekt der Universidad Nacional Autonoma de Mexico und studierte verschiedene Kunsttechniken sowohl an der La Esmeralda als auch an der Academia de San Carlos. Er formt hauptsächlich Bronze, Marmor und Stein und ist gleichzeitig ein versierter Maler und Zeichner. Seine Produktion umfasst mehrere Denkmäler in Mexiko und im Ausland, darunter „Our Lady of the Angels“ in Dublin, Irland. Seine Arbeiten waren Teil von mehr als hundert Ausstellungen in Irland, Frankreich, den Niederlanden, China, Puerto Rico, Kolumbien, El Salvador, Mexiko und den USA. Sein Thema ist die Schönheit und Anmut der lateinamerikanischen Frauen. Er hat alle einheimischen Kostüme der verschiedenen Regionen Mexikos studiert und reproduziert sorgfältig die Stickereien, Spitzen und Drapierungen dieser wunderschönen Kleider in Bronze. Er legt großen Wert auf die Frisuren und Kopfbedeckungen. Seine Damen tragen alle exotische Namen wie Carmen, Raquel, Jimena, Xochitl usw. und sind für die feinen Details der Finger und Zehen ihrer nackten Füße bekannt. Es gibt keine Schäden oder Verluste an der Farbe, keine Schäden am Marmorsockel.

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c1915 22" Bronzeskulptur der Salome mit dem Kopf Johannes des Täufers von Philipp Modrow Dieses seltene Werk eines eher unbekannten Bildhauers zeigt die berühmte biblische Szene von Salome mit dem Kopf von Johannes dem Täufer. Herodes‘ zweite Frau, Herodias, ursprünglich die Frau seines Bruders Philippus, ließ ihre Tochter Salome vor Herodes und seinem gesamten Hofstaat tanzen, in der Hoffnung, ihn gegen Johannes den Täufer zu manipulieren. Johannes warf Herodes unverblümt vor, weil er die Frau seines Bruders genommen hatte, und Herodias wollte, dass er dafür hingerichtet wurde, doch Herodes wollte dem nicht nachkommen. Herodes war jedoch sehr erfreut über ihren Tanz und betrunken von seinen Gästen. Er versprach, Salome alles zu geben, was sie verlangte, bis zur Hälfte seines Königreichs. Salome bat darum, den Kopf von Johannes dem Täufer auf einem Teller zu haben, da er derzeit im Gefängnis des Königs festgehalten wurde. Da er sich vor seinem Gericht in einer misslichen Lage befand, war er gezwungen, ihrem Antrag trotz seiner persönlichen Einwände stattzugeben. Die Szene ist bewegend in ihrer außergewöhnlichen Darstellung von Salomes sorgloser und selbstsüchtiger Natur. Sie umklammert ihre Beute mit einer gewissen grotesken Freude, ein beunruhigendes Bild einer Person, die auf der Suche nach der Rache ihrer Mutter so in die Irre geführt wurde, dass es zu einem leeren und hässlichen Ergebnis kam. Modrow hat sie auf geniale Weise so geformt, dass sie gleichermaßen schön und abstoßend ist. Sie steht vor einer naturalistischen Felskulisse. Die Skulptur ist rechts signiert und links von der Gießerei geprägt. Philipp Modrow (deutsch, 1882-1925) ist im E. Benezit Dictionary of Artists (Gründ, Bd. IX, S. 1080) als Schüler von Emil Cauer Jr. dokumentiert und für seine Skulptur „Monument“ aus dem Jahr 1923 bekannt zu Spengler“ in Davos, wo er im Dezember 1925 starb.

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Brutalistische Blechskulptur eines Zentauren aus dem Jahr 1968, signiert von Neto. 16,5" x 14,5" x 6,5" mit Sockel. Unglaubliches Kunstwerk, Stahl mit Holzsockel. Ich wäre an möglichen Informationen über den Künstler interessiert. Garantiert 51 Jahre alt.

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16 5/8" große antike Parian-Figurenskulptur, Frau in verziertem Kleid, 19. Jahrhundert, 8" breit an der Basis. Kleiner Chip am Innenrand des Sockels. Keine Risse, andere Chips oder Restaurierungen. Großes schweres Stück. Wiegt 9 Pfund. Mit „B&B“ gekennzeichnet, oben mit „H“ und unten mit „S“ in einer Raute.

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Auguste Moreau (1834 – 1917) Französische Bronzeskulptur Putten mit Becken. Hochwertige, gut gegossene, schwere Skulptur aus massiver Bronze aus der letzten Hälfte des 19. Jahrhunderts. 8 5/8" hoch, war wahrscheinlich einst auf einem Marmorsockel montiert, der nicht mehr vorhanden ist. Der Nachlass ist frisch mit Resten von „Museumskitt" auf dem Sockel, um die Figur aufrecht zu halten. Sie steht alleine gut aufrecht, aber ich würde sie behalten Bewahren Sie es außerhalb der Reichweite von Kindern oder Haustieren auf. Auguste Moreau (1834 – 1917) war ein in Dijon geborener französischer Bildhauer. Auguste, der dritte und jüngste Sohn des Bildhauers und Malers Jean-Baptiste Moreau, begann zusammen mit seinen älteren Brüdern Hippolyte und Mathurin skulpturale Werke zu schaffen. Im Jahr 1861 debütierte Auguste Moreau im Salon, wo er bis 1913 regelmäßig und zahlreich ausstellte. Moreau ließ einen Großteil seiner skulpturalen Werke gießen

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Garantiert eine Bronzeskulptur aus der Mitte bis Ende des 19. Jahrhunderts mit unglaublichen Details, die ich auf den Fotos wirklich nicht einfangen konnte. Es wiegt ungefähr 30 Pfund und ist 21 x 13 Zoll groß, ohne die Holzplattform, die möglicherweise original zum Stück gehört oder nicht, aber ich beziehe sie mit ein. Ein unglaubliches Beispiel eines Künstlers, der vor 150 Jahren berühmt war. Jules Moigniez (28. Mai 1835 – 29. Mai 1894) war ein französischer Tierbildhauer, der im 19. Jahrhundert arbeitete. Sein Werk bestand hauptsächlich aus Bronzeguss und er stellte seine Skulpturen häufig im Pariser Salon aus. Er war vor allem für seine Bronzen mit Vogeldarstellungen bekannt, obwohl sein Können und seine Vielseitigkeit es ihm ermöglichten, hochwertige Pferdeskulpturen (hauptsächlich Rennpferde), Hundeskulpturen und Jagdszenen anzufertigen.[1] Seine Vogelskulpturen gehörten zu den schönsten, die jemals zu seiner Zeit geschaffen wurden.[2]

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Malcolm Furlow dreidimensionale Pop-Art-Skulptur aus geschnittenem Stahl eines rauchenden amerikanischen Ureinwohners. Maße: 21,5" hoch x 17,5" breit x 8" tief mit Zigarette, wiegt 20 Pfund. Frisch von einem örtlichen Anwesen zusammen mit einem Gemälde auf Leinwand vom selben Künstler. Garantiert authentisch. Das musste extrem arbeitsintensiv sein und würde überall auffallen , er hat viel von dieser Art von Arbeit gemacht. Malcolm besuchte die University of Texas hier in Austin und studierte Kunst. Dieses Stück stammt aus Austin, ich glaube, es ist eines seiner früheren Werke, als er noch versuchte herauszufinden, in welche Richtung er gehen sollte Seine Karriere ist offensichtlich super cool. Die Zigarette kommt heraus und wird für den Versand entfernt. Der Lack ist sehr robust. Ich glaube, es handelt sich um einen speziellen Metalllack, ähnlich dem Autolack, aber er wird gut verpackt sein, um Abrieb oder Abnutzung während des Transports zu verhindern. Der in Taos lebende Malcolm Furlow, ein preisgekrönter Maler, war nicht immer ein Künstler. Als junger Mann erhielt er ein Stipendium an der University of Texas und beschloss, Kunst als Hauptfach zu wählen. Leider missbilligte sein Kunstprofessor seinen Malstil und ein enttäuschter Furlow verließ das College, um Rock'n'Roll-Musiker zu werden. 18 Jahre lang spielte er Saxofon, Bass und manchmal auch Gitarre und spielte als Backup für so namhafte Gruppen und Solisten wie die Beach Boys und Lou Rawls. Furlow ließ seine Musikkarriere hinter sich und nutzte sein künstlerisches Talent, um Modelle für Filmsets in den Walt Disney Studios zu bauen. Er beschäftigte sich auch mit der Fotografie und schrieb für Kodak ein Buch mit dem Titel „Close-Up Photography“, in dem er erklärte, wie man Miniaturen, insbesondere Modelle, am besten fotografiert. Doch 1987 beschloss Furlow, zu seiner ersten Liebe, der Malerei, zurückzukehren, nachdem er die Worte des Gelehrten Joseph Campbell „Follow Your Bliss“ gehört hatte. Furlow begann im Alter von sechs Jahren, Indianer zu zeichnen, als sein Vater sich von Malcolm auf Geschäftsreisen durch New Mexico begleiten ließ. Furlow begann mit Aquarellen, erkannte, dass das Medium für große Leinwände nicht geeignet war und wechselte zu farbenfrohen Acrylbildern von amerikanischen Ureinwohnern. In all seinen Werken ist Furlow bestrebt, seine tiefe Bewunderung und seinen Respekt für sein Choctaw-Erbe zum Ausdruck zu bringen. Über sein Thema und seinen Malstil sagte Furlow: „Ich wusste, dass ich es mit Farbe ausdrücken wollte, weil das die Emotion darin ist. Ich muss dem Betrachter das Gefühl geben, was ich fühle. Ich versuche nur, Folgendes zu tun.“ „Malen Sie sie so, wie sie sind – malen Sie ihre Kultur, ihre Würde und ihre Statur. Ich wollte keine Porträts von Indern machen, ich wollte etwas über die menschliche Verfassung sagen.“ Er malt zwei Welten: die der amerikanischen Ureinwohner und ihren Platz in der Anglo-Welt. Darüber hinaus fährt und dekoriert Furlow Motorräder. Ein kürzlich gedrehter Dokumentarfilm mit dem Titel „Leben und Kunst von Malcolm Furlow“ bezeichnet ihn als „Renaissance-Mann“: den Inbegriff eines Cowboys, Musikers und intellektuellen Künstlers. Er ist ein preisgekrönter Maler, zu dessen Auszeichnungen der Silberpreis der Sorbonne und der begehrte Goldpreis des weltberühmten Luxemburger Museums in Paris gehören. PBS stellte ihn in einem Dokumentarfilm mit dem Titel „Das Leben und die Kunst von Malcolm Furlow“ vor. Außerdem wurde er in Paris mit dem Gold Award des Luxembourg Award ausgezeichnet (eine Ehre, die er mit Pablo Picasso teilte). Seit Frühjahr 2007 waren über fünfzig Einzelausstellungen von Furlow „ausverkauft“. Malcolm Furlows Gemälde haben einen wichtigen Platz in Ausstellungen, Wohltätigkeitskampagnen und Privatsammlungen auf der ganzen Welt, darunter in den US-Botschaften in Marokko, Belgien und Peking; das weiße Haus; CEO-Magazin; Das Smithsonian; Mobilöl; Arnold Schwarzenegger; Samuel Goldwyn; Richard Pryor; Die Präsidenten George HW Bush, Bill Clinton und George W. Bush; Senatorin Hillary Clinton; Bernadette Peters; Wes Studi; Phyllis Diller; William DeVane; BJ Thomas; Jane Goodall Institut; Darryl Hannah; Eiteljorg-Museum; Jon Bon Jovi; Nationales Wildtiermuseum; Koshare-Museum; Santa Fe Fine Arts Museum; Paul Clarkson; Coca-Cola-Olympia-Pavillon; Make a Wish Foundation; NBCs Today Show; Raymond James Finanzkunstsammlung; Universität von Columbia; und viele andere Malcolm wird in der Modelleisenbahnbranche gleichermaßen gefeiert. Er hat mehrere „How-To“-Bücher für die Kodak-Fotografie geschrieben und als Fotograf für die italienische Vouge gearbeitet. Malcolm hat auch mehrere „How-To“-Bücher für die Modelleisenbahn geschrieben. Seine veröffentlichten Artikel über Fotografie und Modelleisenbahn sind unzählig.

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Vintage geschnitzte Wurzelholzskulptur. Ich bin mir nicht sicher, ob es sich um einen Kunsthandwerker oder gar um die ethnische Zugehörigkeit/Kultur des Kunsthandwerkers handelt, es ist wahrscheinlich etwa 50 bis 60 Jahre alt, ebenso wie die Preise unten. 5" hoch mit 3,75" quadratischer Basis.

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Amerikanische Keramik-Penis-Mann-Skulptur aus den 1970er Jahren. 8 Zoll hoch, mit einem winzigen Glasurabplatzer auf der Unterseite des Umhangs, keine großen Chips oder Risse, keine Ausbesserungen. Dies wurde wahrscheinlich in einem Keramikkurs hergestellt, es gehört zur gleichen Kategorie wie „Holland-Schimmel“, wie die Keramik-Weihnachtsbäume, die es gibt jetzt so beliebt. Dies ist aus dem Nachlass von Milton Simpson, Autor mehrerer Bücher und Veröffentlichungen über Volkserotik. Er war der Grafikdesigner, der die Woodbridge-Figurenkollektion in New Jersey entdeckte. Nicht der Bauarbeiter, der sie gefunden hat, sondern die Person, die sie alle in einem örtlichen Pfandhaus gekauft und ihre Bedeutung erkannt hat. Es besteht eine sehr hohe Wahrscheinlichkeit, dass dieser Artikel in einem oder mehreren seiner Bücher/Publikationen veröffentlicht wird. Es ist ein großartiges handgeschnitztes Einzelstück. Es ist 9 Zoll groß und zufällig schwarz lackiert. Wenn es weiß, grün, gelb, lila lackiert wäre, wäre es in meinen Augen gleichermaßen wichtig, wirklich nur eine seltsame und wundervolle Sache mit diesen orangefarbenen Brüsten usw. Milton Simpson (1911-2023) Milton – von seinen Freunden und Bekannten auch als Milt bekannt – wurde in Brooklyn, New York City geboren und wuchs dort auf und zog seine Familie in Millburn, New Jersey, auf. Er besuchte die New York School of Industrial Art (SIA), heute School of Art and Design. Anschließend arbeitete er für die Werbeagentur Incorporated Ideas in New Jersey, bevor er in die US-Armee eintrat und in Korea diente. Nach seiner Entlassung aus der Armee besuchte Milt die Workshop School of Advertising & Editorial Art. Nach Abschluss seines Studiums dort wurde er Art Director des American Baby Magazine in New York, Assistant Art Director bei Lewin, Williams & Saylor in New Jersey und dann Art Director der Kenyon-Baker Advertising & Baker Printing Company (beide). davon unter einem Dach) in New Jersey. (Er ist dort weggegangen, weil die versprochene Klimaanlage nie installiert wurde!) Anschließend arbeitete er mehrere Jahre als freiberuflicher Grafikdesigner und Illustrator. 1964 gründeten er und sein Geschäftspartner Don Johnson die Firma Johnson & Simpson Graphic Designers mit Milt als Präsident. Sie hatten ihren Sitz in einem Stadthaus in der wunderschönen Innenstadt von Newark, New Jersey und waren auf Unternehmenskommunikation spezialisiert. Zu den Designprojekten, an denen sie teilnahmen, gehörten Geschäftsberichte, Unternehmenszeitschriften, Leistungsbroschüren, Plakate, Museumskataloge, Marken und Bücher. Zu ihren Kunden gehörten Conoco, Johnson & Johnson, New Jersey Bell, Hoffmann-La Roche, The Newark Museum und Singer Corporation. Das Unternehmen wurde in allen großen Designpublikationen vorgestellt, erhielt über 350 Auszeichnungen für Grafikdesign und er und Don wurden 1991 in die Advertising Hall of Fame des New Jersey Ad Club aufgenommen. Milt war außerdem Mitglied des Beirats der Greater Newark Chamber of Commerce und außerordentlicher Professor (Publikationsdesign) am Montclair State College. Der New Jersey Art Directors Club wählte Milt 1972 zum Art Director des Jahres. Bücher waren seine Leidenschaft. Er konnte sie anscheinend nicht aus seinem System herausbekommen und versuchte es auch nicht. Über viele Jahre hinweg produzierte und veröffentlichte er selbst eine Reihe von Künstlerbüchern über mehrere Print-on-Demand-Plattformen. Milt war schon immer ein Schüler und ein Bewunderer für skurriles, exzentrisches und irrationales menschliches Verhalten. Diese Künstlerbücher wurden stark von seinen Beobachtungen und Obsessionen beeinflusst. Unter vielen anderen, die zu zahlreich sind, um sie alle aufzuzählen, schrieb er „Windmill Weights“, das im Eigenverlag erschien, und „Folk Erotica“, das von HarperCollins veröffentlicht wurde.

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20" Eutrope Bouret (1833-1906) Französische Bronzeschmiedskulptur „Le Travail", 20" hoch, ohne Beschädigung und tolle Patina, feine französische Bronze aus dem späten 19. Jahrhundert.

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Bronzene Buddha-Skulptur, 21,6 cm hoch x 15,2 cm breit, frischer Nachlass aus einer alten Sammlung. Ich bin mir nicht sicher, wie alt, aber ich glaube, es ist die erste Hälfte des 20. Jahrhunderts.

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Große Sterling Jose Marmolejo Mexiko-Stadt-Vogelskulptur 9,5" x 6,25" x 5,5", 1000 Gramm ohne Probleme. Der Designer ist der bekannte Maestro Jose Marmolejo, dessen modernistische Entwürfe zu den besten in Mexiko gehören und der mit Tane zusammengearbeitet und dort gearbeitet hat sein eigenes Geschäft.

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Mark Hopkins Bronzeadler mit Flaggenskulptur 846/2500. Extrem hochwertiges Stück, 5,5" hoch x 6,5" breit, 6,3 Pfund, massive Bronze und für seine Größe sehr schwer. Biografie Mark Hopkins, Bildhauer, Loveland, Colorado. Mark Hopkins gilt heute als einer der bedeutendsten Bildhauer der Vereinigten Staaten. Von Tischskulpturen bis hin zu Denkmälern werden seine Arbeiten in Wohnungen, Büros und öffentlichen Einrichtungen auf der ganzen Welt ausgestellt. Das Werk von Mark Hopkins ist in jeder Hinsicht ein Spiegelbild seines Schöpfers. Es offenbart Marks völlige Faszination für nahezu jeden erdenklichen Aspekt des Lebens: von Geschichte, Kindern, Sport, Musik und Religion bis hin zur Tierwelt zu Land, zu Wasser und in der Luft. Mit einem Stil, der so fließend und lebendig ist, dass er „Bronze in Bewegung“ genannt wird, ist das Werk so leidenschaftlich und ausdrucksstark wie der Künstler selbst. Seit er denken kann, ist Mark von Form und Design fasziniert. Schon als kleiner Junge arbeitete er mit der Unterstützung seiner Familie und seiner Lehrer daran, sein angeborenes Talent zu entwickeln und die verschiedenen Techniken und Medien der Bildhauerei zu erforschen. Zusätzlich zu seinen Fähigkeiten als Künstler machte sich Mark zu einem technischen Experten in der Kunst des „Wachsausschmelzverfahrens“-Bronzegusses. In der Skulpturengießerei von Mark Hopkins überwacht Mark den Gussprozess und stellt sicher, dass die Integrität seiner Arbeit während der gesamten Herstellung in Bronze erhalten bleibt. Mit der Hilfe vieler talentierter Handwerker ist Mark bestrebt, ein bleibendes Erbe hochwertiger Bronzeskulpturen zu schaffen. Es hat ein halbes Leben gedauert, bis Mark seinen herausragenden Status in der Welt der Kunst erlangt hat. Die Notwendigkeit, für den Unterhalt seiner großen Familie zu sorgen, führte Mark viele Jahre lang zu anderen, traditionelleren Berufen. Im Laufe dieser Jahre hörte Mark jedoch nie auf, Bildhauerei zu betreiben. Er wusste in seinem Herzen, dass es die Arbeit war, für die er geboren wurde. Aus den vielen Herausforderungen und Erfahrungen seines Lebens entstand ein bemerkenswert einzigartiger Kunststil. Mark Hopkins stellt sich ständig der Herausforderung, den Reichtum des Lebens und den Adel der menschlichen Seele in dauerhafte skulpturale Form zu übersetzen. In seinen Worten: „Ich bemühe mich, über das Bild hinaus auszudrücken, den Geist einzufangen, tiefere Emotionen zu offenbaren und Freude zu teilen.“ Während er sich dieser Herausforderung weiterhin stellt, erlangt sein Werk einen ehrenvollen Platz in der Kunstgeschichte.

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Fein geschnitzte Biberskulptur von Sarried Ltd aus den 1970er Jahren mit Messingstab. Dieser Typ ist wirklich nett, gemacht von einem sehr talentierten Schnitzer. 8" hoch x 8" lang x 4,25" breit. Keine Probleme. TW228

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