Gemälde und Wandkunst

Großer Jack White Echruseos Texas First Calvary Soldat auf Pferd aus den 1970er Jahren, Sonderanfertigung. Präsentationsplakette am Sockel. Nahezu neuwertiger Rahmen, keine Probleme mit der Grafik. Bitte entschuldigen Sie die schlechten Handybilder, es ist großartig. Es ist einfach zu groß und ich habe es eilig. Diese sehen persönlich großartig aus, sind aber eines der am schwierigsten zu fotografierenden Dinge, insbesondere wenn sie groß sind. Ich habe viel Erfahrung damit, diese ohne Probleme zu versenden. 18" x 24" Bild, 25,5" x 32" Rahmen. Hier ist ein Brief von Jack White, bevor er 2016 verstarb. Lieber interessierter Sammler, Aufgrund der Menge an Anfragen und E-Mails, die ich zu meiner Echruseos-Kunst (Blattgold) erhalten habe, fühlte ich mich gezwungen, meiner Website eine Schaltfläche hinzuzufügen. Ich weiß, wie frustrierend es für Sie sein muss, die der Echruseos-Kunst einen Wert beimessen wollen. Ich erfand 1970 das Verfahren, kleine Blattgoldblätter auf die Rückseite von Glas zu kleben. Ich prägte den Namen für meine neue Technik. Ich nahm ein griechisches Lexikon und erfand ein Wort, das zu meiner Kunsttechnik passte. Ek bedeutet „aus“. Crus sind „Gold“. Ous bedeutet „erledigt worden sein“. Das Wort Echruseos bedeutet also wörtlich „aus Gold gemacht“. Es wird Ek-Cru-sos ausgesprochen. In den nächsten acht Jahren verkaufte ich meine „Blattgold“-Kunstwerke im Wert von mehreren Millionen Dollar auf der ganzen Welt. Viele der frühen Stücke wurden für so gut wie nichts verkauft. Mit zunehmender Beliebtheit stiegen auch die Einzelhandelspreise für Blattgold. 1977 und 1978 verkaufte ich die Echruseos für einen erheblichen Betrag. Einige Auftragsarbeiten wurden für über 20.000 US-Dollar verkauft. Seit dem Aufkommen des Internets und dem Erscheinen von eBay ist meine Karriere und die Arbeit mit Blattgold wieder stärker in den Fokus der Aufmerksamkeit gerückt. Ich habe von einem Mann gehört, der bei einem Flohmarkt ein 11 x 14 Zoll großes Exemplar für 35 US-Dollar gekauft hat. Ein Paar entdeckte eines meiner Blattgoldstücke in einem zerstörten Haus. Es lag zwischen den Trümmern. Ich habe auch gesehen, wie ein 30 x 40 Zoll großes Exemplar für 25.000 US-Dollar verkauft wurde. Viele kosten zwischen 500 und 25.000 US-Dollar. Das ist eine große Kluft bei der Preisgestaltung. Das bedeutet, dass viele Menschen die Echruseos besitzen und nicht wissen, was sie haben. Sie alle haben Geschichten gehört, in denen jemand einen Norman Rockwell gefunden hat, der staubbedeckt auf dem Dachboden feststeckte. Nach dem Aufräumen stellten sie fest, dass sie ein sehr wertvolles Kunstwerk hatten. Seit ich 1978 die Produktion meiner Echruseos-Kunstwerke eingestellt habe und einige aufgrund unsachgemäßer Handhabung kaputt gegangen sind, schrumpft der Vorrat. Meine Echruseos-Kunst befindet sich in elf Museen und meiner bescheidenen Meinung nach wird sie eines Tages ein begehrtes Sammlerstück sein. Ich könnte durchaus tot sein, bevor die Kunst ihren Höhepunkt erreicht; Dennoch bin ich fest davon überzeugt, dass diese Technik als seltenes Sammlerstück anerkannt wird. Nur die Zeit wird meine Behauptungen bestätigen oder mir das Gegenteil beweisen. Mein aufrichtiger Rat an Sie und Ihre Erben ist, das Kunstwerk zu behalten, für seine Sicherheit zu sorgen und es für eine beträchtliche Summe zu versichern. Mit Zuversicht kann ich sagen, dass mein epischer historischer Roman über Texas, „Zehn Jahre in Texas“, ein erfolgreich veröffentlichtes Buch sein wird. Mit dem Buch wird mein Name in der Kunstwelt wieder auftauchen. Wenn das passiert, werden die wahren Sammler an die Oberfläche kommen. Seien Sie sich bewusst, dass Sie ein äußerst seltenes Kunstwerk besitzen. Sobald die Technik den Christies und Sothebys in der Welt der Kunstsammler vorgestellt wird, können Sie damit rechnen, dass die Echruseos explodieren und ein sechsstelliges Plateau erreichen.“ Jack White 2007

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Mid-Century Modern Intarsientafel mit Königen, die Kelche halten. Dies ist ein wirklich fabelhafter, nachlassfrischer MCM aus den 60er oder 70er Jahren. Wahrscheinlich einzigartig, keine Erkennungszeichen, die ich finden konnte. Ein kleiner Schönheitsfehler in der Königin am rechten Hals, sieht aus wie ein Adamsapfel. 21,75" x 12,75" Aufgrund der Größe/des Themas bin ich mir ziemlich sicher, dass es sich ursprünglich um ein Getränketablett handelte. Aber der Patina der Haken und Drähte auf der Rückseite nach zu urteilen, beschlossen sie in den 70er oder sogar 60er Jahren, dass sie es sich ansehen wollten, anstatt Getränke darüber zu verschütten. Und obwohl es Tabletts aus dieser Zeit mit einem komplizierteren Design gibt, ist dies bei weitem das coolste, das ich je gesehen habe. Das wird auf meinem anderen Monitor wirklich orange angezeigt. Es ist kein Orange, sondern die „normalen“ Holzfarben. Typischere Farben, kein Kürbisorange.

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Frances Blinebry (1910-1995) 1950er Peak Mountain in Arizona, El Paso, Texas, Künstlerin. 8" x 10" Brett 13" x 11" gerahmt ohne Probleme. Frances Blinebry (1910-1995) stellte erstmals 1943 auf der El Paso Woman's Club Exhibition aus und stellt dort noch viele Jahre lang aus. Sie ist eine gelistete Künstlerin im wegweisenden Texas-Nachschlagewerk Dictionary of Texas Artists, 1800-1945. Dies ist ein seltener Fund und ein süßes Öl an Bord. Dies wird sicher Ihre David Swing-, El Boone- oder Willard Page-Kollektionen ergänzen. Signiert Frances Blinebry, wie abgebildet. TW159

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1974 Großer Jack White Echruseos Pandora Racehorse Texas First Calvary Sonderanfertigung. Nahezu neuwertiger Rahmen, keine Probleme mit der Grafik. Auf dem Kunstwerk ist das Datum 4/74 angegeben. Ich glaube nicht, dass ich das schon einmal auf einem davon gesehen habe, und ich hatte eine ganze Menge davon. Bitte entschuldigen Sie die schlechten Handybilder, es ist großartig. Es ist einfach zu groß und ich habe es eilig. Diese sehen persönlich großartig aus, sind aber eines der am schwierigsten zu fotografierenden Dinge, insbesondere wenn sie groß sind. Ich habe viel Erfahrung damit, diese ohne Probleme zu versenden. 16" x 20" Bildgröße, 23" x 27" Rahmen. Hier ist ein Brief von Jack White, bevor er 2016 verstarb. Lieber interessierter Sammler, Aufgrund der Menge an Anfragen und E-Mails, die ich zu meiner Echruseos-Kunst (Blattgold) erhalten habe, fühlte ich mich gezwungen, meiner Website eine Schaltfläche hinzuzufügen. Ich weiß, wie frustrierend es für Sie sein muss, die der Echruseos-Kunst einen Wert beimessen wollen. Ich erfand 1970 das Verfahren, kleine Blattgoldblätter auf die Rückseite von Glas zu kleben. Ich prägte den Namen für meine neue Technik. Ich nahm ein griechisches Lexikon und erfand ein Wort, das zu meiner Kunsttechnik passte. Ek bedeutet „aus“. Crus sind „Gold“. Ous bedeutet „erledigt worden sein“. Das Wort Echruseos bedeutet also wörtlich „aus Gold gemacht“. Es wird Ek-Cru-sos ausgesprochen. In den nächsten acht Jahren verkaufte ich meine „Blattgold“-Kunstwerke im Wert von mehreren Millionen Dollar auf der ganzen Welt. Viele der frühen Stücke wurden für so gut wie nichts verkauft. Mit zunehmender Beliebtheit stiegen auch die Einzelhandelspreise für Blattgold. 1977 und 1978 verkaufte ich die Echruseos für einen erheblichen Betrag. Einige Auftragsarbeiten wurden für über 20.000 US-Dollar verkauft. Seit dem Aufkommen des Internets und dem Erscheinen von eBay ist meine Karriere und die Arbeit mit Blattgold wieder stärker in den Fokus der Aufmerksamkeit gerückt. Ich habe von einem Mann gehört, der bei einem Flohmarkt ein 11 x 14 Zoll großes Exemplar für 35 US-Dollar gekauft hat. Ein Paar entdeckte eines meiner Blattgoldstücke in einem zerstörten Haus. Es lag zwischen den Trümmern. Ich habe auch gesehen, wie ein 30 x 40 Zoll großes Exemplar für 25.000 US-Dollar verkauft wurde. Viele kosten zwischen 500 und 25.000 US-Dollar. Das ist eine große Kluft bei der Preisgestaltung. Das bedeutet, dass viele Menschen die Echruseos besitzen und nicht wissen, was sie haben. Sie alle haben Geschichten gehört, in denen jemand einen Norman Rockwell gefunden hat, der staubbedeckt auf dem Dachboden feststeckte. Nach dem Aufräumen stellten sie fest, dass sie ein sehr wertvolles Kunstwerk hatten. Seit ich 1978 die Produktion meiner Echruseos-Kunstwerke eingestellt habe und einige aufgrund unsachgemäßer Handhabung kaputt gegangen sind, schrumpft der Vorrat. Meine Echruseos-Kunst befindet sich in elf Museen und meiner bescheidenen Meinung nach wird sie eines Tages ein begehrtes Sammlerstück sein. Ich könnte durchaus tot sein, bevor die Kunst ihren Höhepunkt erreicht; Dennoch bin ich fest davon überzeugt, dass diese Technik als seltenes Sammlerstück anerkannt wird. Nur die Zeit wird meine Behauptungen bestätigen oder mir das Gegenteil beweisen. Mein aufrichtiger Rat an Sie und Ihre Erben ist, das Kunstwerk zu behalten, für seine Sicherheit zu sorgen und es für eine beträchtliche Summe zu versichern. Mit Zuversicht kann ich sagen, dass mein epischer historischer Roman über Texas, „Zehn Jahre in Texas“, ein erfolgreich veröffentlichtes Buch sein wird. Mit dem Buch wird mein Name in der Kunstwelt wieder auftauchen. Wenn das passiert, werden die wahren Sammler an die Oberfläche kommen. Seien Sie sich bewusst, dass Sie ein äußerst seltenes Kunstwerk besitzen. Sobald die Technik den Christies und Sothebys in der Welt der Kunstsammler vorgestellt wird, können Sie damit rechnen, dass die Echruseos explodieren und ein sechsstelliges Plateau erreichen.“ Jack White 2007

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Großer Jack White Echruseos aus den 1970er Jahren. Fast neuwertiger Rahmen, keine Probleme mit der Grafik. Bitte entschuldigen Sie die schlechten Handybilder, es ist großartig. Es ist einfach zu groß und ich habe es eilig. Diese sehen persönlich großartig aus, sind aber eines der am schwierigsten zu fotografierenden Dinge, insbesondere wenn sie groß sind. Ich habe viel Erfahrung damit, diese ohne Probleme zu versenden. 15" x 30" großes Bild, 22,5" x 27,5" Rahmen. Hier ist ein Brief von Jack White, bevor er 2016 verstarb. Lieber interessierter Sammler, Aufgrund der Menge an Anfragen und E-Mails, die ich zu meiner Echruseos-Kunst (Blattgold) erhalten habe, fühlte ich mich gezwungen, meiner Website eine Schaltfläche hinzuzufügen. Ich weiß, wie frustrierend es für Sie sein muss, die der Echruseos-Kunst einen Wert beimessen wollen. Ich erfand 1970 das Verfahren, kleine Blattgoldblätter auf die Rückseite von Glas zu kleben. Ich prägte den Namen für meine neue Technik. Ich nahm ein griechisches Lexikon und erfand ein Wort, das zu meiner Kunsttechnik passte. Ek bedeutet „aus“. Crus sind „Gold“. Ous bedeutet „erledigt worden sein“. Das Wort Echruseos bedeutet also wörtlich „aus Gold gemacht“. Es wird Ek-Cru-sos ausgesprochen. In den nächsten acht Jahren verkaufte ich meine „Blattgold“-Kunstwerke im Wert von mehreren Millionen Dollar auf der ganzen Welt. Viele der frühen Stücke wurden für so gut wie nichts verkauft. Mit zunehmender Beliebtheit stiegen auch die Einzelhandelspreise für Blattgold. 1977 und 1978 verkaufte ich die Echruseos für einen erheblichen Betrag. Einige Auftragsarbeiten wurden für über 20.000 US-Dollar verkauft. Seit dem Aufkommen des Internets und dem Erscheinen von eBay ist meine Karriere und die Arbeit mit Blattgold wieder stärker in den Fokus der Aufmerksamkeit gerückt. Ich habe von einem Mann gehört, der bei einem Flohmarkt ein 11 x 14 Zoll großes Exemplar für 35 US-Dollar gekauft hat. Ein Paar entdeckte eines meiner Blattgoldstücke in einem zerstörten Haus. Es lag zwischen den Trümmern. Ich habe auch gesehen, wie ein 30 x 40 Zoll großes Exemplar für 25.000 US-Dollar verkauft wurde. Viele kosten zwischen 500 und 25.000 US-Dollar. Das ist eine große Kluft bei der Preisgestaltung. Das bedeutet, dass viele Menschen die Echruseos besitzen und nicht wissen, was sie haben. Sie alle haben Geschichten gehört, in denen jemand einen Norman Rockwell gefunden hat, der staubbedeckt auf dem Dachboden feststeckte. Nach dem Aufräumen stellten sie fest, dass sie ein sehr wertvolles Kunstwerk hatten. Seit ich 1978 die Produktion meiner Echruseos-Kunstwerke eingestellt habe und einige aufgrund unsachgemäßer Handhabung kaputt gegangen sind, schrumpft der Vorrat. Meine Echruseos-Kunst befindet sich in elf Museen und meiner bescheidenen Meinung nach wird sie eines Tages ein begehrtes Sammlerstück sein. Ich könnte durchaus tot sein, bevor die Kunst ihren Höhepunkt erreicht; Dennoch bin ich fest davon überzeugt, dass diese Technik als seltenes Sammlerstück anerkannt wird. Nur die Zeit wird meine Behauptungen bestätigen oder mir das Gegenteil beweisen. Mein aufrichtiger Rat an Sie und Ihre Erben ist, das Kunstwerk zu behalten, für seine Sicherheit zu sorgen und es für eine beträchtliche Summe zu versichern. Mit Zuversicht kann ich sagen, dass mein epischer historischer Roman über Texas, „Zehn Jahre in Texas“, ein erfolgreich veröffentlichtes Buch sein wird. Mit dem Buch wird mein Name in der Kunstwelt wieder auftauchen. Wenn das passiert, werden die wahren Sammler an die Oberfläche kommen. Seien Sie sich bewusst, dass Sie ein äußerst seltenes Kunstwerk besitzen. Sobald die Technik den Christies und Sothebys in der Welt der Kunstsammler vorgestellt wird, können Sie damit rechnen, dass die Echruseos explodieren und ein sechsstelliges Plateau erreichen.“ Jack White 2007

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Jack White Echruseos Roughneck Oil Well Drillers aus den 1970er Jahren bei der Arbeit. Ich habe viel Erfahrung damit, diese ohne Probleme zu versenden. 18" x 24" Bildgröße, 30,5" x 24,5" gerahmt. Keine Schäden oder Probleme, seltenes Thema. Hier ist ein Brief von Jack White, bevor er 2016 verstarb. Lieber interessierter Sammler, Aufgrund der Menge an Anfragen und E-Mails, die ich zu meiner Echruseos-Kunst (Blattgold) erhalten habe, fühlte ich mich gezwungen, meiner Website eine Schaltfläche hinzuzufügen. Ich weiß, wie frustrierend es für Sie sein muss, die der Echruseos-Kunst einen Wert beimessen wollen. Ich erfand 1970 das Verfahren, kleine Blattgoldblätter auf die Rückseite von Glas zu kleben. Ich prägte den Namen für meine neue Technik. Ich nahm ein griechisches Lexikon und erfand ein Wort, das zu meiner Kunsttechnik passte. Ek bedeutet „aus“. Crus sind „Gold“. Ous bedeutet „erledigt worden sein“. Das Wort Echruseos bedeutet also wörtlich „aus Gold gemacht“. Es wird Ek-Cru-sos ausgesprochen. In den nächsten acht Jahren verkaufte ich meine „Blattgold“-Kunstwerke im Wert von mehreren Millionen Dollar auf der ganzen Welt. Viele der frühen Stücke wurden für so gut wie nichts verkauft. Mit zunehmender Beliebtheit stiegen auch die Einzelhandelspreise für Blattgold. 1977 und 1978 verkaufte ich die Echruseos für einen erheblichen Betrag. Einige Auftragsarbeiten wurden für über 20.000 US-Dollar verkauft. Seit dem Aufkommen des Internets und dem Erscheinen von eBay ist meine Karriere und die Arbeit mit Blattgold wieder stärker in den Fokus der Aufmerksamkeit gerückt. Ich habe von einem Mann gehört, der bei einem Flohmarkt ein 11 x 14 Zoll großes Exemplar für 35 US-Dollar gekauft hat. Ein Paar entdeckte eines meiner Blattgoldstücke in einem zerstörten Haus. Es lag zwischen den Trümmern. Ich habe auch gesehen, wie ein 30 x 40 Zoll großes Exemplar für 25.000 US-Dollar verkauft wurde. Viele kosten zwischen 500 und 25.000 US-Dollar. Das ist eine große Kluft bei der Preisgestaltung. Das bedeutet, dass viele Menschen die Echruseos besitzen und nicht wissen, was sie haben. Sie alle haben Geschichten gehört, in denen jemand einen Norman Rockwell gefunden hat, der staubbedeckt auf dem Dachboden feststeckte. Nach dem Aufräumen stellten sie fest, dass sie ein sehr wertvolles Kunstwerk hatten. Seit ich 1978 die Produktion meiner Echruseos-Kunstwerke eingestellt habe und einige aufgrund unsachgemäßer Handhabung kaputt gegangen sind, schrumpft der Vorrat. Meine Echruseos-Kunst befindet sich in elf Museen und meiner bescheidenen Meinung nach wird sie eines Tages ein begehrtes Sammlerstück sein. Ich könnte durchaus tot sein, bevor die Kunst ihren Höhepunkt erreicht; Dennoch bin ich fest davon überzeugt, dass diese Technik als seltenes Sammlerstück anerkannt wird. Nur die Zeit wird meine Behauptungen bestätigen oder mir das Gegenteil beweisen. Mein aufrichtiger Rat an Sie und Ihre Erben ist, das Kunstwerk zu behalten, für seine Sicherheit zu sorgen und es für eine beträchtliche Summe zu versichern. Mit Zuversicht kann ich sagen, dass mein epischer historischer Roman über Texas, „Zehn Jahre in Texas“, ein erfolgreich veröffentlichtes Buch sein wird. Mit dem Buch wird mein Name in der Kunstwelt wieder auftauchen. Wenn das passiert, werden die wahren Sammler an die Oberfläche kommen. Seien Sie sich bewusst, dass Sie ein äußerst seltenes Kunstwerk besitzen. Sobald die Technik den Christies und Sothebys in der Welt der Kunstsammler vorgestellt wird, können Sie damit rechnen, dass die Echruseos explodieren und ein sechsstelliges Plateau erreichen.“ Jack White 2007

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Anna Elizabeth Klumpke „Ein Weg durch den Wald“, impressionistische Landschaftsmalerei, amerikanischer gelisteter Künstler aus Kalifornien, 1856–1942, 24,5 x 36 Zoll großes Gemälde, 27,5 x 39 Zoll großer Rahmen. Kein Craquelé, keine Risse oder Restaurierungen. Auf dem letzten Bild sind zwei sehr kleine Farbabplatzer über der Signatur zu sehen. Keine weiteren Flocken oder Probleme. Der Rahmen ist nicht original. Anna Elizabeth Klumpke (28. Oktober 1856 – 9. Februar 1942) war eine amerikanische Porträt- und Genremalerin, geboren in San Francisco, Kalifornien, USA. Sie ist vielleicht am bekanntesten für ihre Porträts berühmter Frauen, darunter Elizabeth Cady Stanton (1889)[1] und Rosa Bonheur (1898).[2] Anna Elizabeth KlumpkeGeboren am 28. Oktober 1856 San Francisco, Kalifornien, gestorben am 9. Februar 1942 (im Alter von 85 Jahren) San Francisco, Kalifornien, Ruhestätte, Père-Lachaise-Friedhof, Neptune Society Columbarium, Nationalität, Amerikanisch, Bildung, Académie Julian, bekannt für Genrewerke, Malerei Leben und Karriere Annas Vater, John Gerald Klumpke, geboren in England[3] oder Deutschland,[4] war ein erfolgreicher und wohlhabender Immobilienmakler in San Francisco. Ihre Mutter war Dorothea Mattilda Tolle. Anna war das älteste von acht Kindern, von denen fünf das Erwachsenenalter erreichten. Zu ihren Geschwistern gehörten die Astronomin Dorothea Klumpke-Roberts, die Geigerin Julia Klumpke und die Neurologin Augusta Déjerine-Klumpke. Im Alter von drei Jahren stürzte Anna und erlitt einen Oberschenkelbruch. Im Alter von fünf Jahren stürzte sie erneut und erlitt eine Osteomyelitis mit eitriger Kniearthritis. Diese Probleme behinderten sie, und ihre Mutter unternahm außerordentliche Anstrengungen, um Abhilfe zu finden, indem sie Anna und drei ihrer Geschwister zur Behandlung bei Dr. Bernhard von Langenbeck nach Berlin brachte. Die Kur dauerte 18 Monate und umfasste die Therme Kreuznach. Leider hatte es keinen Erfolg und Anna blieb ihr Leben lang gefesselt. Während sie in Europa waren, sorgte ihre Mutter dafür, dass ihre Kinder hervorragenden Unterricht erhielten. Anna Klumpke in ihrem Atelier Die Zeit in Europa belastete die Beziehung der Klumpkes. Als Anna fünfzehn war, ließen sich ihre Eltern scheiden. Sie und ihre Geschwister (jetzt sind es fünf) zogen mit ihrer Mutter nach Göttingen, Deutschland, wo sie eine Zeit lang bei Mattildas Schwester lebten, die einen Deutschen geheiratet hatte. Anna und ihre Schwester Augusta wurden nach Cannstatt bei Stuttgart zur Schule geschickt. Als sie siebzehn war, zog die Familie nach Clarens in der Nähe des Genfersees in der Schweiz, wo sie zwei Jahre in einem Internat verbrachte. Anna studierte die nächsten Jahre zu Hause Kunst und zog im Oktober 1877 mit ihrer Familie erneut nach Paris, wo sie später unter der Anleitung von Tony Robert-Fleury und Jules an der Julian Academy (1883–1884) eingeschrieben wurde Lefebvre. Sie verbrachte viele Stunden damit, Gemälde im Musée du Luxembourg zu kopieren, darunter Rosa Bonheurs Pflügen im Nivernais.[5][6] Zeitweise studierte sie auch bei Vuillefroy. Sie präsentierte ihr erstes Werk 1884 im Pariser Salon, noch während ihres Studiums an der Akademie, und gewann den Hauptpreis für die herausragende Studentin des Jahres. Sie stellte mehrere Jahre lang regelmäßig im Salon aus. Nach Abschluss ihres Studiums kehrte sie für einige Jahre in die USA zurück und unterrichtete in Boston. 1889 war sie jedoch wieder in Paris. Als Mädchen hatte Anna eine „Rosa“-Puppe geschenkt bekommen, die nach dem Vorbild der französischen Tiermalerin Rosa Bonheur gestaltet war – damals so berühmt, dass Puppen nach ihrem Vorbild angefertigt wurden. Seit ihrer frühen Kindheit war Anna von der Künstlerin fasziniert und inspiriert.[7] Um Bonheurs Porträt zu malen, lernte sie am 15. Oktober 1889 Rosa Bonheur kennen, unter dem Vorwand, als Dolmetscherin für einen Pferdehändler zu arbeiten. Die beiden Frauen lebten bald zusammen auf Bonheurs Anwesen in Thomery in der Nähe von Fontainebleau und ihre Beziehung hielt bis zu Bonheurs Tod im Jahr 1899.[2] Klumpke wurde als Alleinerbin von Bonheurs Nachlass benannt und überwachte 1900 den Verkauf von Bonheurs gesammelten Werken. Sie gründete den Rosa-Bonheur-Preis in der Société des Artistes Français und organisierte das Rosa-Bonheur-Museum im Schloss Fontainebleau. Klumpke war eine akribische Tagebuchschreiberin und veröffentlichte 1908 eine Biografie über Bonheur, Sa Vie Son Oeuvre, die auf ihrem eigenen Tagebuch und Bonheurs Briefen, Skizzen und anderen Schriften basierte. In dem Buch, das erst 1998 in englischer Sprache erschien, erzählte Klumpke die Geschichte von Bonheurs Leben und erzählte, wie sie Bonheur kennengelernt hatte, wie sie sich verliebt hatten und wie sie zur offiziellen Porträtistin und Begleiterin des Künstlers geworden war. Klumpke stellte ihre Arbeiten im Palace of Fine Arts und im The Woman's Building auf der World's Columbian Exposition 1893 in Chicago, Illinois, aus.[8] Nach Bonheurs Tod verbrachte Klumpke ihre Zeit zwischen Frankreich, Boston und San Francisco und ließ sich schließlich in den 1930er Jahren in San Francisco nieder. Während des Ersten Weltkriegs richtete sie zusammen mit ihrer Mutter in ihrem Haus in Thomery ein militärisches Genesungskrankenhaus ein. 1940, im Alter von 84 Jahren, veröffentlichte Klumpke ihre eigene Autobiografie „Memoirs of an Artist“. Sie starb 1942 im Alter von 86 Jahren in ihrer Heimatstadt San Francisco.[7] Ein Denkmal für sie befindet sich im Kolumbarium der Neptune Society in San Francisco, und sie ist neben Rosa Bonheur auf dem Friedhof Père Lachaise in Paris begraben.

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Porfirio Salinas (1910–1973) Big Bend Texas/Mexiko Landschaft südlich von El Paso. 100 % garantiertes Originalöl auf Leinwand, gemalt von Porfirio Salinas in den 1960er Jahren, ohne Schäden oder Restaurierungen jeglicher Art. Gesamt: 32 3/4 x 38 3/4 Zoll 24" x 30" großes Gemälde. Salinas ist nicht so bekannt für seine Wüstenlandschaften im Westen von Texas/Nordmexiko, aber er hat einige davon gemacht. Ich bin mir sicher, dass es im Frühling angenehmer war, in einem Bluebonnet-Feld in der Nähe meines Zuhauses zu sitzen, als in der Wüste zu schwitzen, aber ein geschultes Auge sollte in der Lage sein, die Fähigkeiten dieses Meisters zu erkennen und seine Vielfalt zu respektieren. Am 18. Oktober 2008 wurde eine viel kleinere Porfirio Salinas-Landschaft mit einem ähnlichen Gelände von David Dike Fine Art zu einem Startpreis von 15.000 US-Dollar zur Auktion angeboten. Ich bin nicht sicher, ob sie verkauft wurde oder wofür sie verkauft wurde. Es trug den Titel „75 Meilen südlich von El Paso“, 1953, Öl auf Leinwand, 16 x 20. Es war also weniger als halb so groß wie dieses Gemälde und hatte die gleichen Kakteen und roten Yucca. Im Jahr 2019 brachte die Kaktusfeigenlandschaft von Salinas mit der Käuferprämie bei David Dike Fine Art 125.000 US-Dollar ein. Das Papier auf diesem Rahmen verdeckt möglicherweise den Titel dieses Gemäldes. Ich bin versucht, es zu entfernen, werde aber mein Bestes geben, dies nicht zu tun, da das alte, brüchige Papier dabei hilft, das Gemälde zu datieren, und ich die Dinge wirklich gerne so lasse, wie sie sind fand sie. Keine Beschädigungen oder Restaurierungen am Gemälde, gründlich unter natürlichem und UV-Licht untersucht. Porfirio Salinas (6. November 1910 – 18. April 1973) war ein früher texanischer Landschaftsmaler, der für seine Darstellungen des Texas Hill Country im Frühling bekannt ist. Er war einer der ersten mexikanisch-amerikanischen Künstler, der für seine Gemälde landesweite Anerkennung erlangte. Die New York Times beschrieb ihn als Lieblingsmaler des US-Präsidenten Lyndon B. Johnson. Werke von Salinas werden im Texas State Capitol, im Texas Governor's Mansion und in einer Reihe von Museen ausgestellt, darunter im Witte Museum in San Antonio, Texas und im Panhandle-Plains Historical Museum. Frühe Geschichte Salinas wurde am 6. November 1910 in der Nähe von Bastrop, Texas, geboren. Er stammte aus einer Familie mexikanisch-amerikanischer Pächter: Sein Vater Porfirio G. Salinas und seine Mutter Clara G. Chavez Salinas verließen die Farm nach San Antonio, als Porfirio noch ein Kind war. Salinas war ein frühreifes Talent, das schon als kleiner Junge zeichnete und malte und von seinen Lehrern gefördert wurde. Er hatte nur eine geringe Schulbildung und verließ in jungen Jahren die Schule, um in einem Künstlerbedarfsgeschäft zu arbeiten. Als er fünfzehn war, lernte er im Laden den in England geborenen Landschaftskünstler Robert William Wood (1889–1979) kennen. Salinas ging 1925 in Woods Atelier, wo er die Grundlagen eines professionellen Malers erlernte. Er spannte Woods Leinwände und lernte unter Woods Aufsicht, Gemälde zu rahmen, Farben zu mischen und Leinwände vorzubereiten. Wood war ein sehr fähiger Geschäftsmann, und Salinas lernte von dem englischen Maler, wie man seine Kunst verkauft und vermarktet. Salinas begleitete Wood und den in Spanien geborenen Künstler und Lehrer José Arpa (1858–1952) auf Skizzenreisen in die Hügel und Täler rund um San Antonio, wo sie im Frühling blühende Wildblumen und im Herbst die Texas Red Oak malten. Durch sein Talent und seinen Fleiß war er bald zu einer professionellen Tätigkeit fähig. Professionelle Karriere Salinas begann 1930, als er zwanzig Jahre alt war, professionell zu malen.[4] Sein Frühwerk wurde von den Gemälden seines Mentors Robert Wood beeinflusst.[5] Er malte viele Szenen mit texanischen Bluebonnets, der Staatsblume, die von Künstlern und Galerien in San Antonio, Texas, an Touristen verkauft wurden. 1939 begann er mit dem Kunsthändler Dewey Bradford (1896–1985) zusammenzuarbeiten, der in der Landeshauptstadt Austin Gemälde, Rahmen und Künstlerbedarf verkaufte. Nationale Anerkennung Während Salinas seine Werke stetig verkaufte, war er 1960 vor allem texanischen Sammlern und Touristen bekannt, die San Antonio besuchten. Dies änderte sich 1961 rasch mit der Wahl seines Sammlers Lyndon B. Johnson (1908–1973) zum Vizepräsidenten der Vereinigten Staaten. Mit seinem Aufstieg vom US-Senat zum Vizepräsidenten kauften Johnson und seine Frau Lady Bird Johnson (1912–2007) ein großes Schloss im französischen Stil von der Prominenten und Erbin Perle Mesta (1889–1975). Sie schmückten das Haus mit französischen Antiquitäten und Wandteppichen, die sich bereits im Haus befanden, aber das Foyer war mit texanischen Wildblumengemälden von Salinas geschmückt. Lady Bird Johnson wurde mit den Worten zitiert: „Ich möchte sie sehen, wenn ich die Tür öffne, um mich daran zu erinnern, wo ich herkomme.“ Zum Zeitpunkt der Ermordung von Präsident Kennedy hatte Salinas eine Szene mit einem trinkenden Pferd mit dem Titel „Rocky Creek“ fertiggestellt, die Kennedy während seines unglücklichen Besuchs in Dallas präsentiert werden sollte. Lyndon Johnson sagte der Washingtoner Presse, dass Porfirio Salinas „sein Lieblingskünstler“ sei. Präsident Johnson überreichte dem mexikanischen Präsidenten Gustavo Diaz Ordaz außerdem ein Salinas-Gemälde als offizielles Geschenk der Vereinigten Staaten. Die Schirmherrschaft des Präsidenten war ein enormer Aufschwung für die Karriere des Künstlers und in den 1960er Jahren verkauften sich seine Werke rege und zu immer höheren Preisen. Die Salinas-Gemälde der Johnsons befinden sich noch heute in der Sammlung der LBJ Ranch. Präsident und Lady Bird Johnson waren sowohl Befürworter als auch Bewunderer von Wildblumen. Lady Bird Johnson wird aufgrund ihrer Kampagne „Beautify America“ und des Highway Beautification Act, der 1965 vom Kongress der Vereinigten Staaten verabschiedet wurde, immer mit dem Thema Wildblumen verbunden bleiben. Im Rahmen dieser Bemühungen wurden viele Meilen texanischer Straßenränder besät mit Texas-Bluebonnets, Lupinus texensis, den Blumen, für deren Malerei Salinas bekannt ist. Tod und posthumer Ruf Salinas wurde 1960, als er fünfzig Jahre alt war, von seiner Geburtsstadt Bastrop, Texas, anerkannt. 1962 hatte er eine Einzelausstellung im Witte Museum in San Antonio. Seine Arbeiten wurden in großem Umfang von der New York Graphic Society veröffentlicht, was zu seinem landesweiten Ruf beitrug. 1967 illustrierte seine Arbeit ein Buch mit dem Titel Bluebonnets and Cactus, das in Austin veröffentlicht wurde. Salinas starb am 18. April 1973 nach kurzer Krankheit. Er wurde 1973 in der Stadt Austin mit dem Porfirio Salinas Day geehrt. Ruth Goddard schrieb ein Buch mit dem Titel Porfirio Salinas, das zwei Jahre nach seinem Tod veröffentlicht wurde. Jedes Jahr findet in Bastrop eine Jugendkunstausstellung mit Werken von K-12-Schülern statt, die nach dem Künstler benannt ist. Anlässlich des 100. Geburtstags von Salinas veranstaltete das Witte Museum eine Ausstellung mit dem Titel Porfirio Salinas: Painting South Texas, die am 16. Oktober 2010 eröffnet wurde und bis zum 20. März 2011 lief. Künstlerische Produktion Die berufliche Laufbahn von Porfirio Salinas erstreckte sich über mehr als vierzig Jahre. Nach Angaben des Kunsthistorikers Jeffrey Morseburg hat er schätzungsweise zwischen zweitausend und dreitausend Werke gemalt. Seine Arbeit ist in eine Reihe von Themen unterteilt, wobei Hügellandlandschaften der texanischen Bluebonnets überwiegen. Die Bluebonnet-Landschaft ist sowohl bei Sammlern historischer texanischer Gemälde als auch bei zeitgenössischen Künstlern seit jeher beliebt. Salinas malte auch viele Szenen mit texanischen Roteichen im Herbst und Feigenkakteen. Es gab auch Szenen aus der texanischen Wüste im Texas Panhandle und aus dem trockenen Westen von Texas. Salinas unternahm Reisen nach Mexiko und malte ländliche mexikanische Dörfer und die Vulkane südlich von Mexiko-Stadt. Für das mexikanisch-amerikanische Publikum malte Salinas kleine Szenen mit Stierkämpfen, Hahnenkämpfen und mexikanischen Fandangos. Persönliches Leben Salinas heiratete 1943 in San Antonio Maria Bonillas, eine Mexikanerin, die für die Mexican National Railways arbeitete. Sie hatten ein einziges Kind, Christina Maria Salinas, die 1945 geboren wurde. Maria Bonillas Salinas half bei der Verwaltung der Karriere ihres Mannes. Das Haus und Studio der Salinas befand sich in der Buena Vista Street 2723 in San Antonio. Es besteht aus einem kleinen Steinhaus mit einem freistehenden Studio.

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Mark Kohler Texas Künstler 1990er Jahre Cowboy Aquarell Frühe Arbeitspraxis Skizze Geschenk an einen Freund. Garantiert originales Aquarell, ungerahmt und ohne Beschädigung. Dies war eine Skizze, an der er vor etwa 30 Jahren arbeitete, als einige Freunde dort waren, und die er ihnen schenkte. Der Nachlass, aus dem es stammte, waren Freunde von Kohler, und ich werde einige seiner Werke auflisten. Maße: 11 1/8" x 15 1/8" „Ich habe eine Leidenschaft für den amerikanischen Westen und habe in den letzten 16 Jahren mein gottgegebenes Talent einem Ziel gewidmet: den unabhängigen Geist und Stolz zu dokumentieren, den der moderne Cowboy von seinen Vorgängern geerbt hat. Es ist einzigartig amerikanisch.“ und erhaltenswert. Wie Künstler vor mir fühle ich mich zum Westen und zu den Menschen und Tieren hingezogen, die diese oft raue Umgebung zähmen. Ich bemühe mich, die Ehre, die Stärke und die Würde einzufangen, mit der sie ihr Leben führen. Es ist mein Ich hoffe, dass diese Bilder das Herz und die Seele meiner Motive offenbaren und den tiefen Respekt, den ich ihnen entgegenbringe. Es ist mir eine Ehre, diesen erstaunlichen Lebensstil aufzuzeichnen, und die Belohnung dafür war unermesslich.“ Mark Kohler ist ein preisgekrönter Aquarellist, der 2008 den Cowboy Artists of America Founders Award und 2009 den Phippen Museum Foundation Award erhielt. Er wurde auf einige der ältesten, traditionellen Ranches des Landes eingeladen, darunter die O RO Ranch in Arizona und die Pitchfork Ranch im Texas Panhandle. Seine Werke sind in Privat- und Unternehmenssammlungen auf der ganzen Welt vertreten. tw6

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Mark Kohler Texas Künstler 1997 Cowboy Aquarell Frühwerk. Garantiert originales Aquarell, ungerahmt und ohne Beschädigung. Der Nachlass, aus dem es stammte, waren Freunde von Kohler, und ich werde einige seiner Werke auflisten. Laut seiner Website malt er seit über 23 Jahren kommerziell, das wäre also ungefähr zu dieser Zeit der Fall. Misst 15" x 11" auf hochwertigem Aquarellpapier. „Ich habe eine Leidenschaft für den amerikanischen Westen und habe in den letzten 16 Jahren mein gottgegebenes Talent einem Ziel gewidmet: den unabhängigen Geist und Stolz zu dokumentieren, den der moderne Cowboy von seinen Vorgängern geerbt hat. Es ist einzigartig amerikanisch.“ und erhaltenswert. Wie Künstler vor mir fühle ich mich zum Westen und zu den Menschen und Tieren hingezogen, die diese oft raue Umgebung zähmen. Ich bemühe mich, die Ehre, die Stärke und die Würde einzufangen, mit der sie ihr Leben führen. Es ist mein Ich hoffe, dass diese Bilder das Herz und die Seele meiner Motive offenbaren und den tiefen Respekt, den ich ihnen entgegenbringe. Es ist mir eine Ehre, diesen erstaunlichen Lebensstil aufzuzeichnen, und die Belohnung dafür war unermesslich.“ Mark Kohler ist ein preisgekrönter Aquarellist, der 2008 den Cowboy Artists of America Founders Award und 2009 den Phippen Museum Foundation Award erhielt. Er wurde auf einige der ältesten, traditionellen Ranches des Landes eingeladen, darunter die O RO Ranch in Arizona und die Pitchfork Ranch im Texas Panhandle. Seine Werke sind in Privat- und Unternehmenssammlungen auf der ganzen Welt vertreten. tw6

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Mark Kohler, texanischer Künstler, 1995, Cowboy-Aquarell, frühes Werk, Geschenk an einen Freund, ohne Beschädigung. Der Nachlass, aus dem es stammte, waren Freunde von Kohler, und ich werde einige seiner Werke auflisten. Laut seiner Website malt er seit über 23 Jahren kommerziell, das wäre also ungefähr zu dieser Zeit der Fall. Maße: 26" x 23,5", Visiermaße 18,5" x 16". „Ich habe eine Leidenschaft für den amerikanischen Westen und habe in den letzten 16 Jahren mein gottgegebenes Talent einem Ziel gewidmet: den unabhängigen Geist und Stolz zu dokumentieren, den der moderne Cowboy von seinen Vorgängern geerbt hat. Es ist einzigartig amerikanisch.“ und erhaltenswert. Wie Künstler vor mir fühle ich mich zum Westen und zu den Menschen und Tieren hingezogen, die diese oft raue Umgebung zähmen. Ich bemühe mich, die Ehre, die Stärke und die Würde einzufangen, mit der sie ihr Leben führen. Es ist mein Ich hoffe, dass diese Gemälde das Herz und die Seele meiner Motive offenbaren und den tiefen Respekt, den ich ihnen entgegenbringe. Es ist mir eine Ehre, diesen erstaunlichen Lebensstil aufzuzeichnen, und die Belohnung dafür ist unermesslich.“ Mark Kohler ist ein preisgekrönter Aquarellist, der 2008 den Cowboy Artists of America Founders Award und 2009 den Phippen Museum Foundation Award erhielt. Er wurde zu einigen der ältesten, traditionellen Ranches des Landes eingeladen, darunter die O RO Ranch in Arizona und die Pitchfork Ranch im Texas Panhandle. Seine Werke sind in Privat- und Unternehmenssammlungen auf der ganzen Welt vertreten.

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Nestor Hippolyte Fruge (1916-2012) Louisiana Swamp Aquarell 20,5" x 26" gerahmt x 12" x 18" Sicht. Keine Probleme mit Malerei oder Rahmen. Künstlerbiografie Nestor Hippolyte Fruge war ein kreativer Künstler. Nestor Hippolyte Fruge wurde 1916 geboren und starb 2012. Er ließ sich vor allem von den 1930er Jahren inspirieren. In den 1930er Jahren kämpften viele politische Ideologien wie der marxistische Sozialismus, die kapitalistische Demokratie und der Totalitarismus des Kommunismus und Faschismus um die Vorherrschaft und verkörperten die politische Atmosphäre dieser Zeit. In Europa war der Surrealismus weiterhin vorherrschend und erlangte zunehmend Einfluss auf der ganzen Welt. Führende Künstler griffen die Ideen des Surrealismus auf und integrierten sie in ihre bahnbrechenden politischen Ideologien, wodurch eine neue Art von magischem Realismus entstand. Dies wurde in der Arbeit von Künstlern wie Frida Kahlo und Diego Riviera in Mexiko veranschaulicht.

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1972 E Rice Bauknight Aquarell Wachtel Texas Landschaft Wildlife Künstler. Sehr schön gemachtes Aquarell von einem gelisteten Künstler, der sehr gut Wachteln malen konnte. 20,5" x 25" gerahmt x 15" x 20" Visier. Geringe Gebrauchsspuren am Rahmen, die untere linke Ecke des Passepartouts ist aufgehellt, keine Probleme mit der Darstellung.

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Dieses Stück stammt aus dem Nachlass eines der Geschäftsführer von Motorola, das meiner Meinung nach den größten Teil des asiatischen Unternehmens ausmacht, dessen Hauptsitz sich in Chicago befindet, wo Grace Lai herkam. Für diesen Auftrag wurde sie höchstwahrscheinlich nach Asien geflogen, ich glaube, das ist das Pekinger Gebäude. Es misst 23 "x 30". An einer Stelle war es zusammengerollt, daher werde ich es wahrscheinlich für den Versand zusammenrollen, aber nicht zu fest, es sei denn, der Käufer hat größere Einwände dagegen. KEINE Probleme mit der Lackierung. Grace Lai malte die Innenstadt von Chicago mit blühendem Beton und Stahl und produzierte zwei Jahrzehnte lang lebendige Montagen von Gebäuden, die die Skyline prägten, während sie emporstiegen. Frau Lai war eine „vor Ort“-Künstlerin, die erst mit fast 60 ernsthaft mit dem Malen begann. Sie trug einen Schutzhelm und hatte keine Angst davor, Bauaufzüge zu besteigen, um hoch in den Himmel zu fahren, um ihr Werk fertigzustellen. Im Winter wickelte sie sich in Plastikmülltüten ein und ersetzte das Wasser in ihren Farben durch Reinigungsalkohol, damit sie nicht gefrierten. „Sie hat einfach die Essenz der dynamischen Natur des Bauwesens eingefangen“, sagte Tom Broderick, Geschäftsführer des Construction Safety Council in Hillside, wo etwa 100 Gemälde von Frau Lai ausgestellt sind. „Die Handwerker werden den Verlust von Grace spüren. Ihr lag die Branche und die Menschen, die darin arbeiteten, wirklich am Herzen.“ Bis zum Tod ihres Mannes Harry im Jahr 1985 war Frau Lai im Wesentlichen eine Künstlerassistentin. Er unterhielt ein Studio in der Kinzie Street in dem Gebäude, in dem sich heute Harry Carays Restaurant befindet, und fertigte Schilder an, die alles schmückten, von Theaterzelten bis hin zu Bahnhöfen. Er war auch ein bildender Künstler und schenkte seiner Frau zu jedem Hochzeitstag, der auf den Valentinstag fiel, ein Gemälde mit einer Rose. Frau Lai erledigte die Vorbereitungsarbeiten und kümmerte sich um die Bücher im Geschäft ihres Mannes. Während sie sich mit Zeichnen und Malen beschäftigte, sagte ihr Mann ihr immer, sie müsse den perspektivischen Trick des Künstlers lernen und nahm ihr das Versprechen ab, eines Tages eine Kunstschule zu besuchen. Als er starb, schrieb sie sich an der American Academy of Art in Chicago ein. Jeden Tag fuhr sie am frühen Morgen mit einem nicht überfüllten Bus zu ihren Kursen, damit sie Platz für ihre Kunstmaterialien hatte. Sie stieg an den Straßen LaSalle und Adams vor einer Baustelle aus. Mit der Zeit totzuschlagen, holte sie einen Bleistift heraus und skizzierte die Aktion. „Den Entwicklern gefiel es so gut, dass sie sie beauftragten, eine Dokumentation über den Fortschritt ihrer Gebäude zu erstellen“, sagte ihr Sohn. So wurde das Bauhandwerk zum Hauptgegenstand ihrer Kunst. Sie arbeitete mit Aquarell oder Feder und Tusche und wurde bei Bauprojekten in der Stadt zu einem vertrauten Anblick. Arbeiter kamen vorbei, um mit dem geselligen Künstler zu plaudern, fragten, ob sie an diesem Tag gezeichnet worden seien, und kauften manchmal Arbeiten, die ihr Abbild trugen. Zusätzlich zu ihren Arbeiten, die in der Zentrale des Construction Safety Council, einem langjährigen Förderer, ausgestellt sind, seien Frau Lais Gemälde Teil der Unternehmenssammlung von BP (ehemals Amoco) und Northwestern Memorial Hospital, sagte ihr Sohn. Als Tochter von Einwanderern aus der chinesischen Region Canton zog die ehemalige Grace Lee in ihrer Jugend häufig um, da ihre Familie den verschiedenen Restaurants ihres Vaters folgte. Sie absolvierte die Schurz High School in Chicago. Viele Jahre lang war sie Sonntagsschulleiterin der Chinese Christian Union Church in Chinatown. Sie malte bis vor kurzem weiter und arbeitete an Projekten wie dem Trump Tower. „Wenn ich mich in der Malerei verliere, ist das gut“, sagte sie der Tribune im Jahr 2002, immer noch voller Energie, als sie sich 75 näherte.

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Todd Winters Aquarell Texas/New Mexico „Fliegenfischen im Yellowstone“ Nationalpark 15" x 18" gerahmt mit 8,25" x 11,25" handgeschöpftem Aquarellpapier. Sehr sauberer Rahmen, keine Probleme mit Kunst oder Passepartout. Todd Abbott Winters ist seit 34 Jahren Vollzeitkünstler, seit er 1983 seinen Abschluss in Bildender Kunst an der UT-Austin machte. Er hat in Dutzenden von Kunstgalerien in Staaten von Küste zu Küste gezeigt, ..... Kalifornien, Arizona, New Mexico, Illinois, Oklahoma, Texas, Tennessee, Florida und ja sogar in New Jersey.

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Todd Winters Aquarell Texas/New Mexico „Poppy Stargazer“ 11" x 15" handgeschöpftes Papieraquarell in einem 21" x 25" Rahmen. Sehr sauberer Rahmen, keine Probleme mit Kunst oder Passepartout. Todd Abbott Winters ist seit 34 Jahren Vollzeitkünstler, seit er 1983 seinen Abschluss in Bildender Kunst an der UT-Austin machte. Er hat in Dutzenden von Kunstgalerien in Staaten von Küste zu Küste gezeigt, ..... Kalifornien, Arizona, New Mexico, Illinois, Oklahoma, Texas, Tennessee, Florida und ja sogar in New Jersey.

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David S Clow Kansas City gelisteter Künstler Impressionismus Aquarell auf handgeschöpftem Papier. Sehr interessantes Stück ohne nennenswerte Probleme, ein paar Kratzer am Rahmen. 10,25" x 18,25" gerahmt x 4,75" x 12,5" Visier. B2

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Impressionistisches Ziegen-Acryl an Bord von Barbara Mallonee. Keine Probleme mit Malerei oder Rahmen. 13,25" x 11,25" gerahmt. B1

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c1960 Matador Acryl an Bord Stierkämpfergemälde. Keine Probleme mit Malerei oder Rahmen. Unleserliche Unterschrift. 20" x 25,5" gerahmtes x 13,75" x 20" großes Gemälde.

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Carol Jean Green Miniatur-Aquarelle gelistete kalifornische Künstlerin. Verkaufe beides. Das Visier misst 2 1/8" x 2 5/8". 5,5" x 7,5" gerahmt. Die Kunst ist perfekt und ohne Probleme, originale Aquarelle garantiert. Die Rahmen sind nahezu neuwertig. Carol Jean Green wurde in Kalifornien geboren, wuchs aber im Fernen Osten und in Indien auf und erhielt dort ihre Ausbildung. Sie lebte viele Jahre auf der Insel Ibiza, Spanien. Als autodidaktische „Naif“ sind ihre Originalaquarelle mit Einflüssen aus dem Mittelmeerraum, Kalifornien und dem Südwesten bei Sammlern auf der ganzen Welt begehrt. Tw61

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Ich werde eine schöne Sammlung von Zeichnungen und Gemälden von Amy Freeman Lee auflisten, die nirgendwo anders angeboten wurden. Dies sind alles Originale, die bei ihrem Tod geerbt wurden und aufbewahrt wurden. Boating to Windward Aquarell Amy Freeman Lee gelistete Künstlerin San Antonio, Texas (1914-2004) 25,5" x 30,5" gerahmt, 19" x 25" Visier. Keine Probleme. Zur Kunst, sauberer Rahmen. Amy Freeman Lee (1914-2004) Lee stammte aus Seguin, Texas und wurde eine ständige Bewohnerin von San Antonio. Als autodidaktische Aquarellistin half Lee 1949 bei der Gründung der Texas Watercolour Society. Ihre Werke wurden in Mexiko-Stadt und in Wanderausstellungen ausgestellt, die von der Smithsonian and California National Watercolour Society organisiert wurden. Sie arbeitete als Kunstkritikerin für die San Antonio Express-News und den Radiosender KONO. Sie stand im Mittelpunkt einer CBS-Dokumentation aus dem Jahr 1984 mit dem Titel Reality is Becoming. Ihre Werke sind in den Sammlungen der University of Texas at Austin, des Norfolk Museum of Arts and Sciences und der San Antonio Art League enthalten.

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Aquarellmalerei „Westliche Berglandschaft“, komplex und farbenfroh, signiert – Hase – 18,25 x 14,25 Zoll, gerahmt. 7,5" x 12" Visier. Saubere Rahmenbemalung und Mattierung.

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Die Innenseite der Matte misst 9" x 11,25", der Rahmen misst 13" x 15". Ein wenig stockfleckig direkt auf der Innenseite des Passepartouts. Scheint ein viktorianischer Rahmen zu sein. B1

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1941 Bob Crabb Texas Hill Country Bluebonnet Landschaftsaquarell. Wirklich schönes Aquarell. Dieser Typ hat in seiner Zeit viele Ausstellungen gemacht, es gibt Archive von ihm im Smithsonian. Er befand sich 1940 im Dallas Museum of Art. Der Rahmen misst 18,75" x 14 5/8", die Innenseite des Passepartouts ist 12" x 8". Seine Kunst befindet sich in vielen Privatsammlungen, kommt aber selten auf den Markt, da er nicht sehr produktiv war.

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Rahmen misst 23,25" x 19 3/8" Tolles Vintage-Aquarell. Es wurde 1984 gerahmt und auf der Rückseite so gekennzeichnet. Das Aquarell ist in einwandfreiem Zustand, es gibt einige Kerben an der Außenkante des Rahmens, die leicht mit einem Marker ausgebessert werden könnten.

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Originalaquarelle des gelisteten Künstlers Hans Kleiss. Rahmen messen 17,25" x 14", Aquarelle messen 11,5" x 9,5". Die Bilder sind in hervorragendem Zustand, aber die Frau erscheint im Rahmen etwas außermittig, eine einfache Lösung, aber ich ging davon aus, dass sie sich beim Versand verschieben könnten, also würde ich sie so belassen, wie sie ist.

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George Boutwell Texas Hill Country Pastoral Farmhouse Aquarell. 17" x 16" Rahmen, 9,75" x 8" Visier. Keine Probleme mit der Bemalung, leichte Gebrauchsspuren am Rahmen. Tolles Gemälde eines gelisteten texanischen Künstlers, viel besser persönlich. Geboren 1943 in East Hartford, Connecticut. Nach dem frühen Tod seiner Mutter im Jahr 1945 reisten er und sein Vater durch das Land und als er in San Antonio, Texas, in die erste Klasse kam, lebten sie in Connecticut, Vermont, Maine , New York, Indiana, Michigan, Tennessee, Kalifornien und Texas. George verbrachte den größten Teil seines Lebens in Austin und zog 1987 nach Bosque County, wo er und seine Frau Martha auf einer Ranch in der Nähe von Clifton in einem viktorianischen Haus aus dem Jahr 1904 namens Highview leben, das auf der Kuppe eines Hügels mit Blick auf den Bosque River liegt Schlucht. Die Boutwells haben zwei Töchter: Valerie 49 und Kimberlee 47, zwei Enkel: Josh 19 und Brady 16 und eine Enkelin, Kaylee 13. Zu den Hobbys und Interessen zählen Denkmalpflege, alte Autos, Fossilienjagd und Beobachtung von Wildtieren und Longhorn-Rindern. George war von 1966 bis 1972 Art Director des Texas Highways Magazine und wurde sich in dieser Zeit der Vielfalt von Texas bewusst, und dieses Bewusstsein wurde zum Mittelpunkt seines Lebenswerks. George hat sich geweigert, sich auf ein Kunstgenre zu spezialisieren und beschränkt den Umfang seiner Arbeit nur auf Texas. Seit 40 Jahren kann er seinen Lebensunterhalt ausschließlich von seiner Kunst bestreiten! Das ehemalige Haus der Boutwells in Austin gewann 1983 den Austin Heritage Society Award, der im Governor's Mansion verliehen wurde. George war von 1982 bis 1985 ernanntes Mitglied der Austin Historic Landmark Commission. Professioneller Hintergrund Kunstausbildung: Selbst beigebracht. George war zu arm, um sich Kunstunterricht leisten zu können, und da er ein halbes Jahr an der High School nicht bestanden hatte, weil er in der Klasse saß und Autos zeichnete, anstatt zu lernen, reichten seine Noten nicht aus, um aufs College zu gehen. Er las jedes Kunstbuch, das er in der öffentlichen Bibliothek finden konnte, und übte kontinuierlich, indem er ein Jahr lang 100 Skizzen pro Tag anfertigte! Als er sich endlich Kunstunterricht leisten konnte, lag das daran, dass er ein Vollzeit-Profi für Werbezwecke geworden war und zum ersten Mal in seinem Leben über ein verfügbares Einkommen verfügte. George belegte einen Fernkurs in Bildender Kunst an der Famous Artist School, der ihm 1973 den Übergang von der kommerziellen zur bildenden Kunst ermöglichte. anderas

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Alberto Meza (1930-2021) 1971 Wild Turkey Texas Hill Country Landscape Aquarell 8" x 10" großes Gemälde in einem 16,25" x 18,25" großen Rahmen. Keine Probleme mit Malerei oder Rahmen. Dies ist ein Originalaquarell aus dem Jahr 1971. Meza wanderte 1953 mit seiner Familie in die USA nach San Antonio, Texas, aus und wurde stolz US-Bürger. 1963 begann er seine Karriere als Friseur im Lackland AFB NCO Barber Shop. Alberto bemerkte schon in jungen Jahren seine Leidenschaft für das Zeichnen und die angeborene Fähigkeit, aus Zeitschriften zeichnen zu können. Er besuchte die Hunter Art School, um die Grundlagen des Kunsthandwerks zu erlernen. Im Jahr 1971 änderte Alberto seine Karriere, da er den Antrieb und den Willen hatte, ein Künstler von Aquarell-Wildtiergemälden zu werden. Meza begann, seine Gemälde auf der San Antonio River Starving Artist Exhibition auszustellen. Mezas Gemälde wurden bis 1984 auf dem Rockport Art Festival, den Harlingen Art Forums und Padre Island, der Salado Art Fair in Austin und der San Antonio Western Art Show ausgestellt.

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Jerry Seagle Texas Mixed Media Pastell/Aquarell. 7,25" x 10" Visier, 12" x 16" gerahmt, ohne Probleme. Jerry Seagle ist ein zeitgenössischer texanischer Künstler, der in traditionellerer Kunst ausgebildet ist. Er schloss sein Studium der Malerei an der University of Texas in Austin mit Auszeichnung ab und erhielt ein Graduiertenstipendium, um sein Studium an der University of the Americas in Mexiko-Stadt fortzusetzen. Er greift auf seine Vergangenheit in der Kunst des Südwestens zurück, um seine abstrakten Acrylgemälde zu schaffen. Seagle hat Kunst in über hundert Einzelausstellungen gezeigt. Er hat mehr als 250 Auszeichnungen in nationalen und regionalen Ausstellungen erhalten und seine Gemälde wurden in mehreren Artikeln über experimentelle Wassermalerei reproduziert.

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Candy Tangney Texas Küstenkind am Strand, Aquarell, 14,5" x 11,5" gerahmt, 8" x 5,25" Visier. Keine Probleme mit Malerei oder Rahmen. Aufgrund meines aktuellen Setups und zeitlicher Beschränkungen konnte ich nicht das gesamte Bild zeigen, aber es ist alles sauber wie das, was gezeigt wird. tw71

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Alice Scott (1924-2005) originales, ungerahmtes, signiertes und mattiertes Aquarell von Charleston Gullah Lady. 10" x 14" ; 6 1/8" x 8 5/8" Visier, guter Zustand wie abgebildet. Eine Sammlung ihrer Gemälde tourte mit der Opera Porgy an Bess durch die USA und Europa. Alice Scott wurde in Columbia, South Carolina, geboren, wuchs aber in Charleston, South Carolina, auf, wo sie sowohl im Theater als auch in der Malerei aktiv war. Sie unterrichtete sowohl Kinder als auch Erwachsene in ihrem Atelier in der Queen Street neben dem historischen Dock Street Theater. Zu ihrer Karriere in der Kunst gehörten Studien bei Robert Brackman von der Art Students League in New York City und bei Hainz Warneke, Don Turano und Richard Lahey von der Corcoran Gallery in Washington, D.C. Zu den Galerien, die ihre Werke ausgestellt haben, gehören: High Museum of Art, Atlanta, GA Twentieth Century Gallery, Williamsburg, VA Gibbes Art Gallery, Charleston, SC, Columbia Museum of Art, Columbia, SC Robert Carlen Gallery, Philadelphia, PA Pensacola Art Center, Pensacola, FLVZTOP Gallery, Pensacola, FL Charlestown Gallery, Charleston, SC Lemoyne Art Foundation, Tallahassee, FL Gallery of Art, Panama City, FL und weitere Galerien!

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Alice Scott (1924-2005) originales, ungerahmtes, signiertes und mattiertes Aquarell von Charleston Gullah Lady. 10" x 14" ; 6 1/8" x 8 5/8" Visier, guter Zustand wie abgebildet. Eine Sammlung ihrer Gemälde tourte mit der Opera Porgy an Bess durch die USA und Europa. Alice Scott wurde in Columbia, South Carolina, geboren, wuchs aber in Charleston, South Carolina, auf, wo sie sowohl im Theater als auch in der Malerei aktiv war. Sie unterrichtete sowohl Kinder als auch Erwachsene in ihrem Atelier in der Queen Street neben dem historischen Dock Street Theater. Zu ihrer Karriere in der Kunst gehörten Studien bei Robert Brackman von der Art Students League in New York City und bei Hainz Warneke, Don Turano und Richard Lahey von der Corcoran Gallery in Washington, D.C. Zu den Galerien, die ihre Werke ausgestellt haben, gehören: High Museum of Art, Atlanta, GA Twentieth Century Gallery, Williamsburg, VA Gibbes Art Gallery, Charleston, SC, Columbia Museum of Art, Columbia, SC Robert Carlen Gallery, Philadelphia, PA Pensacola Art Center, Pensacola, FLVZTOP Gallery, Pensacola, FL Charlestown Gallery, Charleston, SC Lemoyne Art Foundation, Tallahassee, FL Gallery of Art, Panama City, FL und weitere Galerien!

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Myrtle Lillian Stedman (1908-2007) 1931 Houston Texas Aquarell einer farbigen Frau aus dem Süden, die Hühner füttert. Dies ist ein wirklich großartiges Aquarell aus dem Jahr 1931, als sie in Houston, Texas, lebte und die Houston Museum of Fine Arts School besuchte. Ich persönlich finde es äußerst erfrischend, ein Bild aus dieser Zeit zu sehen, das eine farbige Frau zeigt, die einfach „ihr Ding macht“, und zwar auf eine nicht abfällige Art und Weise. 9,25" x 11,5" großes Visier in einem 15,5" x 18" großen Rahmen. Keine Probleme mit Malerei oder Rahmen. Es befindet sich hinter Museumsglas. Es enthielt eine Notiz, die ich anscheinend verloren hatte, aber es war nur eine Erklärung der Bedeutung des Künstlers vor dem Internet, mit Notizen darüber, wann es hinter Museumsglas neu gerahmt wurde. Myrle ist eher für ihre Landschaften aus New Mexico bekannt, ich persönlich finde diese sehr interessant und erfrischend. Myrtle Stedman war als „Künstlerin in Adobe“ bekannt, die im Auftrag eines Auftragnehmers Häuser aus Lehmziegeln entwarf, baute und umgestaltete. Sie war auch eine bekannte Künstlerin, deren akademische Ausbildung 1927 begann, als sie an der Schule des Houston Museum of Fine Arts studierte. Myrtle Stedman – Santa Fe Living Treasures http://sflivingtreasures.org/index.php/treasures/131-stedman-myrtle-.html Myrtle Stedman Als Malerin, Dichterin und Schriftstellerin ist Myrtle Stedman vor allem für ihre Arbeiten zur Restaurierung und Gestaltung von Lehmziegeln bekannt, die sie kurz nach ihrer Ankunft in Tesuque im Jahr 1934 zusammen mit ihrem Künstler-Ehemann Wilfred Stedman begann. Myrtle Lillian Stedman Myrtle Lillian Stedman, amerikanische Künstlerin. Empfänger des Visual and Literature Arts Award der New Mexico Arts Commission, des Bürgermeisterpreises der Stadt Santa Fe, 1994, des Old Santa Fe Association Award, 1993, des Aquarellpreises des Houston Fine Arts Museum, 1933, des New Mexico Governor's Award for Excellence in the Arts Art/Architecture, 1997; mit dem Namen Living Treasure Santa Fe Networks, 1985. Hintergrund Stedman, Myrtle Lillian wurde am 5. Februar 1908 in Charleston, Illinois, USA, geboren. Tochter von Edward Bullard und Myrtie (Harrell) Kelly. Ausbildung Student, Museum Fine Arts, Houston, 1934. Student, Art Student's League, New York City, 1980. Karriere Bildender Künstler und Illustrator Stedman Studio, Houston, 1927–1934. Designer, Bauunternehmer Tesuque Home Builder, 1952-1987. Erfolge Myrtle Lillian Stedman wurde von Marquis Who's Who als bemerkenswerte Künstlerin aufgeführt.

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c1980 Bob White Quail Aquarell von Anita Diebel. Sehr schönes Aquarell aus den Siebzigern oder 80ern. 13,75" gerahmtes 9,5" Visier. Keine Probleme oder Schäden. KUNST war schon immer Teil meines Lebens. Es ist mein persönliches Ausdrucksmittel, meine Kontaktaufnahme, meine Welt und das Wunder, das ich darin finde, zu teilen. Die Wunder der Natur prägen meine Arbeit, ob realistisch oder abstrakt. Ich habe jetzt das Glück, am Meer zu leben, wo sich endlose Horizonte treffen Herrliche Sonnenaufgänge und das Geräusch der Möwe, des Reihers und des Kranichs vermischen sich mit der Musik des Windes, der in den Palmen pfeift. Jede Wendung in meinem Leben bringt neue Inspiration. Meine Kunst ist eine entzückende Reise nie endender Entdeckungen. Ich finde Freude an jeder Erfahrung und freue mich, wenn der Betrachter in meiner Arbeit etwas findet, das ihn berührt. Ich werde nie alle Dinge malen, die mich ansprechen, aber ich werde es auf jeden Fall versuchen. Genießen Anita Diebel ist bekannt für ihre einfühlsamen Wasser- und Collagenbilder, die mit Farb- und Texturschichten in Einklang stehen. Als intuitive Malerin entwickelt sich ihre Arbeit aus einem inneren Geist heraus, während sie auf das Zusammenspiel von Farben und Formen, Linien und Rhythmen reagiert. Jedes Gemälde ist die Kombination vieler Schichten: gemalt, collagiert, verdunkelt, gefunden, verborgen, verstärkt und mit dem Ganzen verschmolzen, während die vielen Ereignisse in unserem Leben dazu dienen, uns zu dem zu machen, was wir sind, eine Kombination aus dem, was vorhergegangen ist, dem, was wir erleben und dem, wovon wir träumen. Diebels Gemälde hängen durchgehend in Privat- und Firmensammlungen den USA und im Ausland. Ihre Arbeit wurde mit Preisen bei lokalen, nationaler und internationaler Ebene. Sie hat den Signaturstatus in erreicht Texas Watercolour Society, Southwest Watercolour Society und Western Federation of Watercolour Society. b41

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c1900 Henriot Quimper Prototyp eines Aquarellblatts aus der Fabrik. Extrem seltenes Exemplar, eines von zwei Exemplaren, die ich aus einer umfangreichen Quimper-Sammlung erworben habe, die Mitte des 20. Jahrhunderts zusammengestellt wurde. Dieses Stück ist garantiert über 100 Jahre alt, aber kürzlich gerahmt und mit säurefreiem Papier mattiert. Ich bin zu 100 % sicher, dass es sich um ein über 100 Jahre altes Originalaquarell aus der Fabrik handelt, mit Bleistiftnotizen unter jedem Artikel. Früher war es üblich, für die feineren Fayencestücke einen Aquarell-Prototyp anzufertigen. Diese Aquarelle dienten als Vorbild für die Künstler, die letztendlich die Werke malten, die so reich an Farben und Details waren. 24,5" x 17" x 10 5/8" x 18,25" Visier. Zeichnungen/Papier aus der Zeit vor dem Einrahmen sind etwas abgenutzt, aber es sieht wunderschön aus und ist mit Sicherheit das Highlight jeder Quimper-Sammlung.

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c1900 Henriot Quimper Prototyp eines Aquarellblatts aus der Fabrik. Extrem seltenes Exemplar, eines von zwei Exemplaren, die ich aus einer umfangreichen Quimper-Sammlung erworben habe, die Mitte des 20. Jahrhunderts zusammengestellt wurde. Dieses Stück ist garantiert über 100 Jahre alt, aber kürzlich gerahmt und mit säurefreiem Papier mattiert. Ich bin zu 100 % sicher, dass es sich um ein über 100 Jahre altes Originalaquarell aus der Fabrik handelt, mit Bleistiftnotizen unter jedem Artikel. Früher war es üblich, für die feineren Fayencestücke einen Aquarell-Prototyp anzufertigen. Diese Aquarelle dienten als Vorbild für die Künstler, die letztendlich die Werke malten, die so reich an Farben und Details waren. 24,5" x 17" x 10 5/8" x 18,25" Visier. Zeichnungen/Papier aus der Zeit vor dem Einrahmen sind etwas abgenutzt, aber es sieht wunderschön aus und ist mit Sicherheit das Highlight jeder Quimper-Sammlung.

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Jerry Seagle Texas Mission Aquarell 14" x 17" gerahmt 9" x 12" Visier, keine Beschädigungen oder Probleme. Jerry Seagle ist ein zeitgenössischer texanischer Künstler, der in traditionellerer Kunst ausgebildet ist. Er schloss sein Studium der Malerei an der University of Texas in Austin mit Auszeichnung ab und erhielt ein Graduiertenstipendium, um sein Studium an der University of the Americas in Mexiko-Stadt fortzusetzen. Er greift auf seine Vergangenheit in der Kunst des Südwestens zurück, um seine abstrakten Acrylgemälde zu schaffen. Seagle hat Kunst in über hundert Einzelausstellungen gezeigt. Er hat mehr als 250 Auszeichnungen in nationalen und regionalen Ausstellungen erhalten und seine Gemälde wurden in mehreren Artikeln über experimentelle Wassermalerei reproduziert. tw122

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1970er Jahre Austin Texas Aquarell „The Preacher's Car“ von Robert William „Windy“ Winn. 12" x 16" Visier, 19" x 23" gerahmt. Windy Winn war 1977 einer der Mitbegründer der Waterloo Waterloo Group. Die Malerei ist sauber und ohne Probleme. Einige Gebrauchsspuren am Rahmen. Es war die lokale Persönlichkeit Cactus Pryor, die Wings Frau Babs seinem Highschool-Kumpel Windy vorstellte. Jake Pickle und Windy waren in den 1950er Jahren Partner und kümmerten sich um politische Kampagnen und Werbekampagnen. Babs und Windy hatten viel Spaß zusammen. Sie waren ursprüngliche „Gründungsmitglieder“ des Austin Civic Theater (heute Zachary Scott Theater). Sie spielten, tanzten, sangen, führten Regie und schrieben Theaterstücke, machten Werbung für das Austin Civic Theater und organisierten die Laguna Gloria Art Fiesta. Er besuchte die Austin High School in Austin, Texas. 1942 trat er in die US-Marine ein und besuchte die San Diego State University, wo er Redakteur der Zeitung „Navy Base“ war, bevor er verschleppt wurde. Nach seiner Rückkehr arbeitete er kurzzeitig als Grafiker für die Zeitung Austin American Statesman und gründete 1947 gemeinsam mit dem ehemaligen US-Repräsentanten Jake Pickle und Ed Eyers die Werbeagentur Eyers, Pickle and Winn.

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um 1850 Antike chinesische Mark-Aquarell-/Gauche-Gemälde auf Reispapier, gerahmt, frühes 20. Jahrhundert. Das abgebildete Los wird verkauft. Es handelt sich um chinesische Gemälde aus der Mitte des 19. Jahrhunderts, die in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts gerahmt wurden, da sie zu diesem Zeitpunkt bereits einen Wert hatten. Zwei sind 5 1/8" x 7 5/8" groß und haben, wie abgebildet, einige Schäden am Papier an den Rändern. Die Bilder sind sauber und könnten daher neu gerahmt werden, wenn sie als Ablenkung dienen würden. Das andere ist 12 1/8" x 5 7/8" groß und mit einem Doppelbild gerahmt, jedes mit einer Größe von 3 5/8" x 2 1/8". Verkaufe das abgebildete Grundstück, alle aus demselben Nachlass, frisch. tw227

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George Crionas (1925-2004) Golfer-Aquarellkünstler aus Kalifornien. George C. Crionas wurde am 25. September 1925 in Detroit, MI, geboren. Crionas lebte in Michigan, bevor er nach Südkalifornien zog. Er starb am 24. März 2004 in Canoga Park, Kalifornien. Er malte oft Clowns. Maße: 22" x 17,5" gerahmt, 14,5" x 10,5" Visier. Keine Probleme mit Lackierung oder Mattierung, sauberer Rahmen. Alle Verfärbungen, die Sie sehen, sind auf die Beleuchtung oder Reflexionen zurückzuführen.

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Faye Schnuriger( 1911-1997) San Antonio Texas Landscape Deer Painting on Board 17" x 14" gerahmt, 12" x 9,5" Panel.Faye Schnuriger( 1911-1997) ist eine gebürtige Texanerin, Malerin und Lehrerin , und Schriftsteller. Sie studierte Kunst bei Fredrick Taubes, William Earle, Harold Roney, Fred Samuelson, Clint Bermann und anderen bekannten Dozenten. Sie studierte am Fashion Institute of Technology und der Traphagen School of Design in New York; war als Autor, Designer und Assistenzkünstler mit einer Fernschule verbunden. Sie hat ein Buch vorzuweisen: „Pint-along-with-Faye“. Ihre Gemälde befinden sich in Privatsammlungen in Kanada, Washington, Dallas, Midland und San Antonio. Ihr „Learning Tower“ gewann den Best of Show bei einer Central Park Invitational Show und wurde von einem Arzt aus San Antonio gekauft. Ihr „Fern Forest“ wurde zusammen mit zwanzig Gemälden anderer Künstler für die Bi-Centennial Art Show der National League of American Pen Women in Washington, D.C. ausgewählt. Schnuriger war angeschlossen an: San Antonio River Art Group, Randolph Art League, New Braunfels Art League, Liberty Art League, Lone Star ArtLeague, Hillcountry Art League. Sie hat Stücke in der Smithsonian and Texas Women's University LibraryB3

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Antikes mexikanisches Retablo-Gemälde auf Zinn, 19. Jahrhundert. 11" x 15" gerahmt. Retablo aus dem 19. Jahrhundert mit einem winzigen Loch oben, wo es einst in Mexiko an einer Wand hing, gerahmt im dritten Viertel des 20. Jahrhunderts. Geringe erwartete Gebrauchsspuren ohne nennenswerte Probleme.

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Fleisch hat nicht viele Porträts gemacht, ich habe nur wenige andere gesehen. Eines davon brachte 2013 bei eBay 6.100 US-Dollar ein. Dieses Stück ist frisch aus dem Nachlass und wurde bisher nirgendwo angeboten, seit es vom Künstler gekauft wurde.Der Rahmen misst 31" x 19", es handelt sich um den Originalrahmen. Hergestellt in Italien mit Aufkleber 78061, der mit der Nummer auf der Rückseite des Gemäldes übereinstimmt. Die Leinwand ist 24" x 12" groß. Sowohl das Gemälde als auch der Rahmen sind einwandfrei. Dies ist eines seiner früheren Werke aus den 1970er Jahren, meiner Meinung nach auch eines seiner besseren Werke. Er ist gut gelistet und hat bereits vor seinem Tod im Jahr 2008 einige sehr hohe Auktionspreise erzielt.Ken Fleisch(Amerikaner, 1943-2008) Ken Fleischs Gemälde sind schlicht, überzeugend und täuschend einfach in ihrer Erscheinung. Makellos in seinen Details und seinem Realismus erreicht Fleischs Werk den Kern des Lebens auf fast klassische Weise.            Fleisch wurde am 4. November 1943 in Texas geboren und erlebte in seinen frühen Jahren eine breite Perspektive des Lebens Leben als Sohn eines Luftwaffenoffiziers in den Vereinigten Staaten und Europa. Fleischs Kunstausbildung ist eine Kombination aus formaler Ausbildung an amerikanischen und europäischen Universitäten mit anspruchsvoller praktischer Erfahrung, die er durch Privatstudien und gemeinsame Projekte mit international bekannten Künstlern gesammelt hat.            Er bezeichnet sich selbst als Realist lässt sich oft von seinem Heimatstaat Texas inspirieren, doch seine Gemälde überschreiten geografische Grenzen und berühren den Kern des Lebens auf fast klassische Weise. Seine eindrucksvollen Gemälde sind mehr als bloße Widerspiegelungen der Realität: Sie sind ein Mittel, mit dem er Philosophie und Emotionen teilt. Er nutzt das Alltägliche, um das Komplexe zu vermitteln, und verwendet für seine schlichten Stillleben, die viele fesselnd finden, häufig alte Töpferwaren, Artefakte und religiöse Ikonen.             Fleisch begann mit dem Malen von Landschaften, wandte sich dann der Architektur und Gebäuden zu und fühlte sich schließlich zu den längst vergessenen Objekten hingezogen, die auf Regalen standen. Fleisch malt jetzt ausschließlich Stillleben. Er interessiert sich für die Konvergenz der Kulturen und die Geschichten hinter den Objekten, die er malt.Ken Fleischs preisgekrönte Arbeiten wurden ausführlich in regionalen und nationalen Publikationen vorgestellt und seine Gemälde befinden sich in bedeutenden privaten und öffentlichen Sammlungen quer durchs Land. Die große Anerkennung der Kunst von Ken Fleischs auf nationaler Ebene, die Beliebtheit seiner Druckserien und die große Vielfalt seiner Sammler, von Bob Dylan bis CBS Television, können die Tiefe und Integrität seiner Arbeit nur unterstreichen.

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Antikes französisches Öl auf Tafel, Stadtplatz mit Apotheke Pharmacien. Tolle frühe Malerei aus dem 18.-19. Jahrhundert garantiert. Es befindet sich in einem Rahmen aus dem Jahr 1870, der meiner Meinung nach nicht original ist. Es ist auf eine Holzplatte mit handgeschliffenen Kanten gemalt. Leichte Biegung in der Platte, mit einigen ganz leichten Rissen, oben auf dem Gemälde gibt es einige alte Lackflecken im Wolkenbereich, die von jemandem, der sich damit auskennt, leicht entfernt werden könnten. Ich selbst empfinde sie nicht als große Ablenkung. Tolles Gemälde, ich konnte keine Signatur finden.18,5" x 14,5" Rahmen, 12 5/8" x 9 3/8" Panel.Dies gehörte einst dem Bürgerkriegsoberst der Konföderierten, William Lamb (7. September 1835 – 23. März 1909), ein amerikanischer Zeitungsredakteur, Politiker, Geschäftsmann und Soldat, erwähnte seine Rolle als Offizier der Armee der Konföderierten Staaten beim Kommandieren der Garnison der Konföderierten in Fort Fisher an der Mündung des Cape Fear River während des Bürgerkriegs Krieg. Es wurde durch Erbschaft an die Familie weitergegeben, die ich vertrete.

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Arthur McCall Texas Hill Country Landscape Jagdhund und Wachtel, Öl auf Leinwand, ca. 1980er Jahre, 22,5" x 18,25", gerahmte 18" x 14" Tafel. Unglaubliches Kunstwerk ohne Probleme mit der Bemalung oder dem Rahmen. Arthur McCall stammt aus Südtexas und lebt seit langem in Pleasanton, Texas. Seit er denken kann, interessierte er sich für Zeichnen und Malen, ein Kindheitshobby, das sich zu einer beruflichen Karriere entwickelt hat. Er würde sich selbst als autodidaktischen Künstler bezeichnen, obwohl das Studium der kommerziellen Kunst ein früher Teil seiner Anfänge in der Kunst war. Diese Ausbildung, so kurz sie auch sein mochte, wurde durch den Militärdienst unterbrochen und schließlich endete die Kunstausbildung mit der Zuweisung zur Ersten Infanteriedivision der US-Armee und einer Reise nach Vietnam in den 1960er Jahren. Einige Jahre später wurde McCall ausgewählt, die Texas Game Warden Academy an der Texas University zu besuchen, und wurde 1969 zum Texas Game Warden ernannt. Er wurde 1971 dem Atascosa County zugeteilt und diente der Region als Game Warden, bis er 2012 nach 43 Jahren in den Ruhestand ging Nutzungsbedingungen, Geschäftsbedingungen.

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1978 Winterlandschaft, Öl auf Leinwand, Gemäldepaar von Besty Jones. Großartig aussehendes Gemäldepaar ohne nennenswerte Probleme. Maße jeweils 8,75" x 6,75" gerahmt. tw82

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Bud McCaulley (1932-2014) gelisteter texanischer Künstler, Porträt der amerikanischen Ureinwohner. Bud war ein Veteran der United States Marines. Er war ein erfolgreicher Künstler in den Bereichen kommerzielle Kunst, bildende Kunst und Cowboy-Cartoon. Er ist vor allem für seine Karikaturen bekannt, die Westernszenen in den 1970er Jahren darstellen. Es gab Tischsets und so viele Dinge, die aus seiner Kunst hergestellt wurden. Jeweils 26,7 x 21,6 cm, gerahmt mit 15,2 x 20,3 cm großen Paneelen. Keine Probleme mit Gemälden oder Rahmen. Tw3

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Der Rahmen misst 32" x 28", die Leinwand ist 24" x 20". Wirklich schöne Küstenlandschaft mit Häusern in einem wirklich gut aussehenden schweren Rahmen. Das Gemälde ist in neuwertigem Zustand und weist keine Probleme auf. Der Rahmen ist sehr sauber und vorzeigbar.

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Rahmen misst 30,5" x 26,5", Brett misst 24" x 20". Rahmen und Gemälde sind in unglaublichem Zustand. Unten links an ihrem Stuhl sind ein paar winzige 1-mm-Beulen zu sehen, wie im dritten Bild zu sehen ist. Es gibt eine Linie über der Oberseite des Gemäldes, vielleicht 3/4 Zoll nach unten, vielleicht an der Stelle, an der die Tafel höher gemacht wurde, um in diesen teuren Rahmen zu passen, ich bin mir nicht sicher. Sie ist nur bei starker Bewölkung zu erkennen. Ich kann wenig finden Informationen über die Künstlerin, außer dass sie 1901 geboren wurde.

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Richard Maitland (1928 - 2014) Miniaturzug, der an Bord in Richtung Siloöl fährt. 9" x 12" großes Gemälde in einem 10" x 13" großen Rahmen, keine Probleme mit Gemälde oder Rahmen. Unten links signiert Maitland. Richard Maitland (1928 - 2014) Er teilte die Bühne und feierte mit Marilyn, tauschte Korrespondenz und Kunstwerke mit Jackie O. aus und führte The Twist in Indien ein. Richard Maitland, Sohn eines New Yorker Lastwagenfahrers und der Tochter eines Goldgräbers aus Pinos Altos, Tänzer und Künstler, wurde in Bisbee, Arizona, geboren. Er verbrachte seine prägenden Jahre – und auch einen Großteil seines Lebens – auf der Straße. Im Jahr der Weltwirtschaftskrise zog seine Familie nach San Francisco. Dort begann er als Tänzer Fuß zu fassen und trat im Alter von 8 Jahren in seiner ersten Produktion auf. Bevor er sich Mitte der 60er Jahre in New Mexico niederließ, arbeitete er in Filmen und Broadway-Produktionen mit Künstlern wie Ethel Merman und Richard Burton. Mit der Unterstützung von Indira Gandhi unterrichtete und tanzte er sechs Jahre lang in Indien Ballett. Dort begann er auch, seine Kunstwerke auszustellen, und dort lernte er Jacqueline Kennedy kennen, die sich in seine Gemälde verliebte und Sammlerin wurde. Diese farbenfrohen Erinnerungen prägen und konsumieren Maitlands Kunstwerke und seine Welt. Er ist ein selbsternannter Nostalgiker, der in einem Interview mit dem Alibi im Jahr 2011 über sich selbst sagte: „Ich lebe in der Vergangenheit, seit ich ein Kind war.“ Er ist ein Performer und Geschichtenerzähler auf höchstem Niveau, und das ist er auch eine vergebliche Übung, um eine Grenze zwischen dem Mann und seiner nostalgischen Umgebung zu ziehen; sie definieren ihn und er verkörpert sie. Es ist auch schwierig, Maitlands Werk ein stilistisches Etikett zuzuordnen. Als autodidaktischer Künstler reichen seine Werke vom Surrealismus bis zur Volkskunst und sind stets von komplexen und persönlichen Erzählungen geprägt. Um seine Botschaften zu übermitteln, verwendet er Puppenteile, Knochen, Federn, alte Fotos von sich selbst – so ziemlich alles, was ihm in die Finger kommt. Seine Ideen sind düster, grotesk, skurril, schön und bittersüß. Neben der lebhaften Feier eines erfüllten Lebens steckt in seinen Werken oft eine unendliche Traurigkeit. In vielen Werken Maitlands gibt es eine Unterströmung gesellschaftspolitischer Kommentare. „Ich mache Kommentare zu Politik und Religion“, sagt Maitland. „Ich bin ein sehr säkularer Humanist. Ich hasse Fanatismus, und ich hasse Bigotterie und Engstirnigkeit. Ich liebe die Natur und Tiere. Und ich denke, dass die Liebe die Welt regiert.“

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1912 Josef J. Brabender Impressionismus-Öl auf Platte. Ich weiß nicht viel über diesen Künstler, aber ich weiß, dass er in den 30er und 40er Jahren viele Miniaturen gemalt hat. Ich glaube, er begann in Mexiko zu malen und zog dann nach Alaska. Bei den meisten seiner Miniaturen handelte es sich um eine dickere pastose Farbe in einem ähnlichen Stil wie diese. Ich habe ein Ergebnis von einem 3" x 4" großen Gemälde dieses Künstlers gefunden, das 2016 bei eBay 675 $ einbrachte, und einem 2" großen Quadrat, das bei Bonhams 335 $ einbrachte. 7,25" großes quadratisches Gemälde, 11" quadratisch gerahmt. Keine Probleme mit der Bemalung, angemessene Gebrauchsspuren am Rahmen .

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Thomas L. Lewis (1907-1978) Taos New Mexico Landschaftsöl auf Holz. Schönes altes Gemälde aus der Mitte des 20. Jahrhunderts von einem renommierten Künstler. Kein Problem oder Schaden, sauberer Rahmen, auf der Rückseite signiert. Außerdem gibt es auf der Rückseite einen Hinweis darauf, dass an einer Stelle gereinigt und lackiert wurde, sieht jetzt fantastisch aus. 21" x 26" gerahmtes 17,5" x 22" Panel. Thomas wurde in Bay City, Texas, geboren und wurde Maler detaillierter Südwestlandschaften und Kunstgalerist in Taos, New Mexico. Seit seinem neunzehnten Lebensjahr war er ein professioneller Künstler und begann mit dem Malen von Szenen aus dem amerikanischen Süden. Anfang der 1930er Jahre begann er mit Sepiatönen und Wüstenmalerei zu experimentieren und entwickelte eine raffinierte Farbpalette, die das Wüstenland besonders zum Ausdruck brachte. Nach dem Krieg ließ er sich in Taos, New Mexico, nieder und Bert Phillips, Gründer der Taos Art Colony, wurde einer seiner besten Freunde. Seine Gemälde befinden sich im Gilcrease Institute of American History, im University of Arizona Art Museum und in vielen Privatsammlungen.

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Giuseppe Rispoli (1882-1960) Paar neapolitanische Straßenszenen, Öl auf Holz. Verkaufe die beiden gezeigten Gemälde in gutem Zustand und ohne erkennbare Mängel. 16,5" x 12,75" jeweils gerahmt. Verkaufe beides zum gleichen Preis.

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Monique Sakellarios wurde in Ägypten geboren und erhielt ihre Ausbildung an der Leonardo Da Vinci School of Art und der American University in Kairo. Sie zog in ihren Zwanzigern in die Vereinigten Staaten. Sie malt seit fast zwanzig Jahren professionell, hat eine beeindruckende Anzahl nationaler Auszeichnungen erhalten und an Dutzenden jurierten Ausstellungen teilgenommen. Frau Sakellarios ist Mitglied der New Hampshire Art Association, Gründungsmitglied der National Oil and Acrylic Painters Society und assoziiertes Mitglied der Oil Painters of America, der Hudson Valley Art Association und des Catharine Lorillard Wolfe Art Club. Sie wurde im Artist's Magazine (März 1997 und September 1997) sowie im International Artist Magazine (August/September 1999) vorgestellt. Ihre Gemälde zeichnen sich durch ihren impressionistischen Stil und ihre reiche, warme Farbpalette aus – ein Effekt, der teilweise durch die Praxis von Frau Sakellarios erreicht wird, ihre Leinwände mit Cadmiumrot zu grundieren. Sie malt nass in nass und die daraus resultierenden Werke spiegeln einen fließenden Stil und eine Unmittelbarkeit wider, die ihre Motive mit überzeugender Integrität einfangen. Ihre Landschaften sind sanfte, nachdenkliche Welten, die von stiller Würde und Eleganz durchdrungen sind. Als stille Beobachterin verewigt Frau Sakellarios die private Welt, von der sie oft Zeugnis ablegt. Figuren können als entfernte Brennpunkte dienen: ein kleines Kind, das in einem Meer aus Wildblumen steht und in einen Moment kindlicher Träumerei versunken ist ... eine Frau, die ruhig im Schatten eines Sommergartens liest. Die Kompositionen von Frau Sakellarios strahlen Licht und Gefühl aus und sprechen ein allgemein ansprechendes Thema von Gelassenheit und Anmut an. 16,5" x 18,5" Rahmen, 8" x 10" Masonitplatte. Originalarbeit. Keine Probleme mit der Bemalung, einige Gebrauchsspuren am Rahmen und Verschmutzungen am Passepartout.

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Rider Mid Century Modern Impasto Oil an Bord. Keine Schäden oder Abnutzung am Gemälde oder Rahmen. Da ich nur eine begrenzte Entfernung hatte, konnte ich nicht das gesamte Bild fotografieren, aber Sie verstehen bestimmt, worauf es ankommt. 10,25" x 8" gerahmt, 7" x 5" Gemälde. Ich kenne den Künstler nicht und es ist schwierig, mit einem Namen wie Rider zu recherchieren, der auf der rechten Seite direkt unter dem blauen, schönen Gemälde signiert ist. Etikett der Dutch Art Gallery Dallas TX auf der Rückseite. isshelf

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Shep Chadhorn war ein Blackfoot-Indianer, der eine formelle Ausbildung am Art Institute in New York absolvierte. Chadhorn ist für verschiedene Zeitschriften- und Publikationskunstwerke bekannt. Die meisten seiner Werke wurden ausschließlich in der Country Store Gallery und anderen Galerien im Südwesten verkauft. 19" x 23" gerahmt, 12" x 16" Visier. Keine Schäden am Gemälde, sauberer Rahmen, authentisches Originalöl aus den 1980er Jahren von einem sehr versierten und gut gelisteten Künstler.

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John McClusky (1914-1994) Ölgemälde eines Hauses in Texas. Dies ist ein wirklich schönes Gemälde eines gut gelisteten Künstlers mit einigen hohen Auktionsergebnissen. Es gibt keine Probleme mit dem Gemälde oder dem Rahmen, die Rückseite ist mit einer schützenden Schaumstoffplatte versehen. 12" x 24" in einem 18" x 30" Rahmen.

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c1850 Porträt einer jungen Frau, Öl auf Leinwand, in unglaublichem Rahmen. Dieses Stück ist unglaublich lebendiger als gezeigt. Es wurde 2004 professionell restauriert. Sie beschreiben sehr ausführlich, was sie getan haben. Es hört sich nicht so an, als hätte es Löcher oder irgendetwas Bedeutendes gehabt, aber es hört sich so an, als hätten sie es richtig gemacht, und ich wette, dass die Durchführung dieser Arbeit ein paar Riesen gekostet hat Diese Art von Arbeit ist nicht billig. Ich lege den Ordner bei, den ich mit dem Gemälde erhalten habe. Das Gemälde misst 13 3/8" x 15,25", gerahmt mit einer 10" x 8" großen Leinwand. tw194

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Robert Rohm Texas/New Mexico Künstler Großes Haus im Südwesten, Öl auf Leinwand. Neuwertiger Zustand, neuwertig, 18" x 24" in einem 24" x 30" großen Rahmen. Keine Beschädigung des Gemäldes oder Rahmens. Der Galeriepreis dafür lag vor etwa 20 Jahren bei 3.500 US-Dollar, dafür zahlten sie rund 4.000 US-Dollar inklusive Steuern. Es ist ein wundervolles Gemälde, dem ich in meiner bescheidenen Fotografie wahrscheinlich nicht gerecht geworden bin. Bob hat den größten Teil seines Lebens gemalt und erhielt eine klassische Kunstausbildung an der York Academy of Arts in Pennsylvania. Heute lebt er in Texas und seine Gemälde spiegeln die Brillanz der Farben im klaren, hellen Licht des Südwestens wider. Er ist bekannt für seine Fähigkeit, die Poesie des Lichts einzufangen, hat zahlreiche Auszeichnungen erhalten und ist ein markantes Mitglied der Pastel Society of America, der Oil Painters of America und der Outdoor Painters Society. Er ist der Autor des Buches THE PAINTERLY APPROACH und wurde in zahlreichen Publikationen vorgestellt, darunter Southwest Art, American Artist, The Artist's Magazine, The Pastel Journal, International Artist und Pure Color. Bobs Malansatz war Gegenstand mehrerer Lehr-DVD-Produktionen. Seine Arbeiten werden international gesammelt und von einer Reihe renommierter Galerien vertreten, darunter Sorrel Sky in Santa Fe, RS Hanna in Fredericksburg, Aspen Grove Fine Arts in Aspen und Southwest Gallery in Dallas.

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Dewey Bradford (1896-1985) Austin Texas Landschaft um 1920, Öl auf Leinwand. 9" x 12" großes Gemälde in einem 14,5" x 17,5" großen Originalrahmen. Dieses Gemälde ist etwa 85–100 Jahre alt und weist keine nennenswerten Mängel an der Bemalung oder am Rahmen auf. Dewey Bradford war der Gründer der Country Store Gallery in Austin, Texas. Im Jahr 1939 begann Porfirio Salinas mit Dewey Bradford (1896-1985) zusammenzuarbeiten, einer der großen Figuren der texanischen Kunst. Bradford war ein Händler in der zweiten Generation, dessen Familie die Bradford Paint Company in Austin betrieb, wo sie Künstlerbedarf, gerahmte Kunstwerke, restaurierte Gemälde und hängende Künstlerarbeiten verkaufte. Salinas hatte Probleme, als er Bradford traf, aber der ältere Mann nahm den jungen Künstler unter seine Fittiche und begann, seine Werke zuverlässig zu verkaufen, obwohl die Preise, die die Leute für ein Gemälde zahlen würden, aufgrund der anhaltenden Auswirkungen der Weltwirtschaftskrise immer noch niedrig waren . Bradford war ein geborener Verkäufer mit einer Begabung für das Geschichtenerzählen und, um ehrlich zu sein, ein bisschen Stickerei. Die Beziehung zwischen Bradford und Salinas war oft schwierig, sollte aber für den Rest des Lebens des Künstlers Bestand haben und ihm ein bescheidenes Gefühl von Loyalität und Sicherheit vermitteln, Dinge, die in der Kunstwelt nur allzu selten sind. Während Bradford seine Arbeit kritisieren konnte, wusste Salinas, dass er einen Händler hatte, der ihn ermutigte, an ihn glaubte und sich nicht scheute, jedem, der Bradfords Laden in der Guadalupe Street betrat, sein Lob zu singen.

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